História da crítica de arte
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Definição
A história da crítica da arte como a conhecemos no século XXI começou no século XIX, mas tem precedentes que datam do mundo antigo. Como a análise das tendências históricas da política, literatura e ciências, a disciplina se beneficia da clareza e portabilidade da palavra escrita, mas os historiadores da arte também dependem de análises formais, semióticos, psicanálise e iconografia. Os avanços nas técnicas de reprodução e impressão fotográfica após a Segunda Guerra Mundial aumentaram a capacidade das reproduções de obras de arte. Tais tecnologias ajudaram a avançar a disciplina de maneiras profundas, pois permitiram comparações fáceis de objetos. O estudo da arte visual assim descrito, pode ser uma prática que envolve a compreensão do contexto, forma e significado social.
Metodologias
Os historiadores da arte, na realização de sua avaliação na história da crítica da arte, empregam vários métodos em suas pesquisas sobre a ontologia e história dos objetos.
Os praticantes de crítica de arte frequentemente examinam o trabalho no contexto de seu tempo. Na melhor das hipóteses, isso é feito de uma maneira que respeita as motivações e os imperativos de seu criador; com consideração dos desejos e preconceitos de seus clientes e patrocinadores; com uma análise comparativa de temas e abordagens dos colegas e professores do criador; e considerando a iconografia e o simbolismo. Em suma, essa abordagem examina a obra de arte no contexto do mundo no qual foi criada.
Os profissionais de crítica de arte também frequentemente examinam o trabalho por meio de uma análise de forma; Ou seja, o uso do Criador de linha, forma, cor, textura e composição. Essa abordagem examina como o artista usa um plano de imagem bidimensional ou as três dimensões do espaço escultural ou arquitetônico para criar sua arte. A maneira como esses elementos individuais são empregados resulta em arte representacional ou não representacional. O artista imitando um objeto ou imagem encontrada na natureza? Nesse caso, é representacional. Quanto mais perto a arte é uma imitação perfeita, mais a arte é realista. O artista não está imitando, mas confia no simbolismo, ou de uma maneira importante se esforçar para capturar a essência da natureza, em vez de copiá -la diretamente? Nesse caso, a arte não é representacional-também chamada de abstrato. Realismo e abstração existem em um continuum. O impressionismo é um exemplo de um estilo representacional que não foi diretamente imitativo, mas se esforçou para criar uma "impressão" da natureza. Se o trabalho não é representacional e é uma expressão dos sentimentos, anseios e aspirações do artista, ou é uma busca por ideais de beleza e forma, o trabalho não é representacional ou uma obra de expressionismo.
Uma análise iconográfica é aquela que se concentra em elementos de design específicos de um objeto. Através de uma leitura atenta desses elementos, é possível rastrear sua linhagem e, com ela, tirar conclusões sobre as origens e trajetórias desses motivos. Por sua vez, é possível fazer qualquer número de observações sobre os valores sociais, culturais, econômicos e estéticos dos responsáveis pela produção do objeto.
Muitos praticantes de crítica de arte usam a teoria crítica para enquadrar suas investigações sobre objetos. A teoria é mais frequentemente usada ao lidar com objetos mais recentes, aqueles do final do século XIX em diante. A teoria crítica na história da arte é frequentemente emprestada de estudiosos literários e envolve a aplicação de uma estrutura analítica não artística ao estudo de objetos de arte. As teorias feministas, marxistas, críticas, queer e pós -colonial estão todas bem estabelecidas na disciplina. Como nos estudos literários, há um interesse entre os estudiosos na natureza e no meio ambiente, mas a direção que isso tomará na disciplina ainda não foi determinada.
Mais recentemente, a mídia e a tecnologia digital introduziram possibilidades de análises visuais, espaciais e experimentais. As formas relevantes variam de filmes, para formas interativas, incluindo ambientes virtuais, ambientes aumentados, mídia situada, mídia em rede etc. Os métodos permitidos por tais técnicas estão em desenvolvimento ativo e prometem incluir abordagens qualitativas que podem enfatizar narrativa, dramática, emocional e características lúdicas da história e arte.
Cronograma de métodos proeminentes
Plínio o ancião e precedentes antigos
Os primeiros escritos sobreviventes sobre arte que podem ser classificados como história da arte ou crítica de arte são as passagens em Plínio, a história natural do ancião (c. 77-79 dC), referente ao desenvolvimento da escultura e da pintura grega. Delas é possível rastrear as idéias de Xenokrates de Sicyon (c. 280 aC), um escultor grego que talvez tenha sido o primeiro historiador da arte. O trabalho de Plínio, embora principalmente uma enciclopédia das ciências, tenha sido influenciado a partir do Renascimento. (Passagens sobre técnicas usadas pelo pintor Apelles c. (332-329 aC) foram especialmente conhecidas.) Desenvolvimentos semelhantes, embora independentes, ocorreram no século VI China, onde um cânone de artistas dignos foi estabelecido por escritores em a classe oficial-oficial. Esses escritores, sendo necessariamente proficientes na caligrafia, eram os próprios artistas. Os artistas são descritos nos seis princípios da pintura formulados por Xie He.
Biografias de Vasari e Artistas
Embora as reminiscências pessoais de arte e artistas sejam escritos e lidos há muito tempo (ver Lorenzo Ghiberti Comementearii, para o melhor exemplo inicial), foi Giorgio Vasari, o pintor da Toscana, escultor e autor de The Lives of the Painters, que escreveu o primeiro verdadeiro verdadeiro história da arte. Seus escritos na cultura moderna de artistas modernos em Nápoles foram considerados por Giovanni Previtali. Ele enfatizou a progressão e o desenvolvimento da arte, que era um marco nesse campo. Ele era um relato pessoal e histórico, apresentando biografias de artistas italianos individuais, muitos dos quais eram seus contemporâneos e conhecidos pessoais. O mais renomado deles foi Michelangelo, e o relato de Vasari é esclarecedor, embora tendencioso em alguns lugares.
As idéias de Vasari sobre arte foram enormemente influentes e serviram de modelo para muitos, inclusive no norte da Europa, Schilder-Boeck, de Karel Van Mander, e Teutsche Akademie, de Joachim von Sandrart. A abordagem de Vasari manteve a influência até o século XVIII, quando as críticas foram niveladas em seu relato biográfico da história.
Winckelmann e crítica de arte
Estudiosos como Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), criticaram o "culto" de Vasari à personalidade artística, e argumentaram que a verdadeira ênfase no estudo da arte deveria ser a visão do observador aprendido e não o ponto de vista único do artista carismático . Os escritos de Winckelmann foram, portanto, o início da crítica da arte. Seus dois trabalhos mais notáveis que introduziram o conceito de crítica de arte foram "Gedanken über Die Nachahmung der Griechischen Werke em Der Malei und Bildhauerkunst, publicado em 1755, logo antes de partir para Roma (Fuseli publicou uma tradução em inglês em 1765 sob o título reflexões sobre o título sobre A pintura e escultura dos gregos) e Geschichte der Kunst des Altertums (História da Arte na Antiguidade), publicada em 1764 (esta é a primeira ocorrência da frase 'História da Arte' no título de um livro) ". Winckelmann criticou os excessos artísticos das formas barroco e rococó e foi fundamental para reformar o gosto em favor do neoclassicismo mais sóbrio. Jacob Burckhardt (1818-1897), um dos fundadores da história da arte, observou que Winckelmann foi "o primeiro a distinguir entre os períodos da arte antiga e vincular a história do estilo à história mundial". De Winckelmann até meados do século XX, o campo da história da arte foi dominado por acadêmicos de língua alemã. O trabalho de Winckelmann marcou assim a entrada da história da arte no discurso alto filosófico da cultura alemã.
Winckelmann foi lido avidamente por Johann Wolfgang Goethe e Friedrich Schiller, que começaram a escrever sobre a história da arte, e seu relato do grupo Laocoön ocasionou uma resposta por Lessing. O surgimento da arte como um assunto importante de especulação filosófica foi solidificada pelo aparecimento da crítica de Julgamento de Immanuel Kant em 1790 e foi promovida pelas palestras de Hegel sobre estética. A filosofia de Hegel serviu como inspiração direta para o trabalho de Karl Schnaase. O Niederländische Briefe, da Schnaase, estabeleceu os fundamentos teóricos da história da arte como uma disciplina autônoma, e seu Geschichte der Bildenden Künste, uma das primeiras pesquisas históricas da história da arte da arte da antiguidade ao renascimento, facilitou o ensino da história da arte na escape alemã da alemão . A pesquisa da Schnaase foi publicada contemporânea com um trabalho semelhante de Franz Theodor Kugler.
Wölfflin e análise estilística
See: Formal analysis.Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudou com Burckhardt em Basileia, é o "pai" da história da arte moderna. Wölfflin ensinou nas universidades de Berlim, Basileia, Munique e Zurique. Vários estudantes passaram a carreiras ilustres na história da arte, incluindo Jakob Rosenberg e Frida Schottmuller. Ele introduziu uma abordagem científica da história da arte, concentrando -se em três conceitos. Em primeiro lugar, ele tentou estudar arte usando psicologia, principalmente aplicando o trabalho de Wilhelm Wundt. Ele argumentou, entre outras coisas, que arte e arquitetura são boas se elas se parecerem com o corpo humano. Por exemplo, as casas eram boas se suas fachadas pareciam rostos. Em segundo lugar, ele introduziu a idéia de estudar arte através da comparação. Ao comparar pinturas individuais, ele foi capaz de fazer distinções de estilo. Seu livro Renaissance e Barroco desenvolveram essa idéia e foi o primeiro a mostrar como esses períodos estilísticos diferiam um do outro. Em contraste com Giorgio Vasari, Wölfflin não estava interessado nas biografias dos artistas. De fato, ele propôs a criação de uma "história da arte sem nomes". Finalmente, ele estudou arte com base em idéias de nação. Ele estava particularmente interessado em se havia um estilo inerentemente "italiano" e inerentemente "alemão". Esse último interesse foi mais totalmente articulado em sua monografia sobre o artista alemão Albrecht Dürer.
Riegl, Wickhoff e a Escola Viena
Contemporâneo da carreira de Wölfflin, uma importante escola de pensamento histórica de arte desenvolvida na Universidade de Viena. A primeira geração da escola de Viena foi dominada por Alois Riegl e Franz Wickhoff, ambos estudantes de Moritz Thausing, e foi caracterizado por uma tendência a reavaliar períodos negligenciados ou depreciados na história da arte. Riegl e Wickhoff escreveram extensivamente sobre a arte da antiguidade tardia, que antes deles havia sido considerada um período de declínio do ideal clássico. Riegl também contribuiu para a reavaliação do barroco.
A próxima geração de professores de Viena incluiu Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda e Josef Strzygowski. Vários dos historiadores de arte mais importantes do século XX, incluindo Ernst Gombrich, receberam seus diplomas em Viena neste momento. O termo "Segunda Escola de Viena" (ou "New Vienna School") geralmente se refere à seguinte geração de estudiosos vienenses, incluindo Hans Sedlmayr, Otto Pächt e Guido Kaschnitz von Weinberg. Esses estudiosos começaram na década de 1930 para retornar ao trabalho da primeira geração, particularmente para Riegl e seu conceito de Kunstwollen, e tentaram transformá-lo em uma metodologia artística histórica. Sedlmayr, em particular, rejeitou o estudo minuto de iconografia, patrocínio e outras abordagens fundamentadas no contexto histórico, preferindo se concentrar nas qualidades estéticas de uma obra de arte. Como resultado, a segunda escola de Viena ganhou uma reputação de formalismo irrestrito e irresponsável e, além disso, foi colorido pelo racismo e membro da Sedlmayr no Partido Nazista. Essa última tendência, no entanto, não foi compartilhada por todos os membros da escola; Pächt, por exemplo, era judeu e foi forçado a deixar Viena na década de 1930.
Panofsky e iconografia
Nosso entendimento do século XXI do conteúdo simbólico da arte vem de um grupo de estudiosos que se reuniram em Hamburgo na década de 1920. Os mais proeminentes entre eles foram Erwin Panofsky, Aby Warburg e Fritz Saxl. Juntos, eles desenvolveram grande parte do vocabulário que continua sendo usado no século XXI pelos historiadores da arte. "Iconografia" - com raízes que significa "símbolos da escrita" refere -se ao assunto da arte derivada de fontes escritas - especialmente as escrituras e a mitologia. "Iconology" é um termo mais amplo que se referiu a todo simbolismo, derivado de um texto específico ou não. Hoje, os historiadores da arte às vezes usam esses termos de forma intercambiável.
Panofsky, em seus primeiros trabalhos, também desenvolveu as teorias de Riegl, mas acabou se preocupando com a iconografia e, em particular, com a transmissão de temas relacionados à antiguidade clássica na Idade Média e na Renascença. A esse respeito, seus interesses coincidiram com os de Warburg, filho de uma família rica que montou uma impressionante biblioteca em Hamburgo dedicada ao estudo da tradição clássica em arte e cultura posteriores. Sob os auspícios da Saxl, essa biblioteca foi desenvolvida em um instituto de pesquisa, afiliado à Universidade de Hamburgo, onde Panofsky ensinava.
Warburg morreu em 1929 e, na década de 1930, Saxl e Panofsky, ambos judeus, foram forçados a deixar Hamburgo. Saxl se estabeleceu em Londres, trazendo a biblioteca de Warburg com ele e estabelecendo o Instituto Warburg. Panofsky se estabeleceu em Princeton no Instituto de Estudo Avançado. A esse respeito, eles faziam parte de um extraordinário influxo de historiadores de arte alemães na academia de língua inglesa na década de 1930. Esses estudiosos foram amplamente responsáveis por estabelecer a história da arte como um campo de estudo legítimo no mundo de língua inglesa, e a influência da metodologia de Panofsky, em particular, determinou o curso da história da arte americana para uma geração.
Freud e psicanálise
Heinrich Wölfflin não foi o único estudioso a invocar teorias psicológicas no estudo do art. O psicanalista Sigmund Freud escreveu um livro sobre o artista Leonardo da Vinci, no qual ele usou as pinturas de Leonardo para interrogar a psique e a orientação sexual do artista. Freud inferiu de sua análise que Leonardo provavelmente era homossexual.
Embora o uso de material póstumo para realizar a psicanálise seja controverso entre os historiadores da arte, especialmente porque os costumes sexuais do tempo de Leonardo e Freud são diferentes, é frequentemente tentado. Um dos estudiosos psicanalíticos mais conhecidos é Laurie Schneider Adams, que escreveu um livro popular, arte ao longo do tempo e uma arte e psicanálise de livros.
Uma virada desavisada para a história da crítica da arte ocorreu em 1914, quando Sigmund Freud publicou uma interpretação psicanalítica de Moisés de Michelangelo intitulado Der Moses Des Michelangelo como uma das primeiras análises baseadas em psicologia sobre uma obra de arte. Freud publicou pela primeira vez este trabalho logo após ler a vida de Vasari. Para fins desconhecidos, Freud publicou originalmente o artigo anonimamente.
Jung e arquétipos
Carl Jung também aplicou a teoria psicanalítica à arte. CG. Jung era um psiquiatra suíço, um pensador influente e fundador da psicologia analítica. A abordagem de Jung à psicologia enfatizou a compreensão da psique, explorando os mundos dos sonhos, arte, mitologia, religião mundial e filosofia. Grande parte do trabalho de sua vida foi gasto explorando a filosofia oriental e ocidental, alquimia, astrologia, sociologia e literatura e artes. Suas contribuições mais notáveis incluem seu conceito de arquétipo psicológico, o inconsciente coletivo e sua teoria da sincronicidade. Jung acreditava que muitas experiências percebidas como coincidência não seriam meramente devidas ao acaso, mas, em vez disso, sugeriram a manifestação de eventos paralelos ou circunstâncias que refletiam essa dinâmica governante. Ele argumentou que uma imagem inconsciente e arquetípica coletiva era detectável na arte. Suas idéias eram particularmente populares entre os expressionistas abstratos americanos nas décadas de 1940 e 1950. Seu trabalho inspirou o conceito surrealista de desenhar imagens dos sonhos e do inconsciente.
Jung enfatizou a importância do equilíbrio e harmonia. Ele alertou que os humanos modernos dependem demais da ciência e da lógica e se beneficiariam da integração da espiritualidade e da apreciação do reino inconsciente. Seu trabalho não apenas desencadeou o trabalho analítico dos historiadores da arte, mas também se tornou parte integrante da arte. Jackson Pollock, por exemplo, criou uma série de desenhos para acompanhar suas sessões psicanalíticas com seu psicanalista junguiano, Dr. Joseph Henderson. Henderson, que mais tarde publicou os desenhos em um texto dedicado às sessões de Pollock, percebeu o quão poderosos os desenhos eram como uma ferramenta terapêutica.
O legado da psicanálise na história da arte tem sido profundo e estende Beyone Freud e Jung. A proeminente historiadora de arte feminista Griselda Pollock, por exemplo, baseia -se na psicanálise, tanto em sua leitura na arte contemporânea quanto em sua releitura na arte modernista. With Pollock's reading of French feminist psychoanalysis and in particular the writings of Julia Kristeva and Bracha L. Ettinger, as with Rosalind Krauss readings of Jacques Lacan and Jean-François Lyotard and Catherine de Zegher's curatorial rereading of art, Feminist theory written in the fields of O feminismo francês e a psicanálise informaram fortemente a reformulação de homens e mulheres artistas na história da arte.
Marx e ideologia
Em meados do século XX, os historiadores da arte adotaram a história social usando abordagens críticas. O objetivo era mostrar como a arte interage com estruturas de poder na sociedade. Uma abordagem crítica que os historiadores da arte [quem?] Usaram era o marxismo. A história da arte marxista tentou mostrar como a arte estava ligada a classes específicas, como as imagens contêm informações sobre a economia e como as imagens podem fazer com que o status quo pareça natural (ideologia).
Talvez o marxista mais conhecido tenha sido Clement Greenberg, que ganhou destaque no final da década de 1930 com seu ensaio "Avant-Garde and Kitsch". No ensaio, Greenberg afirmou que a vanguarda surgiu para defender os padrões estéticos do declínio do gosto envolvido na sociedade de consumo e ver Kitsch e arte como opostos. Greenberg afirmou ainda que a arte de vanguarda e modernista era um meio de resistir ao nivelamento da cultura produzida pela propaganda capitalista. Greenberg se apropriou da palavra alemã 'kitsch' para descrever esse consumismo, embora suas conotações tenham mudado para uma noção mais afirmativa de restos de materiais da cultura capitalista. Greenberg mais tarde [quando?] Tornou -se conhecido por examinar as propriedades formais da arte moderna. [Citação necessária]
Meyer Schapiro é um dos historiadores de arte marxista mais bem lembrados de meados do século XX. Embora ele tenha escrito sobre vários períodos de tempo e temas na arte, ele é mais lembrado por seus comentários sobre escultura do final da Idade Média e do início do Renascimento, quando viu evidências de capitalismo emergindo e feudalismo em declínio. [Citação necessária]
Arnold Hauser escreveu a primeira pesquisa marxista da arte ocidental, intitulada The Social History of Art. Ele tentou mostrar como a consciência da classe se refletia nos principais períodos de arte. O livro foi controverso quando publicado durante a década de 1950, pois faz generalizações sobre épocas inteiras, uma estratégia agora chamada "marxismo vulgar". [Citação necessária]
A história da arte marxista foi refinada no Departamento de História da Arte da UCLA com estudiosos como T.J. Clark, O.K. Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno e Max Horkheimer. T.J. Clark foi o primeiro historiador da arte escrevendo de uma perspectiva marxista a abandonar o marxismo vulgar. Ele escreveu histórias de arte marxista de vários artistas impressionistas e realistas, incluindo Gustave Courbet e Édouard Manet. Esses livros se concentraram intimamente nos climas políticos e econômicos em que a arte foi criada. [Citação necessária]
Nochlin e feminismo
Ensaio de Linda Nochlin "Por que não houve grandes artistas de mulheres?" ajudou a inflamar a história da arte feminista durante a década de 1970 e continua sendo um dos ensaios mais lidos sobre artistas. Nele, ela aplica uma estrutura crítica feminista para mostrar exclusão sistemática de mulheres do treinamento artístico. Nochlin argumenta que a exclusão da prática da arte, bem como da história canônica da arte, foi a conseqüência de condições culturais que reduziram e restringiam as mulheres de campos de produção de arte. Os poucos que tiveram sucesso foram tratados como anomalias e não forneceram um modelo para o sucesso subsequente. Griselda Pollock é outro historiador de arte feminista proeminente, cujo uso da teoria psicanalítica é descrita acima. Embora a história da arte feminista possa se concentrar em qualquer período e localização, muita atenção foi dada à era moderna. Algumas dessas bolsas se concentram no movimento artístico feminista, que se referiu especificamente à experiência das mulheres.
Barthes e semióticos
Ao contrário da iconografia que busca identificar o significado, a semiótica está preocupada com a forma como o significado é criado. Roland Barthes conoteu e denotados significados são fundamentais para este exame. Em qualquer obra de arte em particular, uma interpretação depende da identificação do significado denotado - o reconhecimento de um sinal visual e o significado conotado - as associações culturais instantâneas que vêm com o reconhecimento. A principal preocupação do historiador da arte semiótica é criar maneiras de navegar e interpretar o significado conotado.
A história da arte semiótica procura descobrir o significado ou significados codificados em um objeto estético, examinando sua conexão com uma consciência coletiva. Os historiadores da arte geralmente não se comprometem com uma marca em particular de semiótica, mas construem uma versão amalgamada que eles incorporam em sua coleção de ferramentas analíticas. Por exemplo, Meyer Schapiro pegou o significado diferencial de Saussure emprestado em esforço para ler sinais como eles existem dentro de um sistema. Segundo Schapiro, para entender o significado da frontealidade em um contexto pictórico específico, ele deve ser diferenciado ou visualizado em relação a possibilidades alternativas, como um perfil ou uma visão de três quartos. Schapiro combinou esse método com o trabalho de Charles Sanders Peirce, cujo objeto, sinal e interpretante forneceram uma estrutura para sua abordagem. Alex Potts demonstra a aplicação dos conceitos de Peirce à representação visual, examinando -os em relação à Mona Lisa. Ao ver a Mona Lisa, por exemplo, como algo além de sua materialidade é identificá -lo como um sinal. É então reconhecido como referindo -se a um objeto fora de si, uma mulher ou Mona Lisa. A imagem não parece denotar o significado religioso e, portanto, pode ser considerado um retrato. Essa interpretação leva a uma cadeia de possíveis interpretações: quem era a babá em relação a Leonardo? Que significado ela tinha para ele? Ou talvez ela seja um ícone para toda a mulher. Essa cadeia de interpretação, ou "semiose ilimitada", é interminável; O trabalho do historiador da arte é colocar limites sobre possíveis interpretações, tanto quanto para revelar novas possibilidades.
A semiótica opera sob a teoria de que uma imagem só pode ser entendida da perspectiva do espectador. O artista é suplantado pelo espectador como fornecedor de significado, mesmo na medida em que uma interpretação ainda seja válida, independentemente de o criador ter pretendido. Rosalind Krauss adotou esse conceito em seu ensaio "em nome de Picasso". Ela denunciou o monopólio do artista sobre o significado e insistiu que o significado só pode ser derivado depois que o trabalho foi removido de seu contexto histórico e social. Mieke Bal argumentou da mesma forma que o significado nem existe até que a imagem seja observada pelo espectador. Somente depois de reconhecer isso que o significado pode ser aberto a outras possibilidades, como feminismo ou psicanálise.
Estudos de museus e coleta
Aspectos do assunto que vieram à tona nas últimas décadas incluem interesse no patrocínio e consumo de arte, incluindo a economia do mercado de arte, o papel dos colecionadores, as intenções e aspirações daquelas obras de comissionamento e as reações dos contemporâneos e telespectadores e proprietários posteriores. Os estudos de museus, incluindo a história da coleta e exibição do museu, agora são um campo de estudo especializado, assim como a história da coleta.
Novo materialismo
Os avanços científicos tornaram possível uma investigação muito mais precisa dos materiais e técnicas usadas para criar obras, especialmente técnicas fotográficas infravermelhas e de raios-X, que permitiram que muitas desvios de pinturas fossem vistas novamente. A análise adequada dos pigmentos usados na tinta agora é possível, o que perturbou muitas atribuições. A dendrocronologia para pinturas de painéis e datação por rádio-carbono para objetos antigos em materiais orgânicos permitiram que métodos científicos de objetos de namoro confirmassem ou perturbassem datas derivadas de análises estilísticas ou evidências documentais. O desenvolvimento de uma boa fotografia de cores, agora mantida digitalmente e disponível na Internet ou por outros meios, transformou o estudo de muitos tipos de arte, especialmente aqueles que cobrem objetos existentes em grandes números que são amplamente dispersos entre coleções, como manuscritos iluminados e Miniaturas persas e muitos tipos de obras de arte arqueológicas.
Divisões por período
O campo da história da arte é tradicionalmente dividido em especializações ou concentrações com base em épocas e regiões, com uma subdivisão adicional com base na mídia. Assim, alguém pode se especializar na "arquitetura alemã do século XIX" ou na "escultura da Toscana do século XVI". Os subcampos são frequentemente incluídos sob uma especialização. Por exemplo, o antigo Oriente Próximo, Grécia, Roma e Egito são tipicamente considerados concentrações especiais de arte antiga. Em alguns casos, essas especializações podem estar intimamente aliadas (como a Grécia e a Roma, por exemplo), enquanto em outras essas alianças são muito menos naturais (arte indiana versus arte coreana, por exemplo).
A arte não ocidental é um recém-chegado relativamente ao cânone histórico da arte. Revisões recentes da divisão semântica entre arte e artefato reformularam os objetos criados em culturas não ocidentais em termos mais estéticos. Em relação aos que estudam Roma antiga ou o Renascimento italiano, estudiosos especializados na África, as Américas antigas e a Ásia são uma minoria crescente.
A história da arte contemporânea refere-se à pesquisa no período da década de 1960 até hoje, refletindo a ruptura das suposições do modernismo trazido pelos artistas do neo-avant-garde e uma continuidade na arte contemporânea em termos de prática baseados em práticas conceituais e pós-conceituais .
Organizações profissionais
Nos Estados Unidos, a organização de história da arte mais importante é a College Art Association. Organiza uma conferência anual e publica o Art Bulletin and Art Journal. Organizações semelhantes existem em outras partes do mundo, bem como para especializações, como história arquitetônica e história da arte renascentista. No Reino Unido, por exemplo, a Associação de Historiadores da Arte é a Organização de Premiere e publica uma revista intitulada História da Arte.