Música popular
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Definição
Algum tipo de música popular existe desde que houve uma classe média urbana para consumi -la. O que o distingue acima de tudo é o nível estético para o qual é destinado. A elite cultural sempre dotou a música de um status religioso ou estético exaltado, se não importante,, enquanto para o povo rural, tem sido prático e inconsciente, um acompanhamento ao trabalho de campo ou aos festivais que fornecem fuga periódica do trabalho. Mas desde Roma e Alexandria, os artistas profissionais desviaram e edificaram moradores da cidade com músicas, marchas e danças, cujas pretensões caíram em algum lugar no meio ".
- Robert Christgau, na enciclopédia de Collier (1984)
Os estudiosos classificaram a música como "popular" com base em vários fatores, incluindo se uma música ou peça se torna conhecida pelos ouvintes principalmente ao ouvir a música (em contraste com a música clássica, na qual muitos músicos aprendem peças com partituras); Seu apelo a diversos ouvintes, seu tratamento como mercadoria de mercado em um contexto capitalista e outros fatores. As vendas de 'gravações' ou partituras são uma medida. Middleton e Manuel observam que essa definição tem problemas porque várias escuta ou peças da mesma música ou peça não são contadas. Avaliar o apelo com base no tamanho do público (apelo em massa) ou se o público é de uma certa classe social é outra maneira de definir a música popular, mas isso também tem problemas em que categorias sociais de pessoas não podem ser aplicadas com precisão a estilos musicais. Manuel afirma que uma crítica à música popular é que ela é produzida por grandes conglomerados de mídia e consumida passivamente pelo público, que apenas compra ou rejeita o que a música está sendo produzida. Ele afirma que os ouvintes no cenário não teriam sido capazes de escolher sua música favorita, o que nega a concepção anterior da música popular. Além disso, "entendimentos da música popular mudaram com o tempo". Middleton argumenta que, se a pesquisa fosse feita no campo da música popular, haveria um nível de estabilidade nas sociedades para caracterizar períodos históricos, distribuição da música e padrões de influência e continuidade nos estilos populares da música.
Anahid Kassabian separou a música popular em quatro categorias:
"popular as populist," or having overtones of liberation and expression;"popular as folk," or stating that the music is written by the people, for themselves;"popular as counterculture," or empowering citizens to act against the oppression they face;"popular as mass," or the music becomes the tool for oppression.A música popular de uma sociedade reflete os ideais que prevalecem no momento em que são executados ou publicados. David Riesman afirma que o público juvenil da música popular se encaixa em um grupo majoritário ou em uma subcultura. O grupo majoritário ouve os estilos produzidos comercialmente, enquanto as subculturas encontram um estilo minoritário para transmitir seus próprios valores. Isso permite que os jovens escolham com que música se identificam, o que lhes dá poder como consumidores para controlar o mercado da música popular.
O crítico de música Robert Christgau cunhou o termo "música semipopular" em 1970, para descrever registros que pareciam acessíveis para o consumo popular, mas se mostraram malsucedidos comercialmente. "Eu reconheci que algo mais estava acontecendo - o sistema de distribuição parecia estar vacilando, FM e All", ele escreveu mais tarde no Guia de registro de Christgau: álbuns de rock dos anos setenta (1981), citando que registros como The Velvet Underground e The Gildedded O Palácio do Pecado (por Flying Burrito Brothers) possuía qualidades populistas e ainda não afetou os gráficos de registros. "Assim como a música semiclássica é uma diluição sistemática de preferências de alta abreção, a música semipopular é uma concentração cruzada de modos da moda". Em sua mente, um gosto "para a tendência semipopular comum, brutal e curta intensifica uma tendência semipopular em que sofisticação lírica e conceitual é aplaudida enquanto sofisticação musical-cortes de jazz ou design clássico ou inovação de vanguarda-é deixada para os especialistas".
Forma de música popular ocidental
O formulário na música popular é geralmente seccional, sendo as seções mais comuns versos, coro ou abster -se e ponte. Outras formas comuns incluem forma de trinta e duas barras, forma de coro *(Middleton PG 30) e doze blues. As músicas populares raramente são compostas usando músicas diferentes para cada estrofe da letra (as músicas compostas dessa maneira são consideradas "compostas").
O verso e o coro são considerados os elementos primários. Cada versículo geralmente tem a mesma melodia (possivelmente com algumas pequenas modificações), mas as letras mudam para a maioria dos versos. O refrão (ou "refrão") geralmente possui uma frase melódica e uma linha lírica chave que é repetida. As músicas pop podem ter uma introdução e coda ("tag"), mas esses elementos não são essenciais para a identidade da maioria das músicas. As músicas pop que usam versos e refrões geralmente têm uma ponte, uma seção que conecta o verso e o coro em um ou mais pontos da música.
O verso e o refrão geralmente são repetidos ao longo de uma música, enquanto a ponte, a introdução e a coda (também chamada de "outro") tendem a ser usadas apenas uma vez. Algumas músicas pop podem ter uma seção solo, principalmente no pop rock ou blues influenciado. Durante a seção solo, um ou mais instrumentos tocam uma linha melódica que pode ser a melodia usada pelo cantor ou, no pop influenciado por blues ou jazz, o solo pode ser improvisado com base na progressão do acorde. Um solo geralmente apresenta um único artista instrumental (por exemplo, um guitarrista ou um jogador de gaita) ou menos comumente, mais de um instrumentista (por exemplo, um trompetista e um saxofoneiro).
Trinta e duas barras usa quatro seções, na maioria das vezes oito medidas de comprimento cada (4 × 8 = 32), dois versos ou uma seção, uma seção B contrastante (a ponte ou "oito médio") e um retorno do verso em uma última seção (aaba). A forma do coro ou a forma ABA pode ser combinada com a forma AABA, em formas compostas de AABA. Variações como A1 e A2 também podem ser usadas. A repetição de uma progressão de acordes pode marcar a única seção em um verso simples, como o Blues de Doze Barra.
Desenvolvimento na América do Norte e Europa
Indústria
"A característica mais significativa da indústria da música popular emergente do final do século XVIII e início do século XIX foi a extensão de seu foco na forma de commodities de partituras". A disponibilidade de versões de partituras baratas e amplamente disponíveis de músicas populares e peças de música instrumental possibilitou que a música fosse divulgada para um amplo público de criadores de música amador e de classe média, que poderiam tocar e cantar música popular em casa. A fabricação de música amador no século XIX costumava se concentrar no piano, pois esse instrumento poderia tocar melodias, acordes e linhas de baixo, permitindo assim que um pianista reproduza músicas e peças populares. Além da influência das partituras, outro fator foi a crescente disponibilidade durante o final do século XVIII e início do século 19 de apresentações de música popular em "Gardens e salas de dança, teatros populares e salas de concertos".
Os primeiros artistas de música populares trabalharam de mãos dadas com a indústria da partitura para promover partituras populares. Um dos primeiros artistas de música popular a atingir a popularidade generalizada foi uma cantora de ópera sueca Jenny Lind, que visitou os EUA em meados do século XIX. Além de fazer música amadora da sala de estar durante o século XIX, mais pessoas começaram a se envolver na música durante esta época, participando de coros amadores, juntando bandas de metais ou tocando em orquestras amadoras. [Citação necessária]
O centro da indústria editorial musical nos EUA durante o final do século 19 foi no distrito de 'Tin Pan Alley' de Nova York. O Tin Pan Alley Music Publishers desenvolveu um novo método para promover partituras: promoção incessante de novas músicas. Uma das inovações tecnológicas que ajudaram a espalhar a música popular pela virada do século foi o jogador pianos. Um piano de jogador poderia ser usado para gravar a versão qualificada de um pianista de uma peça de piano. Esse desempenho gravado pode ser "reproduzido" em outro piano de jogador. Isso permitiu que um número maior de amantes da música ouvisse as novas músicas populares de piano. No início dos anos 1900, as grandes tendências da música popular eram a crescente popularidade dos teatros de vaudeville e salões de dança e uma nova invenção - o gramofone. A indústria de gravadores cresceu muito rapidamente; "Em 1920, havia quase 80 recordes na Grã -Bretanha e quase 200 nos EUA". A disponibilidade de registros permitiu uma porcentagem maior da população para ouvir os principais cantores e bandas. [Citação necessária]
A transmissão de rádio da música, que começou no início da década de 1920, ajudou a espalhar músicas populares para um grande público, permitindo uma proporção muito maior da população para ouvir músicas tocadas por cantores profissionais e conjuntos de músicas, incluindo indivíduos de grupos de baixa renda que anteriormente iriam Não foi capaz de pagar ingressos para concertos. A transmissão de rádio aumentou a capacidade de compositores, cantores e líderes de bandas de se tornarem conhecidos nacionalmente. Outro fator que ajudou a disseminar a música popular foi a introdução de "Talking Pictures" - filmes do Sol - no final da década de 1920, que também incluíam músicas e músicas. No final da década de 1920 e ao longo da década de 1930, houve um movimento em direção à consolidação no setor de gravação, o que levou várias grandes empresas a dominar a indústria gravadora.
Nas décadas de 1950 e 1960, a nova invenção da televisão começou a desempenhar um papel cada vez mais importante na disseminação de novas músicas populares. Os shows de variedades exibiam regularmente cantores e bandas populares. Na década de 1960, o desenvolvimento de novas tecnologias na gravação, como gravadores multitrack, deu a engenheiros de som e aos produtores de discos um papel cada vez mais importante na música popular. Ao usar técnicas de gravação multitrack, os engenheiros de som podem criar novos sons e efeitos sonoros que não eram possíveis usando técnicas tradicionais de gravação "ao vivo", como cantores que tocam seus próprios vocais de backup ou que os guitarristas principais tocam guitarras de ritmo atrás de seu solo de guitarra. Durante a década de 1960 da música psicodélica, o estúdio de gravação foi usado para criar sons ainda mais incomuns, a fim de imitar o efeito de tomar drogas alucinogênicas, algumas músicas usavam fitas de instrumentos tocados para trás ou batendo a música de um lado para o outro de A imagem estéreo. [Citação necessária] A década seguinte viu se afastar dessas sensibilidades, como Robert Christgau observou no Guia de registro de Christgau: álbuns de rock dos anos setenta (1981):
"Na música popular, abraçar os anos 70 significava uma retirada elitista do cenário bagunçado do concerto e da contracultura e uma busca lucrativa do menor denominador comum do rádio e álbum FM ... nos anos 70, o poderoso assumiu, como rock Os industriais capitalizaram o clima nacional para reduzir a música potente a uma espécie de entretenimento muitas vezes reacionária - e transmutar a base popular do rock de público ao mercado ".
Na década de 1970, a tendência em direção à consolidação na indústria de gravação continuou ao ponto de que "o domínio ... estava nas mãos de cinco enormes organizações transnacionais, três de propriedade americana (WEA, RCA, CBS) e duas empresas de propriedade européia (EMI, PolyGram) ". [Segundo quem?] Nos anos 90, a tendência da consolidação deu uma nova guinada: consolidação entre media. Essa tendência viu empresas de gravação de música sendo consolidadas com filmes, televisão, revistas e outras empresas de mídia, uma abordagem que facilitou a promoção de mercado cruzado entre subsidiárias. Por exemplo, a estrela de uma gravadora pode ser promovida cruzada pelos programas de entrevistas e revistas de televisão do conglomerado.
A "Introdução de equipamentos digitais (mesas de mistura, sintetizadores, amostradores, sequenciadores)" na década de 1980 resultou no que o dicionário de música de Grove apelidou a criação de "New Sound Worlds", além de facilitar a produção musical de bricolage por músicos amadores e "Tiny Etiquetas de discos independentes ". Nos anos 90, a disponibilidade de software de software de gravação de som e unidades de efeitos significava que uma banda indie amadora poderia gravar um álbum - que exigia um estúdio de gravação totalmente equipado nas décadas anteriores - usando pouco mais que um laptop e um microfone de boa qualidade. [Citação Necessário] Dito isto, a qualidade do áudio dos estúdios modernos de gravação ainda supera o que um amador pode produzir.
Crítica
Mudanças
Além de muitas mudanças em sons e tecnologias específicas usadas, houve uma mudança no conteúdo e nos principais elementos da música popular desde a década de 1960. Uma grande mudança é que a música popular ficou mais lenta; O BPM médio de músicas populares da década de 1960 foi de 116, enquanto a média dos anos 2000 foi de 100 bpm. Além disso, as músicas que conseguirem o rádio na década de 1960 tinham, em média, apenas três minutos de duração. Por outro lado, a maioria das músicas do Top 5 da Billboard em 2018 tinha entre 3:21 e 3:40 minutos. Também houve uma queda no uso das principais chaves e um aumento no uso de chaves menores desde a década de 1960; 85% das músicas estavam em uma chave importante naquela década, enquanto apenas 40% das músicas estão em uma chave importante agora. O assunto e as letras da música popular também passaram por grandes mudanças, tornando-se mais triste e mais anti-social e egocêntrica desde a década de 1960. Também houve uma tendência crescente de conteúdo emocional, chave e ritmo das músicas que não seguem associações comuns; Por exemplo, músicas rápidas com assuntos tristes ou em uma chave menor, ou músicas lentas com conteúdo mais feliz ou em uma chave importante.
Existem várias explicações possíveis para muitas dessas mudanças. Uma razão para a brevidade das músicas no passado foi a capacidade física dos registros. Os singles de disco de vinil, que foram fortemente favorecidos para a peça de rádio, só tinha espaço por cerca de três minutos de música, limitando fisicamente a possível duração das músicas populares. Com a invenção dos CDs em 1982 e, mais recentemente, com streaming, a música pode ser tão longa ou curta quanto os escritores e os ouvintes desejarem. No entanto, as músicas diminuíram novamente, parcialmente devido à onipresença do streaming. O comprimento médio da música em 2018 foi de 3 minutos e 30 segundos, 20 segundos mais curtos que a média em 2014. A causa mais provável disso é que os artistas agora são pagos por fluxo individual, e músicas mais longas podem significar menos fluxos. Quanto à diferença no assunto das músicas e no conteúdo emocional, a música popular desde o final da década de 1960 tem sido cada vez mais usada para promover mudanças sociais e agendas políticas. Os artistas desde então costumam concentrar sua música nos eventos e assuntos atuais relevantes para as gerações atuais. Outra teoria é que a globalização torna o gosto do público mais diversificado; portanto, idéias diferentes na música têm a chance de ganhar popularidade.
Perspectiva global
Em contraste com a música popular ocidental, um gênero de música popular fora de uma nação ocidental é categorizado na música mundial. Essa gravadora transforma estilos de música populares em uma categoria exótica e desconhecida. O conceito ocidental de 'música mundial' homogeneiza muitos gêneros diferentes de música popular sob um termo acessível para o público ocidental. A nova tecnologia de mídia levou os estilos de música urbana a filtrar -se em áreas rurais distantes em todo o mundo. As áreas rurais, por sua vez, são capazes de dar feedback aos centros urbanos sobre os novos estilos de música. A urbanização, a modernização, a exposição à música estrangeira e a mídia de massa contribuíram para estilos pop urbanos híbridos. Os estilos híbridos também encontraram um espaço na música popular ocidental através das expressões de sua cultura nacional. As culturas destinatárias emprestam elementos de culturas hospedeiras e alteram o significado e o contexto encontrados na cultura do hospedeiro. Muitos estilos ocidentais, por sua vez, tornaram -se estilos internacionais através de estúdios de gravação multinacionais.
África
Os estilos de música africana populares surgiram de gêneros tradicionais de entretenimento, em vez de evoluir da música usada com certas cerimônias tradicionais, como casamentos, nascimentos ou funerais. A música popular africana como um todo foi influenciada por países europeus, música afro-americana e afro-latina e estilos específicos da região que se tornaram populares em uma ampla gama de pessoas. Embora devido ao significado e à forte posição da cultura na música tradicional africana, a música popular africana tende a permanecer dentro das raízes da música popular africana tradicional. O gênero de música, Maskanda, é popular em sua cultura de origem, na África do Sul. Embora Maskanda seja um gênero musical tradicional por definição, as pessoas que o ouvem influenciam os ideais que são trazidos na música. Um artista popular de Maskandi, Phuzekhemisi, teve que diminuir a influência política em sua música para estar pronta para a esfera pública. Seu produtor musical, West Nikosi, estava procurando o sucesso comercial na música de Phuzekhemisi, em vez de iniciar uma controvérsia política.
As canções políticas têm sido uma categoria importante da música popular africana em muitas sociedades. Durante a luta do continente contra o domínio colonial, as canções nacionalistas impulsionaram o moral dos cidadãos. Essas músicas foram baseadas em marchas e hinos ocidentais, refletindo o sistema educacional europeu em que os primeiros líderes nacionalistas cresceram. Nem todas as canções políticas africanas eram baseadas em estilos ocidentais. Por exemplo, na África do Sul, as canções políticas durante o movimento anti-apartheid foram baseadas em estilos tribais tradicionais, juntamente com formas híbridas de gêneros importados. Os ativistas usaram canções de protesto e liberdade para convencer os indivíduos a agir, serem educados com a luta e capacitar os outros a serem politicamente conscientes. Essas músicas refletiam as nuances entre as diferentes classes envolvidas na luta de libertação.
Um dos gêneros que o uso da África para a expressão política é o hip hop. Embora o Hip Hop na África seja baseado no modelo norte -americano, foi refeito para produzir novos significados para os jovens africanos. Isso permite que o gênero seja local e globalmente influente. Os jovens africanos são moldados pela capacidade do gênero de rápido crescimento de comunicar, educar, capacitar e entreter. Artistas que teriam começado em gêneros musicais tradicionais, como Maskanda, se tornaram artistas de hip hop para fornecer uma carreira mais forte para si. Esses rappers se comparam aos artistas tradicionais como o Griot e o contador de histórias orais, que tiveram um papel em refletir sobre a dinâmica interna da sociedade em geral. O hip hop africano cria cultura juvenil, inteligência comunitária e solidariedade global.
Ásia
Indonesia
A música popular na Indonésia pode ser categorizada como formas híbridas de rock ocidental para gêneros originários da Indonésia e em estilo indígena. O gênero de música, Dangdu, é um gênero de música popular encontrada especificamente na Indonésia. Dangdu formou dois outros estilos de música popular, Indo-Pop e Underground, juntos para criar um novo gênero híbrido ou fusão. O gênero pega a instrumentação barulhenta do underground, mas ainda facilita a escuta do Indo-Pop. Dangdu tenta formar muitos gêneros musicais populares, como Rock, Pop e Music Tradicional, para criar esse novo som que se alinha com os gostos dos consumidores. Esse gênero se formou em um movimento social maior que inclui roupas, cultura juvenil, ressurgimento do Islã e a indústria do entretenimento capitalista.
Outra cena musical popular na Indonésia é o punk rock. Esse gênero foi moldado na Indonésia pelas interpretações locais da mídia do maior movimento global punk. Jeremy Wallach argumenta que, embora o Green Day fosse visto como a "morte do punk", na Indonésia, eles eram o catalisador de um movimento punk maior. O punk na Indonésia pede ao mundo de língua inglesa que abraça as seitas globais da cultura punk e fique de mente aberta ao gênero transnacional.
ChinaEm um estudo de 2015 envolvendo jovens estudantes em Xangai, os jovens declararam que gostavam de ouvir os chineses, outras nacionalidades asiáticas e música popular anglo-americana. Existem três maneiras pelas quais os jovens da China foram capazes de acessar a música global. A primeira razão foi uma mudança de política desde o final da década de 1970, onde o país foi aberto ao resto do mundo, em vez de ser independente. Isso criou mais oportunidades para o povo chinês interagir com pessoas fora de seu país de origem para criar uma cultura mais globalizada. A segunda razão é que a indústria da televisão e da música chinesa desde os anos 80 transmite programas de televisão de suas sociedades asiáticas vizinhas e do Ocidente. A terceira razão é o impacto da Internet e dos smartphones na acessibilidade de streaming de música.
Em 2015, os alunos da China representaram 30,2% da população da Internet da China e o terceiro e o quinto usos mais populares da Internet foram respectivamente, música e uso de vídeos na Internet. Os jovens descreveram ser capaz de se conectar às emoções e à linguagem da música chinesa, mas também desfrutaram das melodias encontradas na música anglo-americana. Os alunos também acreditavam que ouvir a música inglesa melhoraria suas habilidades em inglês.
Middle East
A modernização da música no mundo árabe envolveu a inspiração emprestada da música turca e dos estilos musicais ocidentais. O falecido cantor egípcio, Umm Kulthum, afirmou,
"Devemos respeitar a nós mesmos e a nossa arte. Os índios deram um bom exemplo para nós - eles mostram grande respeito por si e por suas artes. Onde quer que estejam, eles usam seu vestido nativo e sua música é conhecida em todo o mundo. Este é o caminho certo. "
Ela discutiu isso para explicar por que o Egito e o mundo árabe precisavam se orgulhar dos estilos musicais populares originários de sua cultura, para que os estilos não se perdessem na modernização. Os músicos locais aprenderam estilos instrumentais ocidentais para criar seus próprios estilos populares, incluindo seus idiomas nativos e características musicais indígenas. As comunidades em todo o mundo árabe valorizam seu alto valor em suas identidades musicais indígenas, enquanto assimilam a novos estilos musicais de países vizinhos ou mídia de massa. Nas décadas de 1980 e 1990, a música popular foi vista como um problema para o governo iraniano por causa dos significados não religiosos da música e dos movimentos corporais da dança ou da cabeça. Durante esse período, o metal se tornou uma subcultura subterrânea popular através do Oriente Médio. Assim como seus colegas ocidentais, os seguidores do metal do Oriente Médio expressaram seus sentimentos de alienação. Mas seus pensamentos vieram da guerra e das restrições sociais à juventude.
Em entrevistas de adolescentes iranianos entre 1990 e 2004, a juventude em geral preferia a música popular ocidental, apesar de ter sido proibida pelo governo. As bandas de rock underground iranianas são compostas por membros jovens, de mente urbana, educados, relativamente abrangentes e globais. O rock iraniano é descrito pelas características que esses membros da banda possuem. Os jovens que participam da música subterrânea no Oriente Médio estão cientes das restrições sociais de seus países, mas não estão otimistas sobre a mudança social. As bandas de rock iranianas assumiram uma posição internacionalista para expressar sua rebelião dos discursos em seus governos nacionais.