Artesanato Americano
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História
O movimento American Studio Craft é um sucessor dos movimentos de artesanato europeias anteriores. Artesanato moderno de estúdio se desenvolveu como uma reação à modernidade e, principalmente, à revolução industrial. Durante o século XIX, o historiador escocês Thomas Carlyle e o crítico social inglês John Ruskin alertaram sobre a extinção de artesanato na Europa. O designer inglês e teórico William Morris continuou essa linha de pensamento, tornando -se o movimento do pai da Inglaterra. Morris distinguiu o artesão do estúdio dessa maneira: "[Você] sua arte é obra de uma pequena minoria composta por pessoas educadas, totalmente consciente de seu objetivo de produzir beleza e distinguida do grande corpo de trabalhadores por esse objetivo". As tradições artesanais européias e americanas também foram influenciadas por Art Nouveau. Ambos os movimentos influenciaram o desenvolvimento do movimento de artesanato de estúdio contemporâneo nos Estados Unidos durante o final do século XIX, ao longo do século XX e até o presente.
American Craft Pioneers
No início do século XIX, tornou -se popular para os americanos rurais de meios modestos para levar a decoração de suas casas e móveis em suas próprias mãos. O artista Rufus Porter era um dos primeiros defensores do movimento de artesanato americano. Em 1825, ele publicou uma coleção selecionada de artes valiosas e curiosas, e experimentos interessantes que são bem explicados, e garantidos genuínos, e podem ser preparados, com segurança e com poucas custas, que é um livro de instruções para artes decorativas domésticas, incluindo Wall, piso e pintura de móveis.
No final do século XIX, as negociações de embarcações pré -industriais quase desapareceram. A expansão industrial e o movimento para o oeste haviam separado a cultura americana desde as raízes artesanais coloniais americanas e nativas americanas. Nesse cenário, Louis Comfort Tiffany foi pioneiro no movimento de artesanato americano, argumentando pela colocação de objetos bem projetados e criados na casa americana. As elegantes criações de vidro de Tiffany foram influenciadas pelos valores de William Morris e se tornaram a principal personificação da Art Nouveau da América.
Gustav Stickley, o marceneiro, era um líder inicial no desenvolvimento de móveis de estúdio e no movimento americano de artesanato. Os designs de Stickley foram distinguidos por sua simplicidade e por sua harmonia entre arte decorativa e arquitetura interiores. A revista Stickley, "The Craftsman", foi um fórum para esse movimento de 1901 a 1916. Originalmente, focado em expor idéias do movimento de artesanato de Artes e Artesanato da Inglaterra ", o artesão" desenvolveu cada vez mais conceitos de artesanato americano ao longo dos anos de sua publicação. Mais tarde, as idéias de Stickley influenciaram Frank Lloyd Wright e as futuras gerações de artesãos americanos, artistas e arquitetos.
O Movimento Roycroft foi uma adaptação americana do movimento British Arts and Crafts, fundado por Elbert Hubbard e sua esposa Bertha Crawford Hubbard, na cidade pequena de East Aurora, Nova York, em 1895. Seu foco estava em escrever e publicar livros ornamentados, mas TI Também fabricou móveis e produtos de metal. Roycroft foi organizado como uma comunidade de artesãos vivos/trabalhadores na linha de uma guilda européia medieval.
Instituições de artesanato iniciais
O movimento de artesanato de estúdio foi promovido pelo estabelecimento de programas de artesanato nas instituições educacionais pós-secundárias. Em 1894, por exemplo, o primeiro Departamento de Cerâmica da Universidade da América do Norte foi iniciado na Ohio State University, em Columbus, Ohio. Isso foi seguido em 1901 pelo estabelecimento da Primeira Escola de Arte de Cerâmica da Alfred University, em Alfred, Nova York. Da mesma forma, a Rhode Island School of Design em Providence, Rhode Island, estabeleceu a primeira aula de artes de metal em 1901 e a primeira aula de têxteis em 1903.
Após a Primeira Guerra Mundial, um espírito pós -guerra do internacionalismo influenciou o estabelecimento de outras instituições de artesanato importantes, como a Academia de Arte de Cranbrook em Bloomfield Hills, Michigan. Cranbrook Craftsmen traduziu formas orgânicas e geométricas para o estilo que seria conhecido como Art Deco. Em Cranbrook, professores como Maija Grotell produziram trabalhos importantes por si só, além de ensinar uma nova geração de jovens artistas artesanais.
Os anos de depressão e a Segunda Guerra Mundial
Durante os anos de depressão, a Federal Works Progress Administration financiou projetos de artesanato, bem como obras públicas e murais como uma maneira de manter os trabalhadores trabalhando e como uma maneira de aumentar o moral nacional. Isso permitiu que o artesanato florescesse em nível local. Ao mesmo tempo, os programas de arte americanos começaram a incluir estudos de artesanato em seus currículos.
A Segunda Guerra Mundial trouxe um afluxo de artistas e artesãos europeus. Esses exilados europeus trouxeram consigo uma série de tradições históricas, incluindo não apenas as práticas de artesanato europeias, mas também o conhecimento de culturas asiáticas e outras não ocidentais. Um exemplo desse influxo é o Tage Frid, uma fabricante dinamarquesa de móveis, que estabeleceu a reputação do programa de fabricação de móveis na Rhode Island School of Design, e certamente existem outros. Também durante o período pós -Segunda Guerra Mundial, uma insatisfação geral com a Sociedade Industrial começou a alimentar ainda mais apoio a objetos artesanais de arte. Em 1943, o American Craft Council foi fundado para apoiar os artesãos e cultivar uma apreciação por seu trabalho. O fundador do ACC, Aileen Osborn Webb, era um oleiro interessado em criar oportunidades de marketing para artesãos de estúdio. A organização finalmente cresceu para incluir a American Craft Magazine e o Museu de Artes e Design (então chamado Museu de Artesanato Contemporâneo e, em um ponto, conhecido como Museu Americano de Artesanato). Como resultado desses fenômenos, o artesanato americano do pós-guerra tornou-se estilisticamente mais refinado e tecnicamente mais proficiente.
1950 e Peter Voulkos
Durante a década de 1950, alguns artistas se voltaram para a doutrina da verdade para os materiais. [Citação necessária] Esse movimento implicava uma ênfase na produção coletiva de trabalhos de artesanato. Os artesãos às vezes trabalhavam juntos durante esse período para desenvolver projetos mais ambiciosos. Ao longo da década de 1950 e depois, Potter Peter Voulkos desenvolveu obras de cerâmica cada vez mais em larga escala e não tradicionais, influenciadas pelo expressionismo abstrato, que transformou os entendimentos tradicionais da mídia artesanal. Como os expressionistas abstratos, Voulkos enfatizou o desempenho, o processo e a expressão primordial em suas formas de cerâmica. Em alguns casos, Voulkos desconstruíram e reconstruíram formas tradicionais de vasos de cerâmica, como pratos, baldes de gelo e tigelas de chá. Em outros trabalhos, Voulkos criou novas formas não utilitárias, como suas "pilhas" cilíndricas em larga escala e escultura em larga escala.
Voulkos também foi influenciado pelo zen budismo após um encontro de 1952 com o japonês Potter Shoji Hamada. Hamada incentivou Voulkos a adotar uma abordagem zen da cerâmica baseada não apenas na proficiência técnica, mas também em uma união mental e espiritual entre criador e objeto de arte. Mais tarde, Voulkos citou a declaração de Hamada de que "levou dez anos para aprender a roda do Potter e outros dez anos para esquecê -lo" - um insight que inspirou as primeiras tentativas de Voulkos de formar completamente um bule em dois minutos.
Voulkos ensinou no Black Mountain College em 1953, onde foi exposto ainda mais aos movimentos de vanguarda. Em 1954, ele fundou o departamento de cerâmica no Otis College of Art and Design (então chamado Instituto de Arte do Condado de Los Angeles). Na Califórnia, a cerâmica de Voulkos rapidamente se tornou abstrata e escultural. Voulkos então se mudou para a Universidade da Califórnia, Berkeley, onde fundou outro departamento de cerâmica e ensinou de 1959 a 1985. Em Berkeley, Voulkos tornou -se cada vez mais proeminente para seus vasos maciços, rachados e cortados.
A década de 1960 e o novo movimento de sopro de vidro
A cultura da década de 1960 era ainda mais propícia ao desenvolvimento de artesanato de estúdio. Esse período viu uma rejeição ao materialismo e exploração de formas alternativas de vida. Para alguns, a criação de artesanato forneceu exatamente essa saída. Em 1962, o então professor da Cerâmica Harvey Littleton e o químico Dominick Labino começaram o movimento contemporâneo de sopro de vidro. O ímpeto para o movimento consistia em suas duas oficinas no Museu de Arte de Toledo, durante o qual começaram a experimentar o derretimento de vidro em um pequeno forno e a criar arte de vidro. Assim, Littleton e Labino foram os primeiros a viabilizar o vidro fundido para artistas em estúdios particulares. Harvey Littleton estendeu sua influência através de suas próprias importantes contribuições artísticas e através de seu ensino. Ao longo dos anos, Harvey Littleton treinou muitos dos artistas de vidro contemporâneos mais importantes, incluindo Marvin Lipofsky, Sam Herman (Grã -Bretanha), Fritz Dreisbach e Dale Chihuly. Esses estudantes de Littleton, por sua vez, desenvolveram o novo movimento e o espalharam por todo o país. Marvin Lipofsky, por exemplo, é creditado por ser um dos fundadores da Glass Art Society e apresentar o estúdio Glass na Califórnia. Em 1967, Lipofsky fundou o programa de vidro no California College of Arts e ofícios, que ele seguiu por duas décadas.
Em 1971, Dale Chihuly e Ruth Tamara começaram a influente Escola de Vidro de Pilchuck, perto da cidade rural de Stanwood, Washington, apoiada financeiramente por John e Anne Hauberg, que apoiaram a idéia de um programa escolar de verão em vidro na zona rural do noroeste. O desenvolvimento subsequente deste programa tornou -se a Escola Pilchuck Glass. Influido pela Haystack Mountain School of Crafts (a primeira escola a ter um forno de vidro), e a Escola de Artesanato de Penland, a Pilchuck Glass School se tornou um centro do estúdio americano contemporâneo O movimento de vidro, do qual Chihuly é uma figura de destaque. O artista Toots Zynsky, um pioneiro de Pilchuck, observou que a escolha de um local ocidental para a escola refletia uma rejeição consciente do estabelecimento de arte oriental. A nomeação da escola também refletia a atração contracultural dos fundadores pela cultura nativa americana. Chihuly escolheu o nome "Pilchuck", derivado das palavras de Chinookan para "vermelho" e "água", aludindo às águas ricas em ferro do rio Pilchuck, nas proximidades.
A Galeria Renwick
Em 1972, a Renwick Gallery, da Smithsonian Institution, foi fundada como um departamento de artesanato do Museu de Arte Americana de Smithsonian. Almovado na Galeria de Arte Corcoran original em toda a Pennsylvania Avenue da Casa Branca, proporcionou um cenário distinto para objetos de artesanato em estúdio americano em Washington, D.C.
O ano do ofício americano
Em 1992, o Presidente George H. W. Bush assinou uma proclamação designando 1993 como o ano do American Craft. Como parte dessa comemoração, o diretor da Galeria Renwick, Michael Monroe, selecionou setenta e duas obras de setenta artesãos americanos que foram doados à Casa Branca para servir como a coleção de artesanato americano da Casa Branca. Esta coleção foi exibida por quatro meses no Museu Nacional de Arte Americana em 1995.