Arte
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Visão geral
Na perspectiva da história da arte, existem obras artísticas há quase tanto tempo quanto a humanidade: desde a arte pré-histórica precoce até a arte contemporânea; No entanto, alguns teóricos pensam que o conceito típico de "obras artísticas" não se encaixa bem fora das sociedades ocidentais modernas. Um senso inicial da definição de arte está intimamente relacionado ao significado latino mais antigo, que se traduz aproximadamente em "habilidade" ou "artesanato", associado a palavras como "artesão". As palavras em inglês derivadas desse significado incluem artefato, artificial, artifício, artes médicas e artes militares. No entanto, existem muitos outros usos coloquiais da palavra, tudo com alguma relação com sua etimologia.
Com o tempo, filósofos como Platão, Aristóteles, Sócrates e Kant, entre outros, questionaram o significado da arte. [Citação completa necessária] Vários diálogos em Platão abordam perguntas sobre arte: Sócrates diz que a poesia é inspirada nas musas e não é racional . Ele fala de aprovação disso e de outras formas de loucura divina (embriaguez, erotismo e sonho) no Phaedrus (265a -C), e ainda na República quer proibir a grande arte poética de Homer e rir também. Em íons, Sócrates não dá indícios da desaprovação de Homer que ele expressa na República. O diálogo sugere que a Ilíada de Homer funcionou no mundo grego antigo, como a Bíblia hoje no mundo cristão moderno: como arte literária divinamente inspirada que pode fornecer orientação moral, se só pode ser interpretada adequadamente. [Citação completa necessária]
Com relação à arte literária e às artes musicais, Aristóteles considerou poesia épica, tragédia, comédia, poesia ditirâmbica e música para ser arte mimética ou imitativa, cada uma variando em imitação por meio, objeto e maneira. [Citação completa necessária] por exemplo , a música imita com a mídia do ritmo e da harmonia, enquanto a dança imita apenas com ritmo e poesia com a linguagem. As formas também diferem em seu objeto de imitação. A comédia, por exemplo, é uma imitação dramática de homens piores que a média; enquanto a tragédia imita homens um pouco melhor que a média. Por fim, as formas diferem em sua maneira de imitação - através da narrativa ou caráter, através de mudanças ou nenhuma mudança, e através do drama ou nenhum drama. Aristóteles acreditava que a imitação é natural para a humanidade e constitui uma das vantagens da humanidade sobre os animais. [Citação completa necessária]
O sentido mais recente e específico da palavra arte como abreviação de arte criativa ou belas artes surgiu no início do século XVII. A arte refere -se a uma habilidade usada para expressar a criatividade do artista, ou para envolver as sensibilidades estéticas do público, ou levar o público à consideração de uma obra de arte mais refinada ou mais refinada.
Dentro deste último sentido, a palavra arte pode se referir a várias coisas: (i) um estudo de uma habilidade criativa, (ii) um processo de usar a habilidade criativa, (iii) um produto da habilidade criativa ou (iv) o Experiência do público com a habilidade criativa. As artes criativas (arte como disciplina) são uma coleção de disciplinas que produzem obras de arte (arte como objetos) que são obrigadas por um impulso pessoal (arte como atividade) e transmitem uma mensagem, humor ou simbolismo para o perceptor interpretar (arte como experiência). A arte é algo que estimula os pensamentos, emoções, crenças ou idéias de um indivíduo através dos sentidos. Obras de arte podem ser feitas explicitamente para esse fim ou interpretadas com base em imagens ou objetos. Para alguns estudiosos, como Kant, as ciências e as artes poderiam ser distinguidas por tomar a ciência como representando o domínio do conhecimento e as artes como representando o domínio da liberdade de expressão artística. [Citação completa necessária]
Freqüentemente, se a habilidade estiver sendo usada de maneira comum ou prática, as pessoas consideram isso um ofício em vez de arte. Da mesma forma, se a habilidade estiver sendo usada de maneira comercial ou industrial, pode ser considerada arte comercial em vez de belas artes. Por outro lado, artesanato e design às vezes são considerados arte aplicada. Alguns seguidores de arte argumentaram que a diferença entre arte e arte aplicada tem mais a ver com julgamentos de valor feitos sobre a arte do que qualquer diferença de definição clara. No entanto, mesmo as belas artes geralmente têm objetivos além da pura criatividade e auto-expressão. O objetivo das obras de arte pode ser comunicar idéias, como na arte politicamente, espiritual ou filosoficamente motivada; criar um senso de beleza (veja a estética); explorar a natureza da percepção; por prazer; ou para gerar emoções fortes. O propósito também pode ser aparentemente inexistente.
A natureza da arte foi descrita pelo filósofo Richard Wollheim como "um dos mais ilusórios dos problemas tradicionais da cultura humana". A arte foi definida como um veículo para a expressão ou comunicação de emoções e idéias, um meio para explorar e apreciar elementos formais por si só, e como mimese ou representação. A arte como Mimesis tem raízes profundas na filosofia de Aristóteles. Leo Tolstoi identificou a arte como um uso de meios indiretos de se comunicar de uma pessoa para outra. Benedetto Croce e R. G. Collingwood avançaram a visão idealista de que a arte expressa emoções e que a obra da arte, portanto, existe essencialmente na mente do Criador. A teoria da arte como forma tem suas raízes na filosofia de Kant e foi desenvolvida no início do século XX por Roger Fry e Clive Bell. Mais recentemente, os pensadores influenciados por Martin Heidegger interpretaram a arte como os meios pelos quais uma comunidade se desenvolve para si um meio de auto-expressão e interpretação. George Dickie ofereceu uma teoria institucional da arte que define uma obra de arte como qualquer artefato sobre o qual uma pessoa ou pessoas qualificadas que atuam em nome da instituição social comumente referida como "o mundo da arte" conferiu "o status do candidato a apreciação ". Larry Shiner descreveu arte como "não uma essência ou um destino, mas algo que fizemos. Arte, como geralmente entendemos que é uma invenção européia com apenas duzentos anos".
A arte pode ser caracterizada em termos de mimese (sua representação da realidade), narrativa (narrativa), expressão, comunicação da emoção ou outras qualidades. Durante o período romântico, a arte passou a ser vista como "uma faculdade especial da mente humana a ser classificada com religião e ciência".
História
Uma concha gravada por Homo erectus estava determinada a estar entre 430.000 e 540.000 anos. Um conjunto de oito garras de águia de cauda branca de 130.000 anos de idade e abrasão que indicam manipulação por neandertais, possivelmente por usá-lo como jóias. Uma série de pequenas conchas de caracóis perfuradas com cerca de 75.000 anos - foram descobertas em uma caverna sul -africana. Os contêineres que podem ter sido usados para reter tintas foram encontrados datando de 100.000 anos.
Esculturas, pinturas de cavernas, pinturas rochosas e petroglifos da datação do Paleolítico Superior a cerca de 40.000 anos atrás foram encontradas, mas o significado preciso de tal arte é frequentemente contestado porque tão pouco se sabe sobre as culturas que as produziram.
Muitas grandes tradições na arte têm uma base na arte de uma das grandes civilizações antigas: Egito antigo, Mesopotâmia, Pérsia, Índia, China, Grécia antiga, Roma, além de Inca, Maya e Olmec. Cada um desses centros de civilização precoce desenvolveu um estilo único e característico em sua arte. Devido ao tamanho e duração dessas civilizações, mais de suas obras de arte sobreviveram e mais sua influência foi transmitida a outras culturas e depois. Alguns também forneceram os primeiros registros de como os artistas funcionavam. Por exemplo, esse período de arte grega viu uma veneração da forma física humana e o desenvolvimento de habilidades equivalentes para mostrar musculatura, equilíbrio, beleza e proporções anatomicamente corretas.
Na arte bizantina e medieval da Idade Média Ocidental, muita arte se concentrou na expressão de assuntos sobre a cultura bíblica e religiosa, e usou estilos que mostraram a glória mais alta de um mundo celestial, como o uso de ouro no fundo das pinturas, ou vidro em mosaicos ou janelas, que também apresentaram figuras em formas idealizadas e padronizadas (planas). No entanto, uma tradição realista clássica persistiu em pequenas obras bizantinas, e o realismo cresceu constantemente na arte da Europa católica.
A arte renascentista teve uma ênfase muito maior na representação realista do mundo material e no lugar dos seres humanos, refletido na corporalidade do corpo humano, e desenvolvimento de um método sistemático de perspectiva gráfica para representar a recessão em um tridimensional Espaço de imagem.
No leste, a rejeição da iconografia da arte islâmica levou à ênfase em padrões geométricos, caligrafia e arquitetura. Mais a leste, a religião também dominava os estilos e formas artísticas. A Índia e o Tibete viram ênfase nas esculturas e dança pintadas, enquanto a pintura religiosa emprestava muitas convenções da escultura e tendia a cores brilhantes contrastantes, com ênfase nos contornos. A China viu o florescimento de muitas formas de arte: escultura de jade, bronzework, cerâmica (incluindo o impressionante exército de terracota do imperador Qin), poesia, caligrafia, música, pintura, drama, ficção, etc. Os estilos chineses variam muito da época para a era e cada um Um é tradicionalmente nomeado após a dinastia dominante. Assim, por exemplo, as pinturas da dinastia Tang são monocromáticas e escassas, enfatizando paisagens idealizadas, mas as pinturas da dinastia Ming são ocupadas e coloridas e se concentram em contar histórias por meio de cenário e composição. O Japão também nomeia seus estilos após dinastias imperiais e também viu muita interação entre os estilos de caligrafia e pintura. A impressão em madeira tornou -se importante no Japão após o século XVII.
A Era Ocidental da Iluminação no século 18 viu representações artísticas de certezas físicas e racionais do universo relógio, bem como visões politicamente revolucionárias de um mundo pós-monarquista, como o retrato de Blake de Newton como um geômetro divino, ou as pinturas propagandísticas de David . Isso levou a rejeições românticas disso a favor das imagens do lado emocional e da individualidade dos seres humanos, exemplificados nos romances de Goethe. O final do século XIX viu então uma série de movimentos artísticos, como arte acadêmica, simbolismo, impressionismo e fauvismo, entre outros.
A história da arte do século XX é uma narrativa de infinitas possibilidades e a busca de novos padrões, cada um sendo demolido em sucessão pela próxima. Assim, os parâmetros do impressionismo, expressionismo, fauvismo, cubismo, dadaísmo, surrealismo etc. não podem ser mantidos muito além do tempo de sua invenção. O aumento da interação global durante esse período viu uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental. Assim, as impressões japonesas de bloco de madeira (elas mesmas influenciadas pelo rascunho da Renascença Ocidental) tiveram uma imensa influência no impressionismo e no desenvolvimento subsequente. Mais tarde, as esculturas africanas foram ocupadas por Picasso e até certo ponto por Matisse. Da mesma forma, nos séculos XIX e XX, o Ocidente teve enormes impactos na arte oriental, com idéias originalmente ocidentais, como o comunismo e o pós-modernismo, exercendo uma influência poderosa.
O modernismo, a busca idealista pela verdade, deu lugar na segunda metade do século XX a uma realização de sua inatenabilidade. Theodor W. Adorno disse em 1970: "Agora é dado como certo que nada que preocupa a arte possa ser considerado mais certo: nem a própria arte, nem a arte em relação ao todo, nem mesmo o direito da arte de existir". O relativismo foi aceito como uma verdade inevitável, que levou ao período da arte contemporânea e à crítica pós -moderna, onde as culturas do mundo e da história são vistas como formas que mudam, que podem ser apreciadas e extraídas apenas com ceticismo e ironia. Além disso, a separação de culturas está cada vez mais borrada e alguns argumentam que agora é mais apropriado pensar em termos de cultura global, e não de regionais.
Na origem da obra da arte, Martin Heidegger, um filósofo alemão e um pensador seminal, descreve a essência da arte em termos dos conceitos de ser e verdade. Ele argumenta que a arte não é apenas uma maneira de expressar o elemento da verdade em uma cultura, mas também os meios de criá -la e fornecer um trampolim do qual "o que é" pode ser revelado. Obras de arte não são apenas representações da maneira como as coisas são, mas na verdade produzem o entendimento compartilhado de uma comunidade. Cada vez que uma nova obra de arte é adicionada a qualquer cultura, o significado do que é existir é inerentemente alterado.
Historicamente, as habilidades e idéias artísticas e de arte são frequentemente espalhadas pelo comércio. Um exemplo disso é a estrada de seda, onde influências helenísticas, iranianas, indianas e chinesas poderiam se misturar. A arte budista de Greco é um dos exemplos mais vívidos dessa interação. A reunião de diferentes culturas e visões de mundo também influenciou a criação artística. Um exemplo disso é a metrópole multicultural do porto de Trieste no início do século XX, onde James Joyce conheceu escritores da Europa Central e o desenvolvimento artístico da cidade de Nova York como uma caldeirão cultural.
Formas, gêneros, mídia e estilos
As artes criativas são frequentemente divididas em categorias mais específicas, normalmente ao longo de categorias perceptivamente distinguíveis, como mídia, gênero, estilos e forma. A forma de arte refere -se aos elementos da arte que são independentes de sua interpretação ou significado. Ele abrange os métodos adotados pelo artista e a composição física da obra de arte, principalmente aspectos não semânticos da obra (isto é, figuras), como cor, contorno, dimensão, média, melodia, espaço, textura e valor. O formulário também pode incluir princípios de design visual, como arranjo, equilíbrio, contraste, ênfase, harmonia, proporção, proximidade e ritmo.
Em geral, existem três escolas de filosofia em relação à arte, concentrando -se respectivamente na forma, conteúdo e contexto. Extreme formalismo é a visão de que todas as propriedades estéticas da arte são formais (ou seja, parte da forma de arte). Os filósofos quase universalmente rejeitam essa visão e sustentam que as propriedades e a estética da arte se estendem além de materiais, técnicas e forma. Infelizmente, há pouco consenso sobre terminologia para essas propriedades informais. Alguns autores se referem ao assunto e conteúdo - ou seja, denotações e conotações - enquanto outros preferem termos como significado e significado.
O intencionalismo extremo sustenta que a intenção autoral desempenha um papel decisivo no significado de uma obra de arte, transmitindo o conteúdo ou a idéia principal essencial, enquanto todas as outras interpretações podem ser descartadas. Ele define o assunto como as pessoas ou a idéia representavam e o conteúdo como a experiência do artista desse assunto. Por exemplo, a composição de Napoleão I no trono imperial é parcialmente emprestada da estátua de Zeus em Olympia. Como evidenciado pelo título, o sujeito é Napoleão, e o conteúdo é a representação de Napoleão por Napres como "Imperador de Deus Beyond Time and Space". Da mesma forma ao formalismo extremo, os filósofos normalmente rejeitam o intencionalismo extremo, porque a arte pode ter múltiplos significados ambíguos e a intenção autoral pode ser desconhecida e, portanto, irrelevante. Sua interpretação restritiva é "socialmente prejudicial, filosoficamente irreal e politicamente imprudente".
Finalmente, a teoria em desenvolvimento do pós-estruturalismo estuda o significado da arte em um contexto cultural, como idéias, emoções e reações motivadas por uma obra. O contexto cultural geralmente se reduz às técnicas e intenções do artista; nesse caso, a análise prossegue ao longo de linhas semelhantes ao formalismo e intencionalismo. No entanto, em outros casos, as condições históricas e materiais podem predominar, como convicções religiosas e filosóficas, estruturas sociopolíticas e econômicas, ou mesmo clima e geografia. A crítica de arte continua a crescer e se desenvolver ao lado da arte.
Habilidade e artesanato
A arte pode conotar uma sensação de habilidade treinada ou domínio de um meio. A arte também pode simplesmente se referir ao uso desenvolvido e eficiente de um idioma para transmitir significado com imediatismo ou profundidade. A arte pode ser definida como um ato de expressar sentimentos, pensamentos e observações.
Há um entendimento que é alcançado com o material como resultado do manuseio, que facilita os processos de pensamento. Uma visão comum é que o epíteto "arte", particularmente em seu sentido elevado, requer um certo nível de experiência criativa do artista , se essa é uma demonstração de capacidade técnica, uma originalidade na abordagem estilística ou uma combinação desses dois. Tradicionalmente, a habilidade de execução era vista como uma qualidade inseparável da arte e, portanto, necessária para o seu sucesso; Para Leonardo da Vinci, a arte, nem mais nem menos que seus outros empreendimentos, foi uma manifestação de habilidade. O trabalho de Rembrandt, agora elogiado por suas virtudes efêmeras, era mais admirado por seus contemporâneos por seu virtuosismo. Na virada do século XX, as performances de John Singer Sargent eram alternadamente admiradas e vistas com ceticismo por sua fluência manual, mas quase ao mesmo tempo o artista que se tornaria o iconoclasto mais reconhecido e peripatético da época, Pablo Picaso, foi Concluindo um treinamento acadêmico tradicional no qual ele se destacou.
Uma crítica contemporânea comum a alguma arte moderna ocorre na linha de se opor à aparente falta de habilidade ou capacidade necessária na produção do objeto artístico. Na arte conceitual, a "Fonte" de Marcel Duchamp está entre os primeiros exemplos de peças em que o artista usou objetos encontrados ("pronto") e não exerceu nenhum conjunto de habilidades tradicionalmente reconhecido. A minha cama de Tracey Emin, ou a impossibilidade física da morte de Damien Hirst na mente de alguém que vive, segue este exemplo e também manipule a mídia de massa. Emin dormiu (e se envolveu em outras atividades) em sua cama antes de colocar o resultado em uma galeria como obra de arte. Hirst criou o design conceitual para a obra de arte, mas deixou a maior parte da criação eventual de muitas obras para os artesãos empregados. A celebridade de Hirst é fundada inteiramente sobre sua capacidade de produzir conceitos chocantes. A produção real em muitas obras de arte conceitual e contemporânea é uma questão de montagem de objetos encontrados. No entanto, existem muitos artistas modernistas e contemporâneos que continuam se destacando nas habilidades de desenhar e pintar e criar obras de arte práticas.
Propósito
A arte teve um grande número de funções diferentes ao longo de sua história, dificultando o seu objetivo de abstrair ou quantificar para qualquer conceito. Isso não implica que o objetivo da arte seja "vago", mas que teve muitas razões únicas e diferentes para ser criado. Algumas dessas funções de arte são fornecidas no seguinte esboço. Os diferentes propósitos de arte podem ser agrupados de acordo com aqueles que não são motivados e aqueles que são motivados (Lévi-Strauss).
Funções não motivadas
Os fins de arte não motivados são aqueles que são parte integrante de serem humanos, transcendem o indivíduo ou não cumprem um objetivo externo específico. Nesse sentido, a arte, como criatividade, é algo que os humanos devem fazer por sua própria natureza (ou seja, nenhuma outra espécie cria arte) e, portanto, está além da utilidade.
Basic human instinct for harmony, balance, rhythm. Art at this level is not an action or an object, but an internal appreciation of balance and harmony (beauty), and therefore an aspect of being human beyond utility.A imitação, então, é um instinto de nossa natureza. Em seguida, há o instinto para 'harmonia' e ritmo, sendo medidores manifestamente seções do ritmo. As pessoas, portanto, começando com esse presente natural desenvolvido por graus suas aptidões especiais, até que suas improvisações rudes deram à luz à poesia. - Aristóteles
Experience of the mysterious. Art provides a way to experience one's self in relation to the universe. This experience may often come unmotivated, as one appreciates art, music or poetry.A coisa mais bonita que podemos experimentar é o misterioso. É a fonte de toda a verdadeira arte e ciência. - Albert Einstein
Expression of the imagination. Art provides a means to express the imagination in non-grammatic ways that are not tied to the formality of spoken or written language. Unlike words, which come in sequences and each of which have a definite meaning, art provides a range of forms, symbols and ideas with meanings that are malleable.A águia de Júpiter [como um exemplo de arte] não é, como atributos lógicos (estéticos) de um objeto, o conceito de sublimidade e majestade da criação, mas algo mais - algo que dá à imaginação um incentivo para espalhar seu voo sobre um Host inteiro de representações afins que provocam mais pensamento do que admite a expressão em um conceito determinado por palavras. Eles fornecem uma idéia estética, que serve a idéia racional acima como substituto da apresentação lógica, mas com a função adequada, no entanto, de animar a mente, abrindo -se para uma perspectiva em um campo de representações afins que se estendem além de seu Ken. - Immanuel Kant
Ritualistic and symbolic functions. In many cultures, art is used in rituals, performances and dances as a decoration or symbol. While these often have no specific utilitarian (motivated) purpose, anthropologists know that they often serve a purpose at the level of meaning within a particular culture. This meaning is not furnished by any one individual, but is often the result of many generations of change, and of a cosmological relationship within the culture.A maioria dos estudiosos que lidam com pinturas rupeixas ou objetos recuperados de contextos pré -históricos que não podem ser explicados em termos utilitários e, portanto, são categorizados como decorativos, rituais ou simbólicos, está ciente da armadilha representada pelo termo 'arte'. - Silva Tomaskova
Funções motivadas
Os propósitos motivados da arte se referem a ações intencionais e conscientes por parte dos artistas ou criadores. Isso pode ser trazer mudanças políticas, comentar um aspecto da sociedade, transmitir uma emoção ou humor específico, para abordar a psicologia pessoal, ilustrar outra disciplina, para (com artes comerciais) vender um produto ou simplesmente como uma forma de comunicação.
Communication. Art, at its simplest, is a form of communication. As most forms of communication have an intent or goal directed toward another individual, this is a motivated purpose. Illustrative arts, such as scientific illustration, are a form of art as communication. Maps are another example. However, the content need not be scientific. Emotions, moods and feelings are also communicated through art.[A arte é um conjunto de artefatos ou imagens com significados simbólicos como meio de comunicação. - Steve Mithen
Art as entertainment. Art may seek to bring about a particular emotion or mood, for the purpose of relaxing or entertaining the viewer. This is often the function of the art industries of Motion Pictures and Video Games.The Avant-Garde. Art for political change. One of the defining functions of early 20th-century art has been to use visual images to bring about political change. Art movements that had this goal—Dadaism, Surrealism, Russian constructivism, and Abstract Expressionism, among others—are collectively referred to as the avant-garde arts.Por outro lado, a atitude realista, inspirada pelo positivismo, de Saint Thomas Aquinas para Anatole França, parece -me claramente hostil a qualquer avanço intelectual ou moral. Eu detesto isso, pois é composto de mediocridade, ódio e presunção sem graça. É essa atitude que hoje dá origem a esses livros ridículos, essas peças ofensivas. Ele se alimenta constantemente e deriva força dos jornais e estultifica a ciência e a arte lisonjeando assiduamente o menor dos gostos; Clareza que faz a fronteira com a estupidez, a vida de um cachorro. - André Breton (surrealismo)
Art as a "free zone", removed from the action of the social censure. Unlike the avant-garde movements, which wanted to erase cultural differences in order to produce new universal values, contemporary art has enhanced its tolerance towards cultural differences as well as its critical and liberating functions (social inquiry, activism, subversion, deconstruction ...), becoming a more open place for research and experimentation.Art for social inquiry, subversion or anarchy. While similar to art for political change, subversive or deconstructivist art may seek to question aspects of society without any specific political goal. In this case, the function of art may be simply to criticize some aspect of society.
As funções da arte descritas acima não são mutuamente exclusivas, pois muitas delas podem se sobrepor. Por exemplo, a arte para fins de entretenimento também pode procurar vender um produto, ou seja, o filme ou videogame.
Acesso público
Desde os tempos antigos, grande parte da melhor arte representa uma demonstração deliberada de riqueza ou poder, geralmente alcançada usando escala maciça e materiais caros. Muita arte foi encomendada por governantes políticos ou estabelecimentos religiosos, com versões mais modestas disponíveis apenas para os mais ricos da sociedade.
No entanto, houve muitos períodos em que a arte de alta qualidade estava disponível, em termos de propriedade, em grandes partes da sociedade, acima de tudo em mídia barata, como cerâmica, que persiste no solo, e mídias perecíveis, como têxteis e madeira . Em muitas culturas diferentes, a cerâmica dos povos indígenas das Américas são encontrados em uma ampla gama de sepulturas que claramente não estavam restritas a uma elite social, embora outras formas de arte possam ter sido. Métodos reprodutivos, como moldes, facilitaram a produção em massa e foram usados para levar a cerâmica romana antiga de alta qualidade e as figuras de tanagra gregas a um mercado muito amplo. Os selos de cilindros eram artísticos e práticos e amplamente utilizados pelo que pode ser chamado de classe média no antigo Oriente Próximo. Depois que as moedas foram amplamente utilizadas, elas também se tornaram uma forma de arte que atingiu a maior variedade de sociedade.
Outra inovação importante ocorreu no século XV na Europa, quando a gravura começou com pequenas xilogravuras, principalmente religiosas, que geralmente eram muito pequenas e cor de mão e acessíveis até por camponeses que os colavam nas paredes de suas casas. Os livros impressos eram inicialmente muito caros, mas caíram de preço constantemente até o século XIX, mesmo os mais pobres podiam comprar alguns com ilustrações impressas. As impressões populares de muitos tipos diferentes têm casas decoradas e outros lugares há séculos.
Em 1661, a cidade de Basileia, na Suíça, abriu o primeiro Museu Público de Arte do mundo, o Kunstmuseum Basel. Hoje, sua coleção se destaca por uma extensão histórica impressionantemente ampla, desde o início do século XV até o presente imediato. Suas várias áreas de ênfase dão a ele em pé internacional como um dos museus mais significativos do gênero. Estes abrangem: pinturas e desenhos de artistas ativos na região do Reno Superior entre 1400 e 1600, e na arte dos séculos 19 e 21.
Edifícios e monumentos públicos, seculares e religiosos, por sua natureza normalmente abordam toda a sociedade, e os visitantes como telespectadores, e a exibição para o público em geral tem sido um fator importante em seu design. Os templos egípcios são típicos, pois a decoração mais maior e mais luxuosa foi colocada nas partes que podiam ser vistas pelo público em geral, e não pelas áreas vistas apenas pelos padres. Muitas áreas de palácios reais, castelos e casas da elite social eram geralmente acessíveis, e grandes partes das coleções de arte de tais pessoas costumavam ser vistas, por qualquer pessoa, ou por aqueles capazes de pagar um preço pequeno, ou aqueles Vestindo as roupas corretas, independentemente de quem elas eram, como no Palácio de Versalhes, onde os acessórios extras apropriados (fivelas de sapatos de prata e uma espada) poderiam ser contratados de lojas do lado de fora.
Foram feitos acordos especiais para permitir que o público veja muitas coleções reais ou privadas colocadas em galerias, como na coleção de Orleans, alojada principalmente em uma ala do Palais Royal em Paris, que poderia ser visitada durante a maior parte do século XVIII. Na Itália, o turismo de arte do Grand Tour se tornou uma grande indústria a partir do Renascimento, e os governos e cidades fizeram esforços para tornar seus principais trabalhos acessíveis. A coleção real britânica permanece distinta, mas grandes doações como a antiga Biblioteca Real foram feitas com ela para o Museu Britânico, criado em 1753. Os Uffizi em Florença abriram inteiramente como uma galeria em 1765, embora essa função estivesse gradualmente levando o prédio dos escritórios dos funcionários públicos originais por muito tempo antes. O edifício agora ocupado pelo Prado em Madri foi construído antes da Revolução Francesa para a exibição pública de partes da coleção de arte real, e galerias reais semelhantes abertas ao público existiam em Viena, Munique e outras capitais. A abertura do Musée du Louvre durante a Revolução Francesa (em 1793) como um museu público para grande parte da antiga coleção real francesa certamente marcou um estágio importante no desenvolvimento do acesso público à arte, transferindo a propriedade para um estado republicano, mas foi uma continuação das tendências já bem estabelecidas.
A maioria dos museus públicos modernos e programas de educação artística para crianças em escolas pode ser rastreada a esse impulso para ter arte disponível para todos. No entanto, os museus não apenas fornecem disponibilidade à arte, mas também influenciam a maneira como a arte está sendo percebida pelo público, como os estudos descobriram. Assim, o próprio museu não é apenas um estágio franco para a apresentação da arte, mas desempenha um papel ativo e vital na percepção geral da arte na sociedade moderna.
Os museus nos Estados Unidos tendem a ser presentes das ricas para as massas. (O Metropolitan Museum of Art, na cidade de Nova York, por exemplo, foi criado por John Taylor Johnston, um executivo ferroviário cuja coleção de arte pessoal semeou o museu.) Mas, apesar de tudo isso, pelo menos uma das funções importantes da arte no 21 O século permanece como um marcador de riqueza e status social.
Houve tentativas de artistas de criar arte que não podem ser comprados pelos ricos como objeto de status. Um dos principais motivadores originais de grande parte da arte das décadas de 1960 e 1970 era criar arte que não pudesse ser comprada e vendida. É "necessário apresentar algo mais do que meros objetos", disse o principal artista alemão pós -guerra Joseph Beuys. Esse período viu o surgimento de coisas como arte performática, videoarte e arte conceitual. A idéia era que, se a obra de arte fosse uma performance que não deixasse nada para trás, ou simplesmente fosse uma idéia, não poderia ser comprada e vendida. "Os preceitos democráticos que giram em torno da idéia de que uma obra de arte é uma mercadoria que impeliu a inovação estética que germinou em meados da década de 1960 e foi colhida ao longo da década de 1970. Artistas amplamente identificados sob o título de arte conceitual ... substituindo o desempenho e as atividades de publicação Para o envolvimento com as preocupações material e materialista da forma pintada ou escultural ... [se esforçaram para minar o objeto de arte qua ".
Nas décadas seguintes, essas idéias foram perdidas, pois o mercado de arte aprendeu a vender DVDs de edição limitada de trabalhos em vídeo, convites para peças de arte de performance exclusivas e os objetos que sobraram de peças conceituais. Muitas dessas performances criam obras que são entendidas apenas pela elite que foram educadas sobre o motivo pelo qual uma idéia, vídeo ou peça de lixo aparente podem ser considerados arte. O marcador de status se torna entender o trabalho, em vez de necessariamente possuí-lo, e a obra de arte continua sendo uma atividade da classe alta. "Com o uso generalizado da tecnologia de gravação de DVD no início dos anos 2000, os artistas e o sistema de galerias que derivam seus lucros com a venda de obras de arte, ganharam um meio importante de controlar a venda de obras de arte e computadores em edições limitadas para colecionadores".
Controvérsias
A arte tem sido controversa há muito tempo, ou seja, não gostava de alguns telespectadores, por uma ampla variedade de razões, embora a maioria das controvérsias pré-modernas seja pouco registrada ou completamente perdida para uma visão moderna. O iconoclasma é a destruição da arte que não gosta por várias razões, incluindo as religiosas. O aniconismo é uma aversão geral a todas as imagens figurativas, ou muitas vezes apenas religiosas, e tem sido um fio em muitas religiões importantes. Tem sido um fator crucial na história da arte islâmica, onde as representações de Muhammad permanecem especialmente controversas. Muita arte não gostava apenas porque representava ou representava os governantes, partidos ou outros grupos impopulares. As convenções artísticas costumam ser conservadoras e levadas muito a sério pelos críticos de arte, embora muitas vezes muito menos por um público mais amplo. O conteúdo iconográfico da arte pode causar controvérsia, como nas representações medievais tardias do novo motivo do desmaiado da Virgem em cenas da crucificação de Jesus. O último julgamento de Michelangelo foi controverso por várias razões, incluindo violações do decoro por meio da nudez e a pose de Cristo, semelhante a Apolo.
O conteúdo de muita arte formal através da história foi ditado pelo patrono ou comissário e não apenas pelo artista, mas com o advento do romantismo e mudanças econômicas na produção de arte, a visão dos artistas se tornou o determinante usual do conteúdo de seu arte, aumentando a incidência de controvérsias, embora muitas vezes reduzindo seu significado. Fortes incentivos à originalidade e publicidade percebidos também incentivaram os artistas a cortejar controvérsia. A jangada de Théodore Gériricault da Medusa (c. 1820) foi em parte um comentário político sobre um evento recente. O Le Déjeuner, de Édouard Manet, Sur L'Herbe (1863), foi considerado escandaloso não por causa da mulher nua, mas porque ela está sentada ao lado de homens totalmente vestidos com as roupas da época, e não em vestes do mundo antigo. Madame Pierre Gautreau (Madame X) (1884), de John Singer Sargent, causou uma controvérsia sobre o rosa avermelhado usado para colorir o lobo da orelha da mulher, considerado muito sugestivo e supostamente arruinando a reputação do modelo de alta sociedade. O abandono gradual do naturalismo e a representação de representações realistas da aparência visual dos sujeitos nos séculos XIX e XX levaram a uma controvérsia rolante que durou mais de um século.
No século XX, Guernica (1937), de Pablo Picasso, usou técnicas cubistas e óleos monocromáticos, para representar as conseqüências angustiantes de um bombardeio contemporâneo de uma pequena e antiga cidade basca. O interrogatório III de Leon Golub (1981), descreve um detido nude e encapuzado feminino amarrado a uma cadeira, as pernas abertas para revelar seus órgãos sexuais, cercados por dois atormentadores vestidos com roupas do dia a dia. Mus Cristo de Andres Serrano (1989) é uma fotografia de um crucifixo, sagrado para a religião cristã e representando o sacrifício de Cristo e o sofrimento final, submerso em um copo da própria urina do artista. O alvoroço resultante levou a comentários no Senado dos Estados Unidos sobre o financiamento público das artes.
Teoria
Antes do modernismo, a estética na arte ocidental estava muito preocupada em alcançar o equilíbrio apropriado entre diferentes aspectos do realismo ou verdade à natureza e ao ideal; As idéias sobre qual é o equilíbrio apropriado se mudou para dentro dos séculos. Essa preocupação está amplamente ausente em outras tradições da arte. O teórico estético John Ruskin, que defendeu o que ele via como o naturalismo de J. M. W. Turner, viu o papel de Art como a comunicação pelo artifício de uma verdade essencial que só poderia ser encontrada na natureza.
A definição e avaliação da arte se tornaram especialmente problemáticas desde o século XX. Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético da arte: o realista, pelo qual a qualidade estética é um valor absoluto independente de qualquer visão humana; O objetivista, pelo qual também é um valor absoluto, mas depende da experiência humana geral; e a posição relativista, pela qual não é um valor absoluto, mas depende e varia com a experiência humana de diferentes humanos.
Chegada do modernismo
A chegada do modernismo no final do século XIX leva a uma pausa radical na concepção da função da arte e, novamente, no final do século XX, com o advento do pós -modernismo. O artigo de Clement Greenberg de 1960, "Modernist Painting", define a arte moderna como "o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina". Greenberg aplicou originalmente essa idéia ao movimento expressionista abstrato e a usou como uma maneira de entender e justificar pintura abstrata plana (não-ilusionista):
A arte realista e naturalista havia desmembrado o meio, usando arte para esconder a arte; O modernismo usou arte para chamar atenção à arte. As limitações que constituem o meio de pintura - a superfície plana, a forma do suporte, as propriedades do pigmento - foram tratadas pelos antigos mestres como fatores negativos que podiam ser reconhecidos apenas implicitamente ou indiretamente. Sob modernismo, essas mesmas limitações passaram a ser consideradas fatores positivos e foram reconhecidos abertamente.
Depois de Greenberg, vários teóricos importantes da arte surgiram, como Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin e Griselda Pollock, entre outros. Embora apenas originalmente pretendido como uma maneira de entender um conjunto específico de artistas, a definição de arte moderna de Greenberg é importante para muitas das idéias da arte nos vários movimentos artísticos do século XX e início do século XXI.
Artistas pop como Andy Warhol se tornaram notáveis e influentes através do trabalho, incluindo e possivelmente criticando a cultura popular, bem como o mundo da arte. Os artistas dos anos 80, 1990 e 2000 expandiram essa técnica de autocrítica além da alta arte para todas as imagens culturais, incluindo imagens de moda, quadrinhos, outdoors e pornografia.
Duchamp propôs uma vez que a arte é qualquer atividade de qualquer tipo de tudo. No entanto, a maneira como apenas certas atividades são classificadas hoje como arte é uma construção social. Há evidências de que pode haver um elemento de verdade nisso. Na invenção da arte: uma história cultural, Larry Shiner examina a construção do sistema moderno das artes, isto é, belas artes. Ele encontra evidências de que o sistema mais antigo das artes perante nosso sistema moderno (arte) considerava arte qualquer atividade humana qualificada; Por exemplo, a sociedade grega antiga não possuía o termo arte, mas techne. Techne não pode ser entendido como arte ou ofício, a razão é que as distinções de arte e artesanato são produtos históricos que vieram mais tarde na história da humanidade. Techne incluiu pintura, escultura e música, mas também culinária, medicina, equitação, geometria, carpintaria, profecia e agricultura, etc.
Novas críticas e a "falácia intencional"
Seguindo Duchamp durante a primeira metade do século XX, ocorreu uma mudança significativa para a teoria estética geral que tentou aplicar a teoria estética entre várias formas de arte, incluindo as artes literárias e as artes visuais, entre si. Isso resultou na ascensão da nova escola de críticas e debate sobre a falácia intencional. O que está em questão foi a questão de saber se as intenções estéticas do artista na criação da obra de arte, qualquer que seja sua forma específica, deve estar associada à crítica e avaliação do produto final da obra da arte, ou se a obra da arte deve ser avaliado por seus próprios méritos, independentemente das intenções do artista.
Em 1946, William K. Wimsatt e Monroe Beardsley publicaram um novo ensaio crítico clássico e controverso intitulado "A falácia intencional", na qual discutiram fortemente a relevância da intenção de um autor, ou "significado pretendido" na análise de uma obra literária . Para Wimsatt e Beardsley, as palavras na página eram tudo o que importava; A importação de significados de fora do texto foi considerada irrelevante e potencialmente perturbadora.
Em outro ensaio, "A Falácia Afetiva", que serviu como uma espécie de ensaio irmã para "a falácia intencional" Wimsatt e Beardsley também descontaram a reação pessoal/emocional do leitor a um trabalho literário como um meio válido de analisar um texto. Mais tarde, essa falácia seria repudiada por teóricos da Escola de Teoria Literária do Reader-Response. Ironicamente, um dos principais teóricos desta escola, Stanley Fish, foi treinado por novos críticos. Fish critica Wimsatt e Beardsley em seu ensaio de 1970 "Literatura no leitor".
Como resumido por Gaut e Livingston em seu ensaio "A criação da arte": "Os teóricos e críticos estruturalistas e pós-estruturalistas foram bastante críticos a muitos aspectos de novas críticas, começando com a ênfase na apreciação estética e na chamada autonomia da arte , mas eles reiteraram o ataque à suposição das críticas biográficas de que as atividades e a experiência do artista eram um tópico crítico privilegiado ". Esses autores afirmam que: "anti-intencionalistas, como formalistas, sustentam que as intenções envolvidas na criação da arte são irrelevantes ou periféricas para interpretar corretamente a arte. Portanto, detalhes do ato de criar uma obra, embora possivelmente de interesse em si mesmos, Não tem influência na interpretação correta do trabalho ".
Gaut e Livingston definem os intencionais como distintos dos formalistas, afirmando que: "Os intencionais, ao contrário dos formalistas, sustentam que a referência às intenções é essencial para corrigir a interpretação correta das obras". Eles citam Richard Wollheim como afirmando que "a tarefa de crítica é a reconstrução do processo criativo, onde o processo criativo deve, por sua vez, ser considerado algo como algo que não para, mas terminando a obra da arte em si".
"Turn Lingingics" e seu debate
O final do século XX promoveu um extenso debate conhecido como controvérsia lingüística da curva, ou o "debate ocular inocente" na filosofia da arte. Esse debate discutiu o encontro da obra da arte como sendo determinado pela extensão relativa em que o encontro conceitual com a obra de arte domina o encontro perceptivo com a obra de arte.
Decisivo para o debate lingüístico na história da arte e as humanidades foram as obras de mais uma tradição, a saber, o estruturalismo de Ferdinand de Saussure e o movimento subsequente do pós -estruturalismo. Em 1981, o artista Mark Tansey criou uma obra de arte intitulada "The Innocent Eye" como uma crítica ao clima predominante de desacordo na filosofia da arte durante as décadas finais do século XX. Os teóricos influentes incluem Judith Butler, Luce Irigaray, Julia Kristeva, Michel Foucault e Jacques Derrida. O poder da linguagem, mais especificamente de certos tropos retóricos, na história da arte e no discurso histórico foi explorado por Hayden White. O fato de a linguagem não ser um meio de pensamento transparente foi enfatizada por uma forma muito diferente de filosofia da linguagem que se originou nas obras de Johann Georg Hamann e Wilhelm von Humboldt. Ernst Gombrich e Nelson Goodman em seu livro Línguas da Arte: Uma abordagem de uma teoria dos símbolos passou a sustentar que o encontro conceitual com a obra de arte predominou exclusivamente sobre o encontro perceptivo e visual com a obra de arte nas décadas de 1960 e 1970. Ele foi desafiado com base em pesquisas realizadas pelo psicólogo vencedor do Prêmio Nobel, Roger Sperry, que sustentou que o encontro visual humano não se limitava aos conceitos representados somente na linguagem (a virada linguística) e que outras formas de representações psicológicas da obra da arte eram igualmente defensáveis e demonstráveis. A visão de Sperry acabou prevalecendo até o final do século XX, com filósofos estéticos, como Nick Zangwill, defendendo fortemente um retorno ao formalismo estético moderado, entre outras alternativas.
Disputas de classificação
As disputas sobre a classificação ou não de algo como uma obra de arte são chamadas de disputas classificatórias sobre arte. As disputas classificatórias no século XX incluíram pinturas cubistas e impressionistas, fonte de Duchamp, filmes, imitações superlativas de notas, arte conceitual e videogames. O filósofo David Novitz argumentou que o desacordo sobre a definição de arte raramente é o coração do problema. Em vez disso, "as preocupações e interesses apaixonados que os humanos investem em sua vida social" são "tanto parte de todas as disputas classificatórias sobre arte". Segundo Novitz, disputas classificatórias são mais frequentemente disputas sobre valores sociais e onde a sociedade está tentando ir do que sobre a teoria. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou o trabalho de Hirst e Emin, argumentando "por 1.000 anos de arte tem sido uma de nossas grandes forças civilizadoras. Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam fazer bárbaros de todos" Eles não estão avançando uma definição ou teoria sobre arte, mas questionando o valor do trabalho de Hirst e Emin. Em 1998, Arthur Danto sugeriu um experimento pensado mostrando que "o status de um artefato como obra de arte resulta das idéias que uma cultura se aplica a ele, em vez de suas qualidades físicas ou perceptíveis inerentes. Interpretação cultural (uma teoria da arte de algum tipo ) é, portanto, constitutivo do Artheod de um objeto. "
O anti-arte é um rótulo de arte que desafia intencionalmente os parâmetros e valores estabelecidos da arte; É termo associado ao dadaísmo e atribuído a Marcel Duchamp, pouco antes da Primeira Guerra Mundial, quando ele estava fazendo arte com objetos encontrados. Uma delas, Fountain (1917), um urinol comum, alcançou considerável destaque e influência na arte. O anti-arte é uma característica do trabalho da Situatistist International, do movimento de arte da E-mail e dos jovens artistas britânicos, embora seja uma forma ainda rejeitada pelos Stuckists, que se descrevem como anti-anti-anti-arte.
A arquitetura é frequentemente incluída como uma das artes visuais; No entanto, como as artes decorativas, ou publicidade, envolve a criação de objetos em que as considerações práticas de uso são essenciais de uma maneira que eles geralmente não estão em uma pintura, por exemplo.
Julgamento de valor
Um pouco em relação ao exposto, a palavra arte também é usada para aplicar julgamentos de valor, como em expressões como "essa refeição era uma obra de arte" (o cozinheiro é um artista) ou "a arte do engano" (o O nível de habilidade altamente alcançado do enganador é elogiado). É esse uso da palavra como uma medida de alta qualidade e alto valor que dá ao termo seu sabor da subjetividade. Fazer julgamentos de valor requer uma base para as críticas. No nível mais simples, uma maneira de determinar se o impacto do objeto nos sentidos atende aos critérios a serem considerados arte é se é percebido ser atraente ou repulsivo. Embora a percepção seja sempre colorida pela experiência e seja necessariamente subjetiva, é comumente entender que o que não é de alguma forma esteticamente satisfatório não pode ser arte. No entanto, a arte "boa" nem sempre é ou mesmo regularmente atraente esteticamente para a maioria dos espectadores. Em outras palavras, a principal motivação de um artista não precisa ser a busca da estética. Além disso, a arte geralmente descreve imagens terríveis feitas por razões sociais, morais ou instigantes. Por exemplo, a pintura de Francisco Goya retratando os tiroteios em 3 de maio de 1808 é uma representação gráfica de um esquadrão de tiro que executa vários civis suplicantes. No entanto, ao mesmo tempo, as imagens horríveis demonstram a profunda capacidade artística de Goya em composição e execução e produz indignação social e política adequada. Assim, o debate continua quanto ao modo de satisfação estética, se houver, é necessária para definir 'arte'.
A suposição de novos valores ou a rebelião contra noções aceitas do que é esteticamente superior não precisa ocorrer simultaneamente com um abandono completo da busca do que é esteticamente atraente. De fato, o inverso é frequentemente verdadeiro, que a revisão do que é popularmente concebida como ser esteticamente atraente permite uma reinvigoração da sensibilidade estética e uma nova apreciação pelos padrões da arte em si. Inúmeras escolas propuseram suas próprias maneiras de definir a qualidade, mas todas parecem concordar em pelo menos um ponto: uma vez que suas escolhas estéticas são aceitas, o valor da obra de arte é determinado por sua capacidade de transcender os limites de seu meio escolhido Atingir um acorde universal pela raridade da habilidade do artista ou em sua reflexão precisa no que é denominado zeitgeist. A arte costuma se destacar e se conectar com a emoção humana. Pode despertar sentimentos estéticos ou morais e pode ser entendida como uma maneira de comunicar esses sentimentos. Os artistas expressam algo para que seu público seja despertado até certo ponto, mas não precisa fazê -lo conscientemente. A arte pode ser considerada uma exploração da condição humana; isto é, o que é ser humano. Por extensão, foi argumentado por Emily L. Spratt que o desenvolvimento da inteligência artificial, especialmente em relação a seus usos com imagens, requer uma reavaliação da teoria estética na história da arte hoje e uma reconsideração dos limites da criatividade humana.
Arte e lei
Uma questão legal essencial são falsificações de arte, plágio, réplicas e obras que são fortemente baseadas em outras obras de arte.
O comércio de obras de arte ou a exportação de um país pode estar sujeito a regulamentos legais. Internacionalmente, também existem extensos esforços para proteger as obras de arte criadas. A ONU, a UNESCO e a Blue Shield International tentam garantir uma proteção eficaz em nível nacional e intervir diretamente no caso de conflitos ou desastres armados. Isso pode afetar particularmente museus, arquivos, coleções de arte e sites de escavação. Isso também deve garantir a base econômica de um país, especialmente porque as obras de arte geralmente são de importância turística. O presidente fundador da Blue Shield International, Karl von Habsburg, explicou uma conexão adicional entre a destruição da propriedade cultural e a causa do voo durante uma missão no Líbano em abril de 2019: “Os bens culturais fazem parte da identidade das pessoas que vivem em um certo lugar. Se você destruir a cultura deles, também destruirá a identidade deles. Muitas pessoas são arrancadas, geralmente não têm mais possíveis perspectivas e, como resultado, fogem de sua terra natal. ”
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