Arte religiosa
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Arte budista
A arte budista se originou no subcontinente indiano, seguindo a vida histórica de Siddhartha Gautama, o século VI ao VI aC, e depois evoluíram pelo contato com outras culturas à medida que se espalhou por toda a Ásia e do mundo.
A arte budista seguiu os crentes à medida que o dharma se espalhou, se adaptou e evoluiu em cada novo país anfitrião. Ele se desenvolveu para o norte através da Ásia Central e para o leste da Ásia para formar o ramo norte da arte budista.
A arte budista seguiu para o leste até o sudeste da Ásia para formar o ramo sul da arte budista.
Na Índia, a arte budista floresceu e até influenciou o desenvolvimento da arte hindu, até que o budismo quase desapareceu na Índia por volta do século X, devido em parte à vigorosa expansão do Islã ao lado do hinduísmo.
Arte budista tibetana
A maioria das formas de arte budistas tibetanas estão relacionadas à prática de vajrayana ou tantra budista. A arte tibetana inclui thangkas e mandalas, geralmente incluindo representações de budas e bodhisattvas. A criação da arte budista é geralmente feita como meditação e criação de um objeto como ajuda à meditação. Um exemplo disso é a criação de uma mandala de areia por monges; Antes e depois das orações da construção, são recitadas, e a forma da mandala representa o ambiente puro (palácio) de um Buda no qual é meditado para treinar a mente. O trabalho raramente é, se é que alguma vez, assinado pelo artista. Outras arte budista tibetana incluem objetos rituais de metal, como o Vajra e o Phurba.
Arte budista indiana
Dois lugares sugerem mais vividamente do que qualquer outra, a vitalidade da pintura das cavernas budistas a partir do século V dC. Um é Ajanta, um local na Índia há muito esquecido até que descobriu em 1817. O outro é Dunhuang, um dos grandes postes de encenação do oásis na estrada da seda ... as pinturas variam de imagens devocionais calmas do Buda a cenas animadas e lotadas, Frequentemente, apresentando as mulheres sedutoramente de peito e com cintura estreita mais familiares na escultura indiana do que na pintura.
Arte cristã
A arte sagrada cristã é produzida na tentativa de ilustrar, suplementar e retratar em forma tangível os princípios do cristianismo, embora outras definições sejam possíveis. É fazer imagens das diferentes crenças do mundo e como é. A maioria dos grupos cristãos usa ou usou arte até certo ponto, embora alguns tenham sofrido fortes objeções a algumas formas de imagem religiosa, e houve grandes períodos de iconoclasmo no cristianismo.
A maioria da arte cristã é alusiva ou construída em torno de temas familiares ao observador pretendido. Imagens de Jesus e cenas narrativas da vida de Cristo são os assuntos mais comuns, especialmente as imagens de Cristo na cruz.
Cenas do Antigo Testamento desempenham um papel na arte da maioria das denominações cristãs. Imagens da Virgem Maria, segurando o bebê Jesus, e imagens de santos são muito mais raras na arte protestante do que a do catolicismo romano e da ortodoxia oriental.
Para o benefício do analfabeto, um sistema iconográfico elaborado desenvolvido para identificar conclusivamente cenas. Por exemplo, Saint Agnes retratou com um cordeiro, São Pedro com Keys, Saint Patrick com um Shamrock. Cada santo se mantém ou está associado a atributos e símbolos na arte sagrada.
História
A arte cristã primitiva sobrevive de datas perto das origens do cristianismo. As pinturas cristãs mais antigas sobreviventes são do local de Megiddo, datadas até o ano 70, e as esculturas cristãs mais antigas são de Sarcophagi, que datam do início do século II. Até a adoção do cristianismo pela arte cristã de Constantino derivou seu estilo e grande parte de sua iconografia da arte romana popular, mas a partir deste ponto os Grand Christian Buildings construídos sob o patrocínio imperial trouxeram uma necessidade de versões cristãs de elite romana e arte oficial, da qual os mosaicos nos As igrejas em Roma são os exemplos sobreviventes mais proeminentes.
Durante o desenvolvimento da arte cristã primitiva no Império Bizantino (ver arte bizantina), uma estética mais abstrata substituiu o naturalismo anteriormente estabelecido na arte helenística. Esse novo estilo era hierático, o que significa que seu principal objetivo era transmitir o significado religioso, em vez de tornar com precisão objetos e pessoas. Perspectiva realista, proporções, luz e cor foram ignoradas em favor da simplificação geométrica de formas, perspectiva reversa e convenções padronizadas para retratar indivíduos e eventos. A controvérsia sobre o uso de imagens granadas, a interpretação do segundo mandamento e a crise do iconoclasmo bizantino levaram a uma padronização de imagens religiosas dentro da ortodoxia oriental.
O Renascimento viu um aumento nas obras seculares monumentais, mas até que a reforma protestante da arte cristã continuasse a ser produzida em grandes quantidades, tanto para igrejas quanto para o clero e para os leigos. Durante esse período, Michelangelo Buonarroti pintou a capela sistina e esculpiu o famoso Pietà, Gianlorenzo Bernini criou as enormes colunas na Basílica de São Pedro, e Leonardo da Vinci pintou a última ceia. A Reforma teve um enorme efeito na arte cristã, trazendo rapidamente a produção de arte cristã pública para uma parada virtual nos países protestantes e causando a destruição da maioria da arte que já existia.
Como uma noção secular, não sectária e universal de arte, surgiu na Europa Ocidental do século XIX, artistas seculares ocasionalmente tratavam temas cristãos (Bouguereau, Manet). Somente raramente um artista cristão foi incluído no cânone histórico (como Rouault ou Stanley Spencer). No entanto, muitos artistas modernos como Eric Gill, Marc Chagall, Henri Matisse, Jacob Epstein, Elisabeth Frink e Graham Sutherland produziram obras de arte bem conhecidas para igrejas. Através de uma interpretação social do cristianismo, Fritz von Uhde também reviveu o interesse na arte sagrada, através da representação de Jesus em lugares comuns da vida.
Desde o advento da impressão, a venda de reproduções de obras piedosas tem sido um elemento importante da cultura cristã popular. No século XIX, isso incluiu pintores de gênero como Mihály Munkácsy. A invenção da litografia de cores levou a uma ampla circulação de cartões sagrados. Na era moderna, empresas especializadas em artistas cristãos comerciais modernos, como Thomas Blackshear e Thomas Kinkade, embora amplamente considerados no mundo das belas artes como Kitsch, foram muito bem -sucedidas.
A última parte do dia 20 e a primeira parte do século 21 viram um esforço focado de artistas que reivindicam fé em Cristo para restabelecer a arte com temas que giram em torno da fé, Cristo, Deus, a Igreja, a Bíblia e outros clássicos Os temas cristãos dignos de respeito pelo mundo da arte secular. Artistas como Makoto Fujimura tiveram influência significativa nas artes sagradas e seculares. Outros artistas notáveis incluem Larry D. Alexander, Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove e John August Swanson.
Arte confucionista
A arte confucionista é arte inspirada nos escritos de Confúcio e ensinamentos confucionistas. A arte confucionista se originou na China e depois se espalhou para o oeste na estrada de seda, para o sul, até o sul da China e depois para o sudeste da Ásia, e para o leste, pelo norte da China, até o Japão e a Coréia. Embora ainda mantenha uma forte influência na Indonésia, a influência confucionista na arte ocidental tem sido limitada. Embora os temas confucionistas desfrutassem de representação nos centros de arte chineses, eles são menores em comparação com o número de obras de arte que são sobre ou influenciadas pelo Daoísmo e Budismo.
Arte hindu
O hinduísmo, com seus 1 bilhão de seguidores, representa cerca de 15% da população mundial e, como tal, a cultura que se segue é cheia de diferentes aspectos da vida que são efetuados pelo art. Existem 64 artes tradicionais seguidas que começam com os clássicos da música e do alcance até o aplicativo e o adorno de jóias. Como a religião e a cultura são inseparáveis com símbolos recorrentes do hinduísmo, como os deuses e suas reencarnações, a flor de lótus, membros extras e até as artes tradicionais fazem suas aparições em muitas esculturas, pinturas, música e dança.
Arte islâmica
Uma proibição de representar imagens representacionais na arte religiosa, bem como a natureza naturalmente decorativa do roteiro árabe, levou ao uso de decorações caligráficas, que geralmente envolviam repetir padrões geométricos e formas vegetais (arabescos) que expressavam ideais de ordem e natureza. Estes foram usados em arquitetura religiosa, tapetes e documentos manuscritos. A arte islâmica refletiu essa visão de mundo equilibrada e harmoniosa. Ele se concentra na essência espiritual, e não na forma física.
Embora tenha havido uma aversão ao culto potencial de ídolos através da história islâmica, essa é uma visão sunita distintamente moderna. As miniaturas persas, juntamente com as representações medievais de Muhammad e Angels no Islã, são exemplos proeminentes contrários à moderna tradição sunita. Além disso, os muçulmanos xiitas são muito menos avessos à representação de figuras, incluindo o Profeta, desde que a representação seja respeitosa.
Representação da figura
A resistência islâmica à representação dos seres vivos deriva deriva da crença de que a criação de formas vivas é única para Deus. É por esse motivo que o papel das imagens e criadores de imagens tem sido controverso.
As declarações mais fortes sobre o assunto da representação figural são feitas no Hadith (tradições do Profeta), onde os pintores são desafiados a "respirar a vida" em suas criações e ameaçados de punição no dia do julgamento.
O Alcorão é menos específico, mas condena a idolatria e usa o termo árabe Musawwir ("criador de formas" ou artista) como um epíteto para Deus. Parcialmente como resultado desse sentimento religioso, as figuras da pintura eram frequentemente estilizadas e, em alguns casos, ocorreram a destruição de obras de arte figurativas. O iconoclasma era anteriormente conhecido no período bizantino e o aniconicismo era uma característica do mundo judaico, colocando assim a objeção islâmica a representações figurativas em um contexto maior. Como ornamento, no entanto, os números eram amplamente desprovidos de qualquer significado maior e talvez, portanto, representassem menos desafios. Como em outras formas de ornamentação islâmica, os artistas adaptam livremente e as formas básicas e animais estilizadas, dando origem a uma grande variedade de desenhos figurativos.
Arabesco
Caligrafia
A caligrafia é um elemento altamente conceituado da arte islâmica. O Alcorão foi transmitido em árabe e inerente ao script árabe é o potencial de formas ornamentais. O emprego de caligrafia como ornamento tinha um apelo estético definitivo, mas também incluía um componente talismânico subjacente. Embora a maioria das obras de arte tivesse inscrições legíveis, nem todos os muçulmanos teriam sido capazes de lê -las. Deve -se sempre ter em mente, no entanto, que a caligrafia é principalmente um meio de transmitir um texto, embora de forma decorativa. Desde seus primeiros exemplos simples e primitivos do século V e VI dC, o alfabeto árabe se desenvolveu rapidamente após a ascensão do Islã no século VII em uma bela forma de arte. As duas principais famílias de estilos caligráficos eram os estilos secos, chamados geralmente os estilos de Kufic, e os suaves cursivos, que incluem Naskhi, Thuluth, Nastaliq e muitos outros.
Geometria
Os padrões geométricos compõem um dos três tipos de decoração não figurais na arte islâmica. Isolados ou utilizados em combinação com ornamentação não figural ou representação figural, os padrões geométricos estão popularmente associados à arte islâmica, em grande parte devido à sua qualidade anicônica. Esses desenhos abstratos não apenas adornam as superfícies da arquitetura islâmica monumental, mas também funcionam como o principal elemento decorativo em uma vasta gama de objetos de todos os tipos.
Arte jainista
A arte jainista refere -se a obras de arte religiosas associadas ao jainismo. Embora o jainismo se espalhe apenas em algumas partes da Índia, ele fez uma contribuição significativa à arte e arquitetura indianas.
Arte mandaan
A arte mandaaan pode ser encontrada em pergaminhos de manuscritos ilustrados chamados Diwan. Ilustrações de rolagem mandaan, geralmente rotuladas com longas explicações escritas, geralmente contêm desenhos geométricos abstratos de Uthras que lembram o cubismo ou a arte rupestre pré -histórica.
Sikh Art
A arte, a cultura, a identidade e as sociedades dos sikhs foram fundidas com diferentes localidade e etnia de diferentes sikhs em categorias como 'agrahari sikhs', 'dakhni sikhs' e 'assamese sikhs'; No entanto, surgiu um fenômeno cultural de nicho que pode ser descrito como 'sikh político'. A arte da diáspora sikhs como Amarjeet Kaur Nandhra e Amrit e Rabindra Kaur Singh (os gêmeos Singh) é parcialmente informada por sua espiritualidade e influência sikh.
Arte taoísta
A arte taoísta (também soletrada como arte taoísta) se refere à filosofia e narrativas taoístas de Lao-tzu (também soletradas como laozi) que promovem "viver de maneira simples e honesta e em harmonia com a natureza".