Hierarquia de gêneros

Arte da Renascença

A hierarquia surgiu da luta para obter a aceitação da pintura como uma das artes liberais e depois controvérsias para estabelecer um status igual ou superior dentro delas com arquitetura e escultura. Esses assuntos foram considerados de grande importância por teóricos dos artistas como Leon Battista Alberti, Leonardo da Vinci e Giorgio Vasari. Contra os escultores, Leonardo argumentou que o esforço intelectual necessário para criar uma ilusão de tridimensionalidade tornou a arte dos pintores superior à do escultor, que poderia fazê-lo apenas registrando as aparências. Em sua pictura ("Sobre pintura") de 1441, Alberti argumentou que a pintura de história de várias figuras era a forma mais nobre de arte, como sendo a mais difícil, que exigia domínio de todos os outros, porque era uma forma visual de história , e porque tinha o maior potencial para mover o espectador. Ele enfatizou a capacidade de representar as interações entre as figuras por gesto e expressão.

Os teóricos do renascentista inicial e alto aceitaram a importância de representar de perto a natureza, pelo menos até os escritos posteriores de Michelangelo, que foram fortemente influenciados pelo neoplatonismo. Na época dos teóricos dos maneiristas, como Gian Paolo Lomazzo e Federico Zuccari (ambos também pintores), isso era muito menos prioritário. Ambos enfatizavam a beleza como "algo que foi diretamente infundido na mente do homem da mente de Deus e existia ali independentemente de qualquer impressões sensoriais", uma visão obrigada a reduzir ainda mais o status das obras, dependendo do realismo. Na prática, a hierarquia representava pouca ruptura com o pensamento medieval e clássico, exceto para colocar a história secular da história na mesma classe que status superior. Idéias de decoro também alimentadas na hierarquia; Assocos cômicos, sórdidos ou meramente frívolos ou tratamento classificados mais baixos que os elevados e morais. [Citação necessária]

Durante o cenário renascentista, cenas de gênero e imóveis parados dificilmente existiam como gêneros estabelecidos; portanto, a discussão sobre o status ou importância de diferentes tipos de pintura estava preocupada principalmente com os assuntos da história contra retratos, inicialmente pequenos e despretensiosos, e icônico tipo retrato religioso e religioso e religioso e assuntos mitológicos. Para a maioria dos artistas, algum compromisso com o realismo era necessário em um retrato; Poucos poderiam adotar a abordagem de Michelangelo, que ignorou amplamente o aparecimento real do Medici em suas esculturas na capela Medici, supostamente dizendo que em mil anos ninguém saberia a diferença (também diz-se que uma resposta Gainsborough usou, teria usado, com um prazo mais curto).

Muitos retratos eram extremamente lisonjeiros, o que poderia ser justificado por um apelo ao idealismo, bem como pela vaidade da babá; O teórico Armenini afirmou em 1587 que "retratos de excelentes artistas são considerados pintados com melhor estilo [Maniera] e maior perfeição do que outros, mas mais frequentemente do que não são menos semelhantes". Por outro lado, um número de assistentes da corte e seus pais, pretendentes ou cortesãos reclamaram que os pintores não conseguiram fazer justiça à realidade da babá.

The question of decorum in religious art became the focus of intense effort by the Catholic Church after the decrees on art of the Council of Trent of 1563. Paintings depicting biblical events as if they were occurring in the households of wealthy contemporary Italians were attacked, and logo cessou. Até o desafio de Caravaggio no final do século, a arte religiosa se tornou completamente ideal. [Citação necessária]

Arte do século XVII e 18

Os novos gêneros de paisagem, pintura de gênero, pintura de animais e natureza morta surgiram no século XVII, com a cessação virtual da pintura religiosa em países protestantes e a expansão da compra de figuras para a próspera classe média. Embora desenvolvimentos semelhantes tenham ocorrido em todos os países europeus avançados, eles eram mais evidentes nas escolas enormemente produtivas de pintura holandesa da Idade de Ouro e pintura barroca flamenga. No entanto, nenhum teórico surgiu para defender os novos gêneros e a quantidade relativamente pequena de escrita teórica holandesa, de Karel Van Mander, Samuel Dirksz van Hoogstraten, Gerard de Lairesse e outros, se contentaram principalmente em refazer as visões italianas, para que seus escritos possam parecer Estranhamente, em desacordo com a arte holandesa realmente sendo produzida em seus dias.

A hierarquia foi aceita principalmente por artistas, e até especialistas em gênero como Jan Steen, Karel Dujardin e Vermeer produziram algumas pinturas históricas, que foram melhor pagas quando as comissões podiam ser obtidas, mas em geral mais difíceis de vender. A história infeliz da última comissão de história de Rembrandt, a conspiração de Claudius Civilis (1661), ilustra seu compromisso com a forma e as dificuldades que ele teve em encontrar uma audiência. Na Flandres, bem como grandes quantidades de obras de gênero puro, havia uma tendência para pinturas de história com um grande elemento de gênero, sejam animais, paisagem ou natureza morta. Muitas vezes, os diferentes elementos eram pintados por diferentes artistas; Rubens e Frans Snyders costumavam cooperar dessa maneira.

O tamanho das pinturas, e muitas vezes os preços que eles percebiam, tendiam cada vez mais a refletir sua posição na hierarquia nesse período. Até o período romântico, o preço e a qualidade do que eram essencialmente paisagens poderiam ser aumentados adicionando pequenas figuras mitológicas ou religiosas, criando uma paisagem com ..., uma prática que voltou ao início da pintura de paisagem nas paisagens mundiais flamengas de Joachim Patinir no início do século XVI. A pintura barroca flamenga foi a última escola a pintar os gêneros mais baixos em um tamanho grande, mas geralmente combinados com os sujeitos da figura.

Uma formulação influente de 1667 por André Félibien, historiografista, arquiteto e teórico do classicismo francês, tornou -se a declaração clássica da teoria do século XVIII:

Celui Qui fait Parfaitement des Païsages EstUa-Dessus d'un Autre Qui ne fait que des Fruits, des Fleurs ou des coQuilles. Celui qui peint des animux vivants est mais estimados que ceux qui ne représentent que des choses mortes e sans mouvent; & Comme la Figura de l'Homme estes Plus Parfait Ouvrage de Dieu Sur la Terre, não ON PEINTRE QUE NE FAIT QUE DES RETRATOS, N'A PAS Encore Cette Haute Perfeição de l'Art, & ne peut prétendre à l'onneur que reçoivent les plus sçavans. Il Faut Pour Cela Passer d'Enene Seule Figura à la représentation de Plusieurs Ensemble; Il Faut Traiter L'Histoire & la Fable; Il Faut Représente de Grandes Ações Compree Historiens, ou des Sujets Agréables Comme Les Poëtes; & MONTANT ENCORE PLUS HAUT, IL FAUT PAR DES COMPOSIÇÕES ALLÉGORICES, SÇAVOIR CUVRIR SOUS LE VOILE DE LA FABLE LES VERTUS DES ANVES HOMMES E LES MYSTères Les Plus Relévez.

Aquele que produz paisagens perfeitas está acima de outro que apenas produz frutas, flores ou conchas. Quem pinta animais vivos é mais estimado do que aqueles que apenas representam coisas mortas sem movimento, e como o homem é a obra mais perfeita de Deus na terra, também é certo que quem se torna um imitador de Deus em representar figuras humanas é Muito mais excelente do que todos os outros ... um pintor que só faz retratos ainda não tem a maior perfeição de sua arte e não pode esperar a honra devido aos mais qualificados. Para isso, ele deve passar de representar uma única figura para vários juntos; A história e o mito devem ser retratados; Grandes eventos devem ser representados como historiadores, ou como os poetas, assuntos que agradarão, e subindo ainda mais alto, ele deve ter a habilidade de cobrir sob o véu do mito, as virtudes dos grandes homens nas alegorias e os mistérios que eles revelam " .

A pintura alegórica foi levantada acima de outros tipos de pintura de história; Juntos, eles eram o grande gênero, incluindo pinturas com assuntos religiosos, mitológicos, históricos, literários ou alegóricos - incorporaram alguma interpretação da vida ou transmitiram uma mensagem moral ou intelectual. Os deuses e deusas das mitologias antigas representavam diferentes aspectos da psique humana, figuras das religiões representavam idéias diferentes e a história, como as outras fontes, representavam uma dialética ou o jogo de idéias. Indivíduos com vários números classificados mais altos que os números únicos. Por um longo tempo, especialmente durante a revolução francesa, a pintura da história geralmente se concentrava na representação do nude heróico masculino; embora isso tenha diminuído no século XIX.

Depois que a pintura da história surgiu, em ordem de valor decrescente: retratos, cenas da vida cotidiana (chamada Scènes de Gênero, ou "pintura de gênero" e também gênero petit para contrastá -lo com o gênero Grande), paisagens, pintura de animais e, finalmente, ainda vidas. Em sua formulação, essas pinturas eram inferiores porque eram meramente imagens reportadas sem força moral ou imaginação artística. As pinturas de gênero - nem de estilo ideal, nem elevadas no assunto - eram admiradas por sua habilidade, ingenuidade e até humor, mas nunca confundidas com a alta arte.

A hierarquia de gêneros também teve uma hierarquia correspondente de formatos: grande formato para pinturas históricas, pequeno formato para imóveis natalinos. Ocasionalmente, isso havia sido violado no passado, especialmente em grandes obras flamengas, e o monumental The Young Bull do artista holandês Paulus Potter, bem como o maior das telas das lojas dos dois açougueiros de Annibale Carracci. Mas, na maioria das vezes, os preços relativos obtidos para os diferentes gêneros também garantiram a hierarquia de tamanho; Não teria sido econômico pintar um assunto muito grande dos gêneros inferiores, exceto por retratos de grupo comissionados. As maiores paisagens de Rubens foram pintadas para suas próprias casas.

O uso dos elementos pictóricos da pintura, como linha e cor, para transmitir um tema ou idéia unificadora definitiva, foi considerada a expressão mais alta da arte, e um idealismo foi adotado na arte, pelo qual formas vistas na natureza seriam generalizadas e, por sua vez, subordinado à unidade da obra de arte. Visou -se à verdade universal através da imitação da natureza. Posteriormente, teóricos dissidentes, como o Ephraim Lessing, que esse foco na alegoria estava com defeito e baseado em uma analogia errada entre as artes plásticas e a poesia enraizada no ditado horatiano ut pictue poesia ("como a pintura também é poesia").

O pintor britânico Sir Joshua Reynolds em seus discursos das décadas de 1770 e 1780, reiterou o argumento para a natureza morta à posição mais baixa na hierarquia de gêneros com o argumento de que interferiu no acesso do pintor às formas centrais, aqueles produtos da mente generalizada poderes. Na cúpula reinou a pintura da história, centrada no corpo humano: familiaridade com as formas do corpo permitia a mente do pintor, comparando inúmeras instâncias da forma humana, abstrair as características típicas ou centrais que representavam a essência do corpo ou ideal.

Embora Reynolds tenha concordado com Félibien sobre a ordem natural dos gêneros, ele sustentou que um trabalho importante de qualquer gênero de pintura poderia ser produzido sob a mão do gênio: "Seja a figura humana, um animal ou mesmo objetos inanimados, ali, ali não é nada, por mais pouco promissor, mas pode ser levantado em dignidade, transmitir sentimento e produzir emoção, nas mãos de um pintor de gênio. O que foi dito de Virgílio, que ele jogou até o esterco sobre o chão com um ar de A dignidade pode ser aplicada a Ticiano; o que quer que ele tocasse, por mais naturalmente significado, e habitualmente familiar, por um tipo de mágica que ele investiu com grandeza e importância ".

Embora as academias européias geralmente insistissem estritamente nessa hierarquia, sobre seu reinado, muitos artistas foram capazes de inventar novos gêneros, o que levantou os sujeitos inferiores à importância da pintura da história. O próprio Reynolds conseguiu isso inventando o estilo de retrato chamado Grand Way, onde lisonjeou seus assistentes, comparando -os a personagens mitológicos. Jean-Antoine Watteau inventou um gênero chamado Fêtes Galantes, onde ele mostrava cenas de diversões cortês em ambientes arcadianos; Eles geralmente tinham uma qualidade poética e alegórica que eram considerados para ennobá -los.

Claude Lorrain praticou um gênero chamado paisagem ideal, onde uma composição seria vagamente baseada na natureza e pontilhada de ruínas clássicas como um cenário para um tema bíblico ou histórico. Ele combinou artisticamente a pintura da paisagem e da história, legitimando o primeiro. É sinônimo do termo paisagem histórica que recebeu reconhecimento oficial na Académie Française quando um Prêmio de Roma para o Gênero foi estabelecido em 1817. Finalmente, Jean-Baptiste-Siméon Chardin foi capaz de criar pinturas de natureza morta que foram consideradas como tendo o que o charme e beleza para serem colocados ao lado dos melhores assuntos alegóricos. No entanto, ciente dessa hierarquia, Chardin começou a incluir figuras em seu trabalho em 1730, principalmente mulheres e crianças.

século 19

O romantismo aumentou muito o status da pintura paisagística, começando na arte britânica e mais gradualmente a da pintura de gênero, que começou a influenciar a pintura da história nos tratamentos anedóticos do trovador de estilo na França e tendências equivalentes em outros lugares. As paisagens cresceram em tamanho para refletir sua nova importância, muitas vezes as pinturas de história, especialmente na American Hudson River School e na pintura russa. As pinturas de animais também aumentaram em tamanho e dignidade, mas o retrato completo, mesmo da realeza, tornou-se principalmente reservado para grandes edifícios públicos.

Até meados do século XIX, as mulheres eram amplamente incapazes de pintar pinturas da história, pois não podiam participar do processo final de treinamento artístico - o desenho da vida, a fim de proteger sua modéstia. Eles poderiam trabalhar com relevos, impressões, elencos e dos antigos mestres, mas não do modelo nu. Em vez disso, eles foram incentivados a participar das formas de pintura mais baixas, como retrato, paisagem e gênero. Estes foram considerados mais femininos, pois apelaram para os olhos do que a mente.

No final do século XIX, pintores e críticos começaram a se rebelar contra as muitas regras da Académie Française, incluindo o status concedido à pintura da história, que estava começando a ser comprada principalmente por órgãos públicos de um tipo ou outro, como compradores particulares Assuntos preferidos de Lower Down the Hierarchy. Na Grã-Bretanha, o movimento pré-rafaelita tentou revitalizar a pintura da história, com sucesso misto; Outros movimentos fizeram esforços semelhantes. Muitos pré-rafaelitas terminaram suas carreiras pintando principalmente outros assuntos. Novos movimentos artísticos incluíam os realistas e impressionistas, que buscavam descrever o momento presente e a vida cotidiana observados pelos olhos, e desligados do significado histórico; Os realistas costumam escolher pintura de gênero e natureza morta, enquanto os impressionistas costumavam se concentrar nas paisagens.