Jóias de arte

Terminologia

O historiador da arte Liesbeth Den Besten identificou seis termos diferentes para nomear jóias de arte, incluindo contemporânea, estúdio, arte, pesquisa, design e autor, com os três mais comuns sendo contemporâneos, estúdio e arte. A curadora Kelly L'Cuyer definiu jóias de estúdio como uma ramificação do movimento artesanal de estúdio, acrescentando que não se refere a estilos artísticos específicos, mas às circunstâncias em que o objeto é produzido. De acordo com sua definição, "os joalheiros de estúdio são artistas independentes que lidam com os materiais escolhidos diretamente para criar jóias de produção única ou limitadas ..... o joalheiro do estúdio é o designer e o fabricante de cada peça (embora os assistentes ou aprendizes podem ajudar com tarefas técnicas), e o trabalho é criado em um pequeno estúdio particular, não em uma fábrica ". A historiadora de arte Monica Gaspar explorou o significado temporal dos diferentes nomes dados às jóias de arte nos últimos 40 anos. Ela sugere que as jóias de "vanguarda" se posicionam como radicalmente à frente das idéias convencionais; Jóias "modernas" ou "modernistas" afirmam refletir o espírito dos tempos em que foi feito; As joias "Studio" enfatizam o estúdio de artistas sobre o workshop de artesanato; Jóias "novas" assumem uma posição irônica em relação ao passado; E as joias "contemporâneas" afirmam o presente e o "aqui e agora", em contraste com a natureza eterna das jóias tradicionais como uma herança que passa entre gerações.

O historiador da arte Maribel Koniger argumenta que os nomes dados às jóias de arte são importantes para distinguir esse tipo de jóias de objetos e práticas relacionadas. O uso do termo jóias "conceituais" é, em suas palavras, uma "tentativa de se destacar através da terminologia dos produtos da indústria de jóias comerciais que reproduzem clichês e são orientados para os gostos de consumo em massa, por um lado, e, e, e, e, e são orientados para os gostos do consumo em massa, por um lado, e, Por outro lado, os desenhos individualistas e subjetivamente esteticizadores de embarcações puras ".

Crítica de preciosidade

Os joalheiros de arte geralmente trabalham de maneira crítica ou consciente com a história das jóias, ou com a relação entre jóias e o corpo, e eles questionam conceitos como "preciosidade" ou "desgaste" que geralmente são aceitos sem dúvida por jóias convencionais ou finas. Essa qualidade é um produto da crítica da preciosidade, ou do desafio dos joalheiros de arte nos Estados Unidos e na Europa à idéia de que o valor das jóias era equivalente à preciosidade de seus materiais. Inicialmente, os joalheiros de arte trabalhavam em materiais preciosos ou semipreciosos, mas enfatizavam a expressão artística como a qualidade mais importante de seu trabalho, vinculando suas jóias aos movimentos de arte modernistas, como biomorfismo, primitivismo e tachisme. Na década de 1960, os joalheiros de arte começaram a introduzir novos materiais alternativos em seu trabalho, como alumínio e acrílicos, quebrando com o papel histórico das jóias como um sinal de status e valor econômico ou riqueza portátil. Como o foco do valor dava, outros temas assumiram seu lugar como objeto de jóias. Escrevendo em 1995, Peter Dormer descreveu os efeitos da crítica da preciosidade da seguinte forma: "Primeiro, o valor monetário do material se torna irrelevante; segundo, uma vez que o valor das jóias como um símbolo de status foi esvaziado, a relação entre o ornamento e O corpo humano mais uma vez assumiu uma posição dominante - as jóias se tornaram conscientes do corpo; terceiro, as jóias perderam sua exclusividade a um sexo ou idade - poderia ser usada por homens, mulheres e crianças ".

Joias de artes e ofícios

As jóias de arte que surgiram nos primeiros anos do século XX foi uma reação ao gosto vitoriano, e as jóias pesadas e ornamentadas, geralmente fabricadas em máquinas, que eram populares no século XIX. De acordo com Elyse Zorn Karlin, "para a maioria dos joalheiros, as joias de arte eram uma busca artística pessoal, bem como uma busca por uma nova identidade nacional. Com base em uma combinação de referências históricas, reações a eventos regionais e mundiais, materiais recém -disponíveis e outros fatores , Jóias de arte refletiam a identidade de um país e, ao mesmo tempo, fazia parte de um movimento internacional maior de reforma do design ". Inicialmente, as joias de arte atraíram um grupo seleto de clientes com sabor artístico, mas foi rapidamente capturado por empresas comerciais, tornando -o amplamente disponível.

Existem muitos movimentos diferentes que contribuíram para a categoria de jóias de arte como a conhecemos hoje. Como parte do movimento inglês Arts and Crafts, florescendo entre 1860 e 1920, Charles Robert Ashbee e sua guilda e escola de artesanato produziram as primeiras jóias de artesanato em um cenário de guilda. Apresentando seu trabalho como um antídoto para a produção industrial, a primeira geração de joalheiros de artes e artesanato acreditava que um objeto deveria ser projetado e feito pela mesma pessoa, embora sua falta de treinamento especializado significasse que grande parte dessas jóias tem uma qualidade artesanal atraente. Respondendo a mudanças na moda, bem como ao gosto vitoriano pelo uso de cenários, joalheiros de artesanato feitos de joalheiros, colares, broches, fivelas de cinto, fechos de capa e pentes de cabelo que eram usados ​​solo. As joias de artes e ofícios também tendiam a favorecer materiais com pouco valor intrínseco que poderiam ser usados ​​para seus efeitos artísticos. Metais básicos, pedras semipreciosas, como opalas, pedras de lua e turquesa, pérolas deformadas, vidro e concha e o uso abundante de esmalte vítreo, permitiram que os joalheiros fossem criativos e produzissem objetos acessíveis.

As jóias Art Nouveau da França e da Bélgica também foram um importante contribuinte para as jóias de arte. Usados ​​por clientes ricos e artísticos, incluindo cortesãos da Paris Demimonde, as jóias Art Nouveau de René Lalique e Alphonse Mucha foi inspirada por arte, literatura e música simbolista e um renascimento das formas curvilíneas e dramáticas do período Rococo. Como sugere Elyse Zorn Karlin, "o resultado foram as jóias de beleza e imaginação impressionantes, sensuais, sexuais e sedutores, e às vezes até assustadoras. Essas jóias estavam muito longe dos designs simétricos e um tanto pláticos das jóias de artes e artesanato, que mais parecia jóias renascentistas ". Lalique e outros joalheiros Art Nouveau muitas vezes misturavam metais e pedras preciosas com materiais baratos, e favorecia as técnicas de plunse-a-jour e cabochon esmalte.

Outros centros importantes da produção de jóias de arte incluíram o Wiener Werkstatte em Viena, onde os arquitetos Josef Hoffmann e Koloman Moser projetavam jóias em pedras de prata e semipreciosas, às vezes para serem usadas com roupas também criadas pela oficina. O movimento dinamarquês de Skønvirke (obra estética), do qual Georg Jensen é o exemplo mais famoso, favoreceu as pedras escandinavas de prata e nativas e uma estética que fica entre os princípios de Art Nouveau e Artes e Artesanato. As jóias de arte na Finlândia foram caracterizadas por um renascimento viking, coincidindo com sua liberdade política na Suécia em 1905, enquanto o modernismo na Espanha seguiu a liderança dos joalheiros Art Nouveau. As joias de arte também eram praticadas na Itália, Rússia e Holanda.

Nos Estados Unidos, as jóias de artesanato eram populares entre os amadores, pois, diferentemente da cerâmica, móveis ou têxteis, exigiam apenas um investimento modesto em ferramentas e podiam ser feitos na cozinha. Uma das primeiras joalheiras de artes e artesanato americanas, Madeline Yale Wynne, foi autodidata e abordou suas jóias como forma e composição com a ênfase nas qualidades estéticas, em vez de habilidade, afirmando que "considero cada esforço por si só em relação à cor e forma Por mais que eu pintasse uma imagem. " Brainerd Bliss Thresher, outro joalheiro de artes e artesanato americano, usou materiais como chifres esculpidos e ametista para suas qualidades estéticas, seguindo o exemplo de René Lalique, que combinava materiais cotidianos e preciosos em suas jóias. Como Janet Koplos e Bruce Metcalf sugerem, enquanto o movimento British Arts and Crafts tentou reunir arte e trabalho, muitos americanos de classe alta, como Thresher United Art and Leisure: "A prática do artesanato como recreação pode ser um alívio da pressão de Um trabalho difícil, uma demonstração do bom gosto e saboreia Vivre, uma manifestação educada da política progressista ou uma expressão do puro prazer de satisfazer o trabalho ".

As jóias de arte caíram de moda nas décadas de 1920 e 30, ofuscadas por Art Deco, bem como a resposta do público à sua natureza funcional e esteticamente desafiadora (muito frágil e ultrajante). No entanto, marca uma ruptura significativa com o que veio antes e estabeleceu muitos dos valores e atitudes para os ideais do século XX no final do século XX de joias de arte ou estúdio. Como Elyse Zorn Karlin escreve: "As jóias de arte avaliaram o artesanato e valorizam o pensamento inovador e a expressão criativa. Esses joalheiros foram os primeiros a usar materiais que não tinham o valor intrínseco esperado nas jóias e rejeitaram o gosto das jóias. O trabalho deles como uma busca artística e chegou a um pequeno público que compartilhava seus valores estéticos e conceituais ".

Jóias modernistas

A história das jóias de arte está ligada ao surgimento de jóias modernistas nos centros urbanos dos Estados Unidos na década de 1940. De acordo com Toni Greenbaum, "a partir de 1940, um movimento revolucionário de jóias começou a surgir nos Estados Unidos, e isso foi estimulado pela devastação da Segunda Guerra Mundial, o trauma do Holocausto, o medo da bomba, a política de preconceito, a esterilidade da industrialização e a grosseria do comercialismo ". Jóias modernistas e estúdios surgiram na cidade de Nova York (Frank Rebajes, Paul Lobel, Bill Tendler, Art Smith, Sam Kramer e Jules Brenner em Greenwich Village; e Ed Wiener, Irena Brynner e Henry Steig, no centro de Manhattan) e na área da baía Na costa oeste (Margaret de Patta, Peter Macchiarini, Merry Renk, Irena Brynner, Francis Sperisen e Bob Winston). O público para jóias modernistas era a margem liberal e intelectual da classe média, que também apoiava a arte moderna. O historiador de arte Blanche Brown descreve o apelo deste trabalho: "Por volta de 1947, fui à loja de Ed Wiener e comprei um de seus pinos de prata quadrado-espírito ... Porque parecia ótimo, eu podia pagar e me identificou com o grupo de grupo de Minha escolha - esteticamente consciente, intelectualmente inclinada e politicamente progressiva. Esse pino (ou um de alguns outros como ele) foi o nosso crachá e nós o usamos orgulhosamente. Ele comemorou a mão do artista e não o valor de mercado do material ".

Em 1946, o Museu de Arte Moderna em Nova York organizou a exposição Modern Handmade Jewelry, que incluía o trabalho de joalheiros de estúdio como Margaret de Patta e Paul Lobel, juntamente com jóias de artistas modernistas como Alexander Calder, Jacques Lipchitz e Richard Pousette-Dart . Esta exposição visitou os Estados Unidos e foi seguida por uma série de exposições influentes no Walker Art Center, em Minneapolis. Kelly L'Cuyer sugere que "as jóias de Calder eram centrais para muitas das exposições de museus e galerias desse período, e ele continua sendo visto como a figura seminal nas jóias contemporâneas americanas". Usando a construção fria e as técnicas grosseiras que sugeriram um espírito de improvisação e criatividade, as jóias de Calder compartilham o uso de linha e movimento de sua escultura para retratar ou implicar espaço, criando jóias que geralmente se movem com o corpo do usuário. Uma forte conexão com os movimentos de arte é uma característica das jóias de arte americanas durante esse período. Enquanto Calder mostrou um interesse primitivista na arte grega africana e antiga, Margaret de Patta fez jóias que eram construtivistas, manipulando luz, espaço e percepção óptica de acordo com as lições que aprendeu com László Moholy-Nagy no New Bauhaus, em Chicago. Toni Greenbaum escreve que "depois que seu mentor, o pintor John Haley, mostrou -lhe trabalho de Matisse e Picasso, Bob Winston exclamou: 'Esse é o tipo de porcaria que estou fazendo!'". Os materiais das jóias modernistas - substâncias orgânicas e inorgânicas não preciosas, bem como objetos encontrados - correlacionam -se com atitudes cubistas, futuristas e dadaístas, enquanto os estilos de jóias modernistas - surrealismo, primitivismo, biomorfismo e construtivismo - são movimentos artísticos finos e bem .

Jóias de arte desde 1960

O crescimento do pós-guerra de jóias nos Estados Unidos foi apoiado pelo conceito de que as técnicas de fabricação de jóias, que se acredita fortalecer os músculos das mãos e do braço e promover a coordenação dos olhos, desempenharam um papel nos programas de fisioterapia para veteranos da Segunda Guerra Mundial. O Centro de Arte dos Veteranos de Guerra no Museu de Arte Moderna, liderada por Victor D'Amico, a Escola de Artesão Americana e os workshops administrados por Margret Craver na cidade de Nova York, abordou as necessidades de retornar os militares americanos, enquanto o GI Bill dos direitos oferecidos mensalidades gratuitas para veteranos, muitos dos quais estudaram artesanato. [Esclarecimento necessário] Como sugere Kelly L'Cuyer, "além da criatividade individual, a proliferação de educação e terapia baseada em artesanato para soldados e veteranos nos Estados Unidos Durante e após a guerra, proporcionou um estímulo para todos os artesanatos de estúdio, especialmente jóias e metais. "[Esclarecimento necessário]

No início dos anos 1960, os graduados desses programas não estavam apenas desafiando as idéias convencionais de jóias, mas ensinando uma nova geração de joalheiros americanos em novos programas universitários em cursos de jóias e metais. As jóias arquitetônicas estavam sendo desenvolvidas na mesma época.

Nas décadas de 1960 às décadas de 1970, o governo alemão e a indústria comercial de jóias promovidas e fortemente apoiou os designers de jóias modernos, criando assim um novo mercado. Eles combinaram design contemporâneo com ourivessa tradicional e jóias. Orfevre, a primeira galeria de jóias de arte, inaugurada em Duesseldorf, Alemanha, em 1965.

Exposições

A aceitação de jóias como arte foi promovida nos Estados Unidos muito rapidamente após a Segunda Guerra Mundial pelos principais museus, como o Museu de Arte Moderna em Nova York e o Walker Art Center em Minneapolis, cada um dos quais realizou grandes shows de joias de arte no The Art in the 1940s. O Museu de Artes e Design anteriormente o American Craft Museum, iniciou sua coleção em 1958 com peças que datam da década de 1940. Outros museus cujas coleções incluem trabalho de designers de jóias contemporâneos (americanos) incluem: o Museu de Arte de Cleveland, o Museu de Vidro Corning, o Museu de Artesanato e Design de Mint em Charlotte, NC, o Museu de Belas Artes, Boston, o Museu de Belas Artes, Houston e a Galeria Renwick do Museu Smithsonian.

Alguns artistas famosos que criaram jóias de arte no passado foram Calder, Picasso, Man Ray, Meret Oppenheim, Dalí e Nevelson. Alguns dos quais representavam a Galeria Sculpture to Wear, na cidade de Nova York, que foi fechada em 1977.

A Artwear Gallery, de propriedade de Robert Lee Morris, continuou nesse esforço para mostrar jóias como uma forma de arte.

Uma coleção de jóias de arte pode ser encontrada no Schmuckmuseum em Pforzheim, Alemanha.

Lista de artistas de jóias

Listado na década em que foram reconhecidos pela primeira vez:

1930s

Suzanne Belperron, France, 1900-1983

1940s

Margaret De Patta, United States, 1903–1964Art Smith, United States, 1923–1982

1950s

Claire Falkenstein, United States, 1908–1998Peter Macchiarini, United States, 1909-2001

1960s

Gijs Bakker, The Netherlands, 1942-Kobi Bosshard, Switzerland / New Zealand, 1939-Stanley Lechtzin, United States, 1936-Charles Loloma, United States, 1921–1991Olaf Skoogfors, Sweden, 1930–1975

1970s

Noma Copley, United States, 1916-2006Arline Fisch, United States, 1931-William Claude Harper, United States, 1944-Mazlo, Lebanon 1949- FranceRobert Lee Morris, Germany 1947- United States

1980s

Warwick Freeman, New Zealand, 1953-Lisa Gralnick, United States, 1953-Bruce Metcalf, United States, 1949-Alan Preston, New Zealand, 1941-Bernhard Schobinger, Switzerland, 1946

1990s

Andrea Cagnetti - Akelo, Italy, 1967Karl Fritsch, Germany / New Zealand, 1963-Linda MacNeil, United States, 1954-Lisa Walker, New Zealand, 1967-Areta Wilkinson, New Zealand, 1969Nancy Worden, United States, 1954-

2000s

Rebecca Rose, USA, 1980Betony Vernon, USA, 1968

Leitura adicional

LaGamma, Alisa (1991). Metropolitan jewelry. New York: The Metropolitan Museum of Art. ISBN 0870996169.