Impressão mestre antiga
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História
Xilograpa diante de Albrecht Dürer
A técnica mais antiga é a xilogravura ou a impressão de madeira, que foi inventada como um método para imprimir pano na China. Isso havia chegado à Europa através do mundo islâmico antes de 1300, como método de impressão em têxteis. O artigo chegou à Europa, também da China via Espanha islâmica, um pouco mais tarde, e estava sendo fabricada na Itália até o final do século XIII, e na Borgonha e na Alemanha até o final do décimo quarto. Imagens religiosas e cartas de jogo são documentadas como sendo produzidas no papel, provavelmente impressas, por um alemão em Bolonha em 1395. No entanto, as imagens européias impressas mais impressionantes para sobreviver antes de 1400 são impressas em tecido, para uso como enforcamento nas paredes ou móveis , incluindo altares e lecternos. Alguns foram usados como um padrão para bordar. Algumas imagens religiosas foram usadas como ataduras, para acelerar a cura.
As primeiras imagens impressas são principalmente de alto padrão artístico e foram claramente projetadas por artistas com fundo de pintura (em paredes, painéis ou manuscritos). Não se sabe se esses artistas cortam os blocos, ou apenas pintaram o design no bloco para que outro esculpesse, não é conhecido. Durante o século XV, o número de impressões produzidas aumentou bastante à medida que o papel se tornou livremente disponível e mais barato, e o nível artístico médio caiu, de modo que, na segunda metade do século, a xilogravura típica é uma imagem relativamente grosseira. A grande maioria das impressões sobreviventes do século XV é religiosa, embora essas tenham provavelmente maior probabilidade de sobreviver. Seus criadores eram às vezes chamados de "Maker Jesus" ou "fabricante de santos" em documentos. Como nos livros manuscritos, as instituições monásticas às vezes produziam e muitas vezes vendidas. Nenhum artista pode ser identificado com xilogravuras específicas até o final do século.
As pequenas evidências que sugerimos que as impressões de xilogravura se tornaram relativamente comuns e baratas durante o século XV e eram acessíveis por trabalhadores qualificados nas cidades. Por exemplo, o que pode ser a primeira impressão italiana sobrevivente, a "Madonna of the Fire", estava pendurada por um prego em uma parede em uma pequena escola em Forlì em 1428. A escola pegou fogo e a multidão que se reuniu para assistir a serra viu serve A impressão foi levada ao ar pelo fogo, antes de cair na multidão. Isso foi considerado uma fuga milagrosa e a impressão foi levada para a Catedral Forlì, onde permanece, desde 1636 em uma capela especial, exibida uma vez por ano. Como a maioria das impressões antes de aproximadamente 1460, apenas uma única impressão (o termo usado para uma cópia de uma impressão mestre antiga; "cópia" é usada para uma impressão que copia outra impressão) sobreviveu.
Os blocos de xilogravura são impressos com leve pressão e são capazes de imprimir vários milhares de impressões, e mesmo nesse período algumas impressões podem ter sido produzidas nessa quantidade. Muitas impressões eram coloridas à mão, principalmente em aquarela; De fato, a coloração manual das impressões continuou por muitos séculos, embora os revendedores a tenham removido de muitos exemplos sobreviventes. Itália, Alemanha, França e Holanda foram as principais áreas de produção; A Inglaterra parece não ter produzido impressões até cerca de 1480. No entanto, as impressões são altamente portáteis e foram transportadas pela Europa. Um documento veneziano de 1441 já reclama sobre importações baratas de cartas de jogo danificando a indústria local.
Os livros de blocos eram uma forma muito popular de livro (curto), onde uma página com fotos e texto foi cortada como uma única xilogravura. Eles eram muito mais baratos que os livros de manuscritos e foram produzidos principalmente na Holanda; A arte de morrer (Ars Moriendi) era a mais famosa; Treze conjuntos diferentes de blocos são conhecidos. Como uma técnica de alívio (veja a xilogravura de gravura), pode ser impressa facilmente junto com o tipo móvel, e depois que essa invenção chegou à Europa, cerca de 1450 impressoras vieram rapidamente incluir xilogravuras em seus livros. Alguns proprietários de livros também colaram impressões em livros de oração em particular. As cartas de jogo eram outro uso notável de impressões, e as versões francesas são a base dos conjuntos tradicionais ainda em uso hoje.
No último trimestre do século, havia uma grande demanda por xilogravuras para ilustrações de livros e, na Alemanha e na Itália, os padrões no topo do mercado melhoraram consideravelmente. Nuremberg foi o maior centro de publicação alemã, e Michael Wolgemut, o mestre do maior workshop que trabalhou em muitos projetos, incluindo o gigantesco Nuremberg Chronicle. Albrecht Dürer foi aprendiz de Wolgemut durante os estágios iniciais do projeto e foi o afilhado de Anton Koberger, sua impressora e editora. A carreira de Dürer era levar a arte da xilogravura ao seu maior desenvolvimento.
Gravura alemã antes de Dürer
A gravura no metal fazia parte do ofício de ourives durante todo o período medieval, e a idéia de imprimir desenhos gravados no papel provavelmente começou como um método para que eles gravem os projetos nas peças que haviam vendido. Alguns artistas treinados quando os pintores se envolveram entre 1450 e 1460, embora muitos gravadores continuassem a vir de um fundo de ourivíssimo. Desde o início, a gravura estava nas mãos dos comerciantes de luxo, ao contrário da xilogravura, onde pelo menos o corte do bloco estava associado aos negócios de status de carpintaria e talvez escultura em madeira. As gravuras também foram importantes desde o início como modelos para outros artistas, especialmente pintores e escultores, e muitas obras sobrevivem, especialmente de cidades menores, que levam suas composições diretamente das impressões. Servir como um padrão para os artistas pode ter sido o principal objetivo para a criação de muitas impressões, especialmente as numerosas séries de figuras de apóstolo.
As gravuras sobreviventes, embora a maioria sejam religiosas, mostram uma proporção maior de imagens seculares do que outros tipos de arte do período, incluindo xilogravura. Isso certamente é parcialmente o resultado das taxas de sobrevivência relativas-embora as ricas casas do século XV certamente continham imagens seculares nas paredes (dentro e fora) e enforcamentos de pano, esses tipos de imagem sobreviveram em pequenos números. A igreja era muito melhor para manter suas imagens. As gravuras eram relativamente caras e foram vendidas para uma classe média urbana que se tornara cada vez mais rica no cinturão das cidades que se estendiam da Holanda pelo Reno até o sul da Alemanha, Suíça e norte da Itália. A gravura também foi usada para os mesmos tipos de imagens que xilogravuras, principalmente imagens devocionais e cartas de jogo, mas muitos parecem ter sido coletados por manter -se fora de vista em um álbum ou livro, para julgar pelo excelente estado de preservação de muitas peças de peças de papel com mais de quinhentos anos.
Novamente, ao contrário da xilogravura, artistas identificáveis são encontrados desde o início. O mestre alemão, ou possivelmente alemão-Swiss, das cartas de jogo, era ativo pelo menos os anos 1440; Ele era claramente um pintor treinado. O mestre E. S. era um gravador prolífico, de um fundo de ourivíssimo, ativo entre 1450 e 1467, e o primeiro a assinar suas impressões com um monograma na placa. Ele fez desenvolvimentos técnicos significativos, o que permitiu que mais impressões fossem retiradas de cada placa. Muitos de seus rostos têm uma aparência bastante parecida com pudim, o que reduz o impacto do que são boas obras. Grande parte de seu trabalho ainda tem um grande charme, e os assuntos seculares e cômicos que ele gravou quase nunca são encontrados na pintura sobrevivente do período. Como as impressões Otto na Itália, grande parte de seu trabalho provavelmente pretendia atrair as mulheres.
O primeiro grande artista a gravar foi Martin Schongauer (c. 1450-1491), que trabalhou no sul da Alemanha e também era um pintor conhecido. Seu pai e irmão eram ourives, então ele pode ter experiência com o burbin desde tenra idade. Suas 116 gravuras têm uma autoridade e beleza claras e se tornaram conhecidas na Itália e no norte da Europa, além de copiadas por outros gravadores. Ele também desenvolveu ainda a técnica de gravação, em particular, refinar a captação cruzada para representar volume e sombra em um meio puramente linear.
O outro artista notável desse período é conhecido como mestre do livro doméstico. Ele era um artista alemão altamente talentoso que também é conhecido nos desenhos, especialmente o álbum de livros domésticos do qual ele recebe seu nome. Suas impressões foram feitas exclusivamente no ponto seco, arranhando suas linhas no prato para deixar uma linha muito mais rasa do que o burbim de um gravador produziria; Ele pode ter inventado essa técnica. Consequentemente, apenas algumas impressões puderam ser produzidas a partir de cada placa - talvez cerca de vinte - embora algumas placas tenham sido retrabalhadas para prolongar sua vida. Apesar dessa limitação, suas impressões foram claramente divulgadas, pois muitas cópias delas existem por outros gravadores. Isso é altamente típico de impressões admiradas em todas as mídias até pelo menos 1520; Não havia conceito aplicável de nada como direitos autorais. Muitas das composições impressas do Mestre do Livro da casa são conhecidas apenas por cópias, pois nenhum dos originais presumidos sobreviveu - uma proporção muito alta de suas impressões originais é conhecida apenas por uma única impressão. A maior coleção de suas impressões é em Amsterdã; Eles provavelmente foram mantidos como uma coleção, talvez pelo próprio artista, a partir da época de sua criação.
Israhel van Meckenam era um gravador das fronteiras da Alemanha e da Holanda, que provavelmente treinou com mestres, e administrou o workshop mais produtivo para gravuras do século entre 1465 e 1503. Produziu mais de 600 placas, a maioria das cópias de outras impressões , e foi mais sofisticado na auto-apresentação, assinando impressões posteriores com seu nome e cidade e produzindo o primeiro auto-retrato imprimido de si mesmo e de sua esposa. Algumas placas parecem ter sido reformuladas mais de uma vez por sua oficina, ou produzidas em mais de uma versão, e muitas impressões sobreviveram; portanto, sua capacidade de distribuir e vender suas impressões foi evidentemente sofisticada. Suas próprias composições geralmente são muito animadas e têm um grande interesse na vida secular de seus dias.
As primeiras gravuras italianas
A gravura em xilogravura e gravura apareceram no norte da Itália algumas décadas de sua invenção ao norte dos Alpes e tinham usos e personagens semelhantes, embora dentro de estilos artísticos significativamente diferentes, e desde o início uma proporção muito maior de indivíduos seculares. A xilogravura italiana mais antiga foi mencionada acima. A gravura provavelmente veio primeiro a Florença nos anos 1440; Vasari normalmente afirmava que seu companheiro de Florentina, Goldsmith e Nielloist Maso Finiguerra (1426-64) inventaram a técnica. Agora está claro que isso está errado e agora não há impressões como tal que podem ser atribuídas a ele em algo que não seja uma base especulativa. Ele pode nunca ter feito gravuras impressas a partir de pratos, em vez de tirar impressões do trabalho destinado a ser nielled. Existem várias cenas religiosas complexas de Niello que ele provavelmente executou, e pode ou não ter projetado, que foram influentes para o estilo florentino na gravação. Algumas impressões de papel e elencos de enxofre sobrevivem a desses. Estes são vários paxes em Bargello, Florence, mais um no Museu Metropolitano de Arte, Nova York, que descreve cenas com multidões grandes e bem organizadas de pequenas figuras. Também há desenhos em Uffizi, Florence, que podem ser por ele.
Florence
Onde a gravura alemã chegou a um mundo artístico ainda gótico, a gravura italiana capturou o renascimento muito antigo e, desde o início, as impressões são maiores, mais abertas na atmosfera e apresentam assuntos clássicos e exóticos. Eles são menos densamente trabalhados e geralmente não usam interrupção. De 1460 a 1490, dois estilos desenvolvidos em Florença, que permaneceram o maior centro de gravura italiana. Eles são chamados (embora os termos sejam menos usados agora) da "maneira fina" e da "maneira ampla", referindo -se à espessura típica das linhas usadas. Os principais artistas da maneira excelente são Baccio Baldini e o "Mestre da Paixão de Viena" e, da maneira ampla, Francesco Rosselli e Antonio del Pollaiuolo, cuja única impressão foi a batalha dos homens nus (à direita), a obra -prima de Gravura florentina do século XV. Isso usa um novo Zigzag "Return Stroke" para modelar, que ele provavelmente inventou.
Uma sobrevivência casual é uma coleção de impressões florentinas de maneira bastante grosseira agora no Museu Britânico, conhecido como Otto impressas depois de um proprietário anterior da maioria deles. Este foi provavelmente o próprio conjunto de impressões de referência do workshop, principalmente redondo ou oval, que foram usadas para decorar as capas internas das caixas, principalmente para uso feminino. Foi sugerido que as caixas tão decoradas podem ter sido dadas como presentes nos casamentos. O assunto e a execução deste grupo sugerem que eles pretendiam atrair o gosto feminino da classe média; Os amantes e os cupidos abundam, e uma alegoria mostra um jovem quase nu amarrado a uma participação e sendo espancado por várias mulheres.
FerraraO outro centro inicial notável foi Ferrara, a partir da 1460, que provavelmente produziu os dois conjuntos das chamadas cartas "Mantegna Tarocchi", que não são cartas de jogo, mas uma espécie de ferramenta educacional para jovens humanistas com cinquenta cartas, com os planetas e esferas, Apollo e as musas, personificações das sete artes liberais e as quatro virtudes, bem como "as condições do homem" do papa a camponês.
Mantegna in Mantua
Andrea Mantegna, que treinou em Pádua, e depois se estabeleceu em Mantua, foi a figura mais influente na gravura italiana do século, embora ainda seja debatida se ele realmente gravou alguma placa (um debate revivido nos últimos anos de Suzanne Boorsch). Várias gravuras são atribuídas há muito tempo à sua escola ou oficina, com apenas sete geralmente dadas a ele pessoalmente. Todo o grupo forma um grupo estilístico coerente e reflete muito claramente seu estilo de pintura e desenho, ou copia as obras sobreviventes dele. Eles parecem namorar a partir do final dos anos 1460.
O impacto de Dürer
Nos últimos cinco anos do século XV, Dürer, depois em seus vinte e poucos anos e com sua própria oficina em Nuremberg, começou a produzir xilogravuras e gravuras da mais alta qualidade que se espalharam muito rapidamente pelos centros artísticos da Europa. Por cerca de 1505, a maioria dos jovens gravadores italianos passou por uma fase de copiar diretamente impressões inteiras ou grandes partes dos fundos da paisagem de Dürer, antes de adaptar seus avanços técnicos ao seu próprio estilo. A cópia de impressões já era uma parte grande e aceita da cultura de gravura, mas nenhuma gravura era copiada com tanta frequência quanto a de Dürer.
Dürer também era pintor, mas poucas de suas pinturas podiam ser vistas, exceto por aqueles com bom acesso a casas particulares na área de Nuremberg. A lição de como ele, seguindo mais espetacularmente nos passos de Schongauer e Mantegna, foi capaz de desenvolver tão rapidamente uma reputação em todo o continente, em grande parte através de suas impressões, não foi perdida em outros pintores, que começaram a se interessar muito na gravura.
Itália 1500–1515
Por um breve período, vários artistas que começaram copiando Dürer fizeram impressões muito finas em uma variedade de estilos individuais. Eles incluíram Giulio Campagnola, que conseguiu traduzir o novo estilo que Giorgione e Ticiano trouxeram para a pintura veneziana para gravar. Marcantonio Raimondi e Agostino Veneziano passaram alguns anos em Veneza antes de se mudarem para Roma, mas mesmo suas primeiras impressões mostram tendências clássicas e influência do norte. Os estilos do Florentino Cristofano Robetta e Benedetto Montagna de Vicenza ainda estão sediados na pintura italiana do período e também são mais tarde influenciados por Giulio Campagnola.
Giovanni Battista Palumba, já conhecido como "Mestre Ib com o pássaro" de seu monograma, era o principal artista italiano em xilogravura nesses anos, além de um gravador de cenas mitológicas encantadoras, geralmente com um tema erótico.
A ascensão da impressão reprodutiva
As impressões de cópias já eram comuns, e muitas impressões do século XV devem ter sido cópias de pinturas, mas não pretendem ser vistas como tal, mas como imagens por si só. O workshop de Mantegna produziu várias gravuras copiando seu triunfo de César (agora Hampton Court Palace), ou desenhos para ele, que talvez fossem as primeiras impressões que pretendiam ser entendidas como retratando pinturas - chamadas impressões reprodutivas. Com um ritmo crescente de inovação na arte e de um interesse crítico entre um público não profissional e confiável representações de pinturas preencheram uma necessidade óbvia. Com o tempo, essa demanda era quase sufocar a antiga impressão mestre.
Dürer nunca copiou nenhuma de suas pinturas diretamente em impressões, embora alguns de seus retratos baseem uma pintura e uma impressão no mesmo desenho, o que é muito semelhante. A próxima etapa começou quando Ticiano, em Veneza, e Raphael, em Roma, quase simultaneamente começou a colaborar com os gravadores para fazer impressões em seus desenhos. Ticiano nesta fase trabalhou com Domenico Campagnola e outros em xilogravuras, enquanto Raphael trabalhava com Raimondi em gravuras, pelas quais muitos dos desenhos de Rafael sobrevivem. Mais tarde, as pinturas feitas pela Escola de Fontainebleau foram copiadas em gravuras, aparentemente em um breve programa organizado, incluindo muitos dos próprios pintores.
As parcerias italianas foram bem -sucedidas artísticas e comercialmente e inevitavelmente atraíram outros criadores de gravadores que simplesmente copiaram pinturas de forma independente para fazer impressões totalmente reprodutivas. Especialmente na Itália, essas impressões, de qualidade bastante variável, passaram a dominar o mercado e tendiam a empurrar a gravura original, o que declinou notavelmente entre 1530 e 40 na Itália. Até agora, alguns editores/revendedores se tornaram importantes, especialmente operadores holandeses e flamengos como Philippe Galle e Hieronymus Cock, desenvolvendo redes de distribuição que estavam se tornando internacionais e muito trabalho foi encomendado por eles. O efeito do desenvolvimento do comércio de vendas por impressão é uma questão de controvérsia acadêmica, mas não há dúvida de que, em meados do século, a taxa de gravura original na Itália havia diminuído consideravelmente da geração anterior, se não tão bem Como na Alemanha.
O norte depois de Dürer
Embora nenhum artista de 1500 a 1550 possa ignorar Dürer, vários artistas em seu rastro não tiveram dificuldade em manter estilos altamente distintos, geralmente com pouca influência dele. Lucas Cranach, o ancião, era apenas um ano mais novo que Dürer, mas tinha cerca de trinta anos antes de começar a fazer coroas, em um intenso estilo do norte, lembrando Matthias Grünewald. Ele também era um experimentador inicial na técnica de xilogravura de Chiaroscuro. Seu estilo mais tarde suavizou e assumiu a influência de Dürer, mas ele concentrou seus esforços na pintura, na qual se tornou dominante na Alemanha protestante, com sede em Saxônia, entregando seu estúdio muito produtivo ao filho em uma idade relativamente cedo.
Lucas Van Leyden tinha um talento natural prodigioso para gravar, e suas impressões anteriores foram muito bem -sucedidas, com um tratamento muitas vezes terroso e uma técnica brilhante, para que ele tenha sido visto como o principal rival de Dürer no norte. No entanto, suas impressões posteriores sofriam se esforçar após uma grandeza italiana, que deixou apenas a técnica aplicada a composições muito menos dinâmicas. Como Dürer, ele tinha um "flerte" com gravação, mas em cobre em vez de ferro. Seus sucessores holandeses por algum tempo continuaram sendo fortemente sob o feitiço da Itália, que levaram a maior parte do século para digerir.
Albrecht Altdorfer produziu algumas impressões religiosas italianas, mas ele é mais famoso por suas paisagens do norte de larvas e abetos caídos, que são altamente inovadores em pintura e impressões. Ele estava entre os primeiros usuários mais eficazes da técnica de gravação, recentemente inventada como uma técnica de gravura de Daniel Hopfer, um armeiro de Augsburg. Nem Hopfer nem os outros membros de sua família que continuaram seu estilo eram artistas treinados ou naturais, mas muitas de suas imagens têm um grande charme, e suas "estampas de ornamentos", feitas essencialmente como padrões para artesãos em vários campos, espalham amplamente sua influência.
Hans Burgkmair, de Augsburg, vizinho e rival de Nuremberg, era um pouco mais velho que Dürer e teve uma carreira paralela em alguns aspectos, treinando com Martin Schongauer antes de aparentemente visitar a Itália, onde formou sua própria síntese de estilos do norte e italiano, que ele se aplicava Pintura e xilogravura, principalmente para livros, mas com muitas impressões significativas de "folha única" (ou seja, individual). Ele agora é geralmente creditado por inventar a xilogravura de chiaroscuro colorida (colorida). Hans Baldung era o aluno de Dürer e ficou no comando da oficina de Nuremberg durante a segunda viagem italiana de Dürer. Ele não teve dificuldade em manter um estilo altamente pessoal na xilogravura e produziu algumas imagens muito poderosas. Urs Graf era um mercenário suíço e gravador, que inventou a técnica de xilogravura de linha branca, na qual suas impressões mais distintas foram feitas.
Os pequenos mestres
O Little Masters é um termo para um grupo de vários gravadores, que produziram gravuras muito pequenas detalhadas para um mercado em grande parte burguesa, combinando em elementos em miniatura de Dürer e de Marcantonio Raimondi, e concentrando em temas religiosos. Os mais talentosos foram os irmãos Bartel Beham e os Sebald Beham de vida mais longa. Como Georg Pencz, eles vieram de Nuremberg e foram expulsos pelo Conselho por ateísmo por um período. O outro membro principal do grupo foi Heinrich Aldegrever, um luterano convencido com inclinações anabatistas, que talvez tenha sido forçada a passar grande parte de seu tempo produzindo estampas de ornamentos.
Outro protestante convencido, Hans Holbein, o mais jovem, passou a maior parte de sua carreira adulta na Inglaterra, e por muito tempo depois primitiva, tanto como mercado quanto em assistência técnica para apoiar a impressão fina. Enquanto o famoso Blockbutter Hans Lützelburger estava vivo, ele criou a partir dos desenhos de Holbein, a famosa pequena série de xilogravura de The Dance of Death. Outra série de Holbein, de noventa e uma cenas do Antigo Testamento, em um estilo muito mais simples, foi a mais popular das tentativas de vários artistas de criar imagens religiosas protestantes. Ambas as séries foram publicadas em Lyon na França por uma editora alemã, tendo sido criado na Suíça.
Após as mortes dessa geração muito brilhante, tanto a qualidade quanto a quantidade de gravura original alemã sofreram um colapso estranho; Talvez tenha se tornado impossível sustentar um estilo convincente do norte diante de produções italianas esmagadoras em um estilo renascentista "comoditizado". A Holanda agora se tornou mais importante para a produção de impressões, o que permaneceria o caso até o final do século XVIII.
Prindadeira maneirista
Alguns gravadores italianos seguiram uma direção muito diferente para Raimondi e seus seguidores, ou os alemães, e usaram o meio para experimentação e trabalho muito pessoal. Parmigianino produziu algumas gravuras e também trabalhou em estreita colaboração com Ugo Da Carpi em xilogravuras de Chiaroscuro e outras impressões.
Giorgio Ghisi foi o principal gravador da Escola Mantuan, que preservava bastante mais individualidade que Roma. Grande parte de seu trabalho foi reprodutiva, mas suas impressões originais geralmente são muito finas. Ele visitou Antuérpia, um reflexo do poder que os editores de lá agora tinham sobre o que agora era um mercado europeu de impressões. Vários criadores de gravadores, principalmente em gravura, continuaram a produzir impressões excelentes, mas principalmente como uma linha lateral para pintar ou gravura reprodutiva. Eles incluem Battista Franco, Il Schiavone, Federico Barocci e Ventura Salimbeni, que produziram apenas nove impressões, presumivelmente porque não pagavam. Annibale Carracci e seu primo Ludovico produziram algumas gravuras influentes, enquanto o irmão de Annibale, Agostino, gravou. Ambos os irmãos influenciaram Guido Reni e outros artistas italianos do período barroco completo no próximo século.
FranceOs artistas italianos conhecidos como Escola de Fontainebleau foram contratados na década de 1530 pelo rei Francisco I da França para decorar seu castelo de exibição em Fontainebleau. No decorrer do projeto longo, foram produzidas gravuras, em circunstâncias desconhecidas, mas aparentemente no próprio Fontainebleau e principalmente na década de 1540, principalmente registrando pintores de parede e gesso no Chateau (muito agora destruído). Tecnicamente, eles são principalmente pobres - dry e desiguais -, mas os melhores evocam poderosamente a atmosfera estranha e sofisticada da época. Muitos dos melhores são de Leon Davent para desenhos de Primaticcio, ou Antonio Fantuzzi. Vários artistas, incluindo Davent, foram mais tarde a Paris e continuaram a produzir impressões lá.
Anteriormente, a única gravadora consistente de estatura na França era Jean Duvet, um ourives cujo estilo altamente pessoal parece a meio caminho entre Dürer e William Blake. Seus pratos estão extremamente lotados, não convencionalmente bem desenhados, mas cheios de intensidade; O oposto da elegância lânguida das impressões de Fontainebleau, que deveriam ter maior efeito na gravura francesa. Suas impressões datam de 1520 a 1555, quando ele tinha setenta anos, e completou sua obra-prima, as vinte e três impressões do apocalipse.
The Netherlands
Cornelius Cort era um gravador de Antuérpia, treinado na editora de Cock, com um estilo controlado, mas vigoroso, e excelente na descrição de efeitos de iluminação dramática. Ele foi para a Itália e em 1565 foi mantido por Ticiano para produzir impressões de suas pinturas (Ticiano garantiu seus "privilégios" ou direitos de reproduzir exclusivamente seus próprios trabalhos). Ticiano teve um problema considerável para obter o efeito que queria; Ele disse que Cort não podia trabalhar apenas da pintura, então produziu desenhos especiais para ele usar. Eventualmente, os resultados foram altamente eficazes e bem -sucedidos, e após a morte de Ticiano se mudar para Roma, onde ele ensinou vários dos gravadores de maior sucesso da próxima geração, principalmente Hendrik Goltzius, Francesco Villamena e Agostino Carracci, o último grande artista italiano a resistir à propagação da gravação.
Goltzius, sem dúvida o último grande gravador, levou o estilo de Cort ao seu ponto mais distante. Por causa de um acidente de infância, ele desenhou com todo o braço e seu uso da linha de inchaço, alterando o perfil do burin para engrossar ou diminuir a linha à medida que se movia, é incomparável. Ele foi extraordinariamente prolífico, e a qualidade artística, se não técnica, de seu trabalho, é muito variável, mas suas melhores impressões esperam a energia de Rubens e são tão sensuais no uso da linha quanto na tinta.
Ao mesmo tempo, Pieter Brueghel, o Velho, outro artista treinado por Cort, que escapou para pintar, estava produzindo impressões em um estilo totalmente diferente; Lindamente desenhado, mas simplesmente gravado. Ele apenas gravou um prato, uma paisagem excelente, os caçadores de coelhos, mas produziu muitos desenhos para que os especialistas em Antuérpias trabalhem, de vida camponesa, sátiras e eventos dignos de nota.
Enquanto isso, vários outros gravadores da Holanda continuaram a produzir um grande número de impressões reprodutivas e ilustrativas de graus amplamente variados de qualidade e apelo - os dois de maneira alguma sempre estão juntos. Dinastias notáveis, geralmente editores e artistas incluem a família Wierix, os Saenredams e Aegidius sadeler e várias de suas relações. Philippe Galle fundou outro negócio familiar de longa duração. Theodor de Bry se especializou em ilustrar livros sobre novas áreas coloniais.
Século XVII e a Era de Rembrandt
O século XVII viu um aumento contínuo no volume de gravura comercial e reprodutiva; Rubens, como Ticiano antes dele, se esforçou ao adaptação dos gravadores treinados em sua oficina ao estilo específico que ele queria, embora vários tenham achado suas demandas demais e foram embora. A geração depois que ele produziu uma série de gravadores amplamente dispersos com estilos muito individuais e pessoais; A essa altura, a gravação havia se tornado o meio normal para esses artistas.
Rembrandt comprou uma impressão em sua casa nos dias de sua prosperidade inicial e continuou a produzir gravuras (sempre chamadas coletivamente, embora Rembrandt mista técnicas, adicionando gravação e ponto dito a algumas de suas gravuras) até sua falência, quando perdeu casa e imprensa. Felizmente, suas impressões sempre foram profundamente coletadas, e o que parece ser uma alta proporção de seus estados intermediários sobreviveram, geralmente em apenas uma ou duas impressões. Ele estava claramente diretamente envolvido no processo de impressão e provavelmente limpou seletivamente o prato de tinta para produzir o tom da superfície de efeitos em muitas impressões. Ele também experimentou continuamente os efeitos de diferentes trabalhos. Ele produziu impressões em uma ampla gama de assuntos do que suas pinturas, com várias paisagens puras, muitos auto-retratos que geralmente são mais extravagantemente fantasiosos do que seus pintados, alguns indivíduos eróticos (de qualquer forma obscenos) e um grande número de impressões religiosas . Ele se interessou cada vez mais em fortes efeitos de iluminação e fundo muito escuro. Sua reputação como o maior gravador da história do meio foi estabelecida em sua vida e nunca questionou desde então. Poucas de suas pinturas deixaram a Holanda enquanto ele vivia, mas suas impressões circulavam por toda a Europa, e sua reputação mais ampla foi inicialmente baseada nelas sozinha.
Vários outros artistas holandeses do século produziram impressões originais de qualidade, principalmente mantendo as mesmas categorias de gênero que pintaram. Os Hércules excêntricos Seghers e Jacob van Ruisdael produziram paisagens em quantidades muito pequenas, Nicolaes Berchem e Karel Dujardin Paisagens italianas com animais e figuras e cenas camponesas de Adriaen Van Ostade. Nenhum era muito prolífico, mas a paisagem italiana era o tipo de assunto mais popular; Berchem tinha uma renda maior de suas impressões do que suas pinturas.
Giovanni Benedetto Castiglione cresceu em Gênova e foi bastante influenciado pelas estadias de Rubens e Van Dyck quando ele era um jovem artista. Sua técnica de gravura era extremamente fluente e, em todos os meios, ele geralmente repete os mesmos indivíduos em um grande número de composições totalmente diferentes. Suas primeiras impressões incluem vários tratamentos de bravura de temas clássicos e pastorais, enquanto os sujeitos religiosos mais tarde predominam. Ele também produziu uma grande série de pequenas cabeças de homens exoticamente vestidos, que eram frequentemente usados por outros artistas. Ele era tecnicamente inovador, inventando o monótipo e também o esboço de óleo destinado a ser um produto final. Ele, como Rembrandt, estava interessado em efeitos de chiaroscuro (contrastes de luz e escura), usando várias abordagens muito diferentes.
JUSEPE DE RIBERA pode ter aprendido gravação em Roma, mas todas as suas menos de trinta impressões foram feitas em Nápoles durante a década de 1620, quando sua carreira como pintor parece estar nos critérios. Quando as comissões de pintura começaram a fluir novamente, ele quase abandonou a gravura. Seus pratos foram vendidos após sua morte a um editor de Roma, que fez um trabalho melhor para comercializá -los do que o próprio Ribera. Seu estilo poderoso e direto se desenvolveu quase imediatamente, e seus súditos e estilo permanecem próximos dos de suas pinturas.
Jacques Bellange era pintor da corte em Lorraine, um mundo que desapareceu abruptamente na guerra de trinta anos logo após sua morte. Nenhuma pintura sobrevivente dele pode ser identificada com confiança, e a maioria deles às vezes atribuída a ele é inexpressiva. Suas impressões, principalmente religiosas, são extravagâncias barrocas que foram consideradas com horror por muitos críticos do século XIX, mas voltaram fortemente à moda - o estilo barroco muito diferente de outro artista de Lorraine, Georges de la Tour, desfrutou de um renascimento comparável. Ele foi o primeiro gravador de Lorraine (ou artista) de estatura e deve ter influenciado o jovem Jacques Callot, que permaneceu em Lorraine, mas foi publicado em Paris, onde influenciou bastante a gravura francesa.
As inovações técnicas de Callot na melhoria das receitas para a gravação foram cruciais para permitir que a gravação rivalizasse com os detalhes da gravura e, a longo prazo, soletrou o fim da gravação artística. Anteriormente, a natureza não confiável dos motivos usava significava que os artistas não podiam correr o risco de investir muito esforço em uma placa gravada, pois o trabalho poderia ser arruinado por vazamentos no solo. Da mesma forma, várias paradas, permitindo linhas gravadas em diferentes profundidades por vários comprimentos de exposição ao ácido, foram muito arriscados. Callot liderou o caminho para explorar as novas possibilidades; A maioria de suas gravuras é pequena, mas cheia de pequenos detalhes, e ele desenvolveu um senso de recessão em fundos paisagísticos na gravação com vários mordings para gravar o fundo mais levemente do que o primeiro plano. Ele também usou uma agulha de gravura especial chamada échoppe para produzir linhas de inchaço como as criadas pelo burbim em uma gravura e também reforçaram as linhas gravadas com um burbim após morder; que logo se tornou prática comum entre os gravadores. Callot gravou uma grande variedade de assuntos em mais de 1400 impressões, de grotescos a sua série minúscula, mas extremamente poderosa, Les Grandes Misères de la Guerre. Abraham Bosse, um ilustrativo parisiense que popularizou os métodos de Callot em um manual de enorme sucesso para os estudantes. Seu próprio trabalho é bem -sucedido em seu objetivo declarado de fazer gravuras parecerem gravuras e é altamente evocativo da vida francesa em meados do século.
Wenzel Hollar era um artista boêmio (tcheco) que fugiu de seu país nos trinta anos de guerra, estabelecendo -se principalmente na Inglaterra (ele foi sitiado em Basing House na Guerra Civil Inglesa e depois seguiu seu patrono realista em um novo exílio em Antuérpia, onde Ele trabalhou com vários grandes editores de lá). Ele produziu um grande número de gravuras em um estilo realista direto, muitas topográficas, incluindo grandes vistas aéreas, retratos e outros mostrando figurinos, ocupações e passatempos. Stefano Della Bella era uma contraparte italiana para Callot, produzindo muitas pequenas gravuras muito detalhadas, mas também obras maiores e mais livres, mais próximas da tradição do desenho italiano. Anthony Van Dyck produziu apenas uma grande série de impressões de retratos de notáveis contemporâneos, a iconografia para a qual ele apenas gravou algumas das cabeças, mas em um estilo brilhante, que teve grande influência na gravação do século XIX. Ludwig von Siegen era um soldado e cortesão alemão, que inventou a técnica de mezzotint, que nas mãos de melhores artistas do que ele se tornaria uma técnica importante, principalmente reprodutiva, no século XVIII.
O último terço do século produziu relativamente pouca gravura original de grande interesse, embora a gravura ilustrativa tenha atingido um alto nível de qualidade. As impressões de retratos francesas, na maioria das vezes copiadas de pinturas, eram as melhores da Europa e muitas vezes extremamente brilhantes, com a escola, incluindo gravação e gravação, geralmente no mesmo trabalho. Os artistas mais importantes foram Claude Mellan, um gravador da década de 1630, e seu contemporâneo Jean Morin, cuja combinação de gravura e gravura influenciou muitos artistas posteriores. Robert Nanteuil era o gravador oficial de retratos para Louis XIV e produziu mais de duzentos retratos brilhantes da corte e outras figuras francesas notáveis.
Belas artes da gravura após a morte de Rembrandt
As gravuras extremamente populares de William Hogarth na Inglaterra estavam pouco preocupadas com os efeitos técnicos da gravura; Em muitos, ele estava produzindo impressões reprodutivas de suas próprias pinturas (uma coisa surpreendentemente rara de se fazer) que apenas se propôs a transmitir suas composições morais lotadas o mais claramente possível. Não seria possível, sem saber, distingui -los de suas impressões originais, que têm o mesmo objetivo. Ele prefere suas impressões para atingir um mercado médio e até da classe trabalhadora e foi brilhantemente bem-sucedido nisso.
Canaletto também foi um pintor de grande sucesso e, embora suas relativamente poucas impressões sejam vedadas, elas são bastante diferentes das pintadas e plenamente conscientes das possibilidades do meio de gravação. Piranesi era principalmente um gravador, um inovador técnico que prolongou a vida de suas placas além do que antes era possível. Seus pontos de vista de Roma - bem, mais de cem pratos enormes - foram apoiados por uma compreensão séria da arquitetura romana e moderna e exploram brilhantemente o drama das ruínas antigas e da Roma barroca. Muitas impressões de vistas romanas haviam sido produzidas antes, mas a visão de Piranesi se tornou a referência. Gianbattista Tiepolo, perto do final de sua longa carreira, produziu algumas gravuras brilhantes, caprichos sem objeto de uma paisagem de ruínas clássicas e pinheiros, povoados por uma elegante banda de homens e mulheres jovens bonitos, filósofos em vestido extravagante, soldados e sátiros. Corujas de temperamento ruim olham para as cenas. Seu filho Domenico produziu muito mais gravuras em um estilo semelhante, mas de assuntos muito mais convencionais, geralmente reproduzindo as pinturas de seu pai.
Os meios técnicos à disposição de gravadores reprodutivos continuaram a se desenvolver, e muitas impressões excelentes e procuradas foram produzidas pelos mezzotinters ingleses (muitos deles de fato irlandeses) e por gravadores franceses em uma variedade de técnicas. As tentativas francesas de produzir impressões coloridas de alta qualidade foram bem -sucedidas na última parte do século, embora as técnicas fossem caras. Agora, as impressões poderiam ser produzidas que se assemelhavam a desenhos de giz de cera ou aquarelas. Algumas impressões originais foram produzidas nesses métodos, mas poucos grandes artistas os usaram.
A ascensão do romance levou a uma demanda por ilustrações pequenas, altamente expressivas, para eles. Muitos franceses e outros artistas são especializados nesses, mas claramente se destacando do pacote é o trabalho de Daniel Chodowiecki, um alemão de origem polonesa que produziu mais de mil pequenas gravuras. Principalmente ilustrações para livros, estes são maravilhosamente desenhados e seguem o espírito da época, através do culto ao sentimento ao fervor revolucionário e nacionalista do início do século XIX.
O excelente mas violento aquatints de Goya geralmente parece que estão ilustrando algum trabalho de ficção não escrito, mas seu significado deve ser elucidado de seus títulos, geralmente contendo vários significados, e os breves comentários registrados por ele sobre muitos deles. Suas impressões mostram desde o início do mundo macabro que aparecem apenas em dicas nas pinturas até os últimos anos. Eles foram quase todos publicados em várias séries, das quais as mais famosas são: Caprichos (1799), Los Desastres de la Guerra (os desastres da guerra depois de 1810, mas não publicados por cinquenta anos depois). Muitas edições adicionais foram publicadas após sua morte, quando seu delicado tom de Aquatint havia sido desgastado ou retrabalhado.
William Blake era tão tecnicamente não convencional quanto no assunto e tudo mais, pioneiro em um processo de gravação que mais tarde se tornaria a técnica dominante da ilustração comercial por um tempo. Muitas de suas impressões são páginas para seus livros, com texto e imagem no mesmo prato, como nos livros de blocos do século XV. O movimento romântico viu um renascimento na gravura original em vários países, com a Alemanha participando de uma grande parte mais uma vez; Muitos do movimento nazareno eram gravadores. Na Inglaterra, John vender Cotman gravou muitas paisagens e edifícios em um estilo eficaz e direto. J. M. W. Turner produziu várias séries impressas, incluindo uma, o Liber Studiorum, que consistia em setenta e uma gravura com mezzotint que influenciavam os artistas paisagísticos; De acordo com Linda Hults, esta série de impressões equivale a "Manual de Tipos de Paisagem de Turner e ... uma declaração de sua filosofia de paisagem". Com as relativamente poucas gravuras de Delacroix, pode -se dizer que o período da antiga impressão mestre chega ao fim.
A gravura deveria reviver poderosamente no final dos séculos XIX e XX, em uma grande variedade de técnicas. Em particular, o renascimento da gravura, com duração de 1850 até o acidente de Wall Street de 1929, rejuvenesceu as técnicas monocromáticas tradicionais, incluindo a xilogravura, enquanto a litografia gradualmente se tornou a técnica de gravura mais importante no mesmo período, especialmente ao se tornar mais eficaz no uso de vários cores na mesma impressão.
Inscrições
Os gravadores que assinaram seu trabalho geralmente adicionavam inscrições que caracterizavam a natureza de sua contribuição.
Uma lista com suas definições inclui:
Ad vivum indicates that a portrait was done "from life" and not after a painting, e.g., Aug. de St. Aubin al vivum delin. et sculp.Aq., aquaf., aquafortis denote the etcherD., del., delin., delineavit refer to the draughtsmanDes., desig. refer to the designerDirex., Direxit. show direction or superintendence of pupil by masterEx., exc., excu., excud., excudit, excudebat indicate the publisherF., fe., ft, fec., fect, fecit, fa., fac., fact, faciebat indicate by whom the engraving was "made" or executedFormis, like excudit, describes the act of publicationImp. indicates the printerInc., inci., incid., incidit, incidebat refer to him who "incised" or engraved the plateInv., invenit, inventor mark the "inventor" or designer of the pictureLith. does not mean "lithographed by," but "printed by". Thus, Lith. de C. Motte, Lith. Lasteyrie, I. lith. de Delpech refer to lithographic printing establishmentsP., pictor, pingebat, pinx, pinxt, pinxit show who painted the picture from which the engraving was madeS., sc., scul., sculpsit, sculpebat, sculptor appear after the engraver's name