Noite em pinturas (arte ocidental)

A representação da noite em pinturas é comum na arte ocidental. As pinturas que apresentam uma cena noturna como tema podem ser pinturas religiosas ou de história, cenas de gênero, retratos, paisagens ou outros tipos de assuntos. Algumas obras de arte envolvem tópicos religiosos ou de fantasia usando a qualidade da luz noturna fraca para criar atmosferas misteriosas. A fonte de iluminação em uma cena noturna - seja a lua ou uma fonte de luz artificial - pode ser retratada diretamente, ou pode estar implícita pelo caráter e coloração da luz que reflete dos sujeitos retratados.

Visão histórica

Começando no início do Renascença, artistas como Giotto, Bosch, Uccello e outros contaram histórias com suas obras pintadas, às vezes evocando temas religiosos e às vezes representando batalhas, mitos, histórias e cenas da história, usando noturno como cenário. Nos séculos XVI e XVII, pintores do falecido renascimento, maneiristas e pintores da era barroca, incluindo El Greco, Ticiano, Giorgione, Caravaggio, Frans Hals, Rembrandt, Velázquez, JUSEPE DE RIBERA frequentemente retratavam pessoas e cenas noturnas no tempo configurações, ilustrando histórias e representações da vida real.

Os pintores do rococo do século XVIII Antoine Watteau, François Boucher, Jean-Honoré Fragonard e outros usaram o tema noturno para ilustrar cenas da imaginação, geralmente com conotações literárias dramáticas, incluindo cenas de contatos secretos e relacionamentos românticos remanescentes do popular 1782 Livro Les Liaisons Dangereuses de Pierre Choderlos de Laclos. Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Jean-Baptiste Greuze, usou os temas da noite para representar ilustrações da vida comum. O poeta e pintor William Blake e o pintor Henry Fuseli usaram a noite em seu trabalho como cenário para muitas de suas visões mais imaginativas. O uso mais dramático da noite pode ser visto na pintura de 1793 de Jacques-Louis David, chamado The Death of Marat, retratando o líder revolucionário francês Jean-Paul Marat após seu assassinato por Charlotte Corday.

A noite em pinturas do século XIX foi usada para transmitir um complexo de diversos significados. Uma reverência mística, religiosa e sublime pela natureza é vista em Caspar David Friedrich, Thomas Cole, Frederick Church, Albert Bierstadt, Albert Pinkham Ryder e outros, enquanto o poderoso e dramático romantismo de Francisco Goya, Théodore Gérricault, e Eugène Delacroix servidos como o que é o dramático de Francisco Goya, Téodore Gérricault, e Eugène Delacroix servidos como a Gricault, e Eugène Delacroix servir A reportagem visual dos eventos atuais e, no caso de Gérricault, revelou um escândalo. Gustave Courbet, que com Honoré Daumier, Jules Breton, Jean-François Millet e outros criaram a escola realista, retratavam pessoas comuns trabalhando duro, viajando ou absorvidas em suas vidas cotidianas, à noite e durante o dia. Os impressionistas e pós-impressionistas do final do século 19 usaram o tema noturno para expressar uma infinidade de idéias emocionais e estéticas vistas mais dramaticamente nas pinturas de Edgar Degas, Paul Cézanne, Vincent Van Gogh e outros.

Simbolismo

Tons pretos e cinzentos geralmente simbolizam a tristeza, o medo, o mistério, as superstições, o mal, a morte, o segredo, a tristeza. A fonte de luz na maioria das pinturas religiosas simboliza esperança, orientação ou divindade.

Nas pinturas de fantasia, a luz poderia simbolizar a magia, como as seguintes linhas de um poema intitulado The Magic: "Há mágica nesta noite, envolto nesta noite, escondida, como uma lâmpada em uma túnica de um velho, há mágica".

História

Século 14

Gaddi, The Angelic Announcement to the Shepherds

Uma das primeiras tentativas de descrever a noite em pinturas foi de Taddeo Gaddi, um pintor e arquiteto italiano. Gaddi, fascinado pela iluminação noturna, descreveu o efeito da luz no anúncio angelical à cena noturna dos pastores. O afresco na Basílica de Santa Croce, em Florença, na Itália, apresenta um anjo incandescente, pois paira sobre um pastor. Contra o céu noturno, o brilho do brilho brilhante do anjo, provavelmente pretendido como "a verificação da presença de Deus e como uma metáfora para a iluminação espiritual", parece assustar o pastor. O uso de cores monocromáticas de Gaddi dentro e ao redor do pastor revela como as cores são empalidecentes devido à notável iluminação.

Giotto, Crucifixion

Giotto di Bondone (1266/7–1337), professor e padrinho de Taddeo Gaddi, criou o afresco da crucificação, um dos múltiplos afrescos que contou a história da vida de Cristo, para a capela da arena. Ele descreve Cristo em uma cruz, enquanto a Virgem Maria é consolada por João. Ajoelhado a seus pés está Maria Madalena e girando no céu acima de Jesus e as cabeças da multidão que observam vários anjos. Giotto descreve a noite e o céu através do uso de um fundo azul profundo no painel afresco e o uso de estrelas no teto azul. Ele foi capaz de criar profundidade e dimensão através do uso de graus incrementais de tons claros e escuros, o precursor do chiaroscuro. Ele também usou a luz de forma a representar a divindade de pessoas e anjos da Bíblia, como fez em outros afrescos na Arena Chapel.

Século 15

A tradição ocidental começou adequadamente no século XV, especialmente com representações em manuscritos iluminados das cenas bíblicas noturnas da anunciação aos pastores da história da natividade e a prisão de Cristo e agonia no jardim na paixão de Cristo.

Très Riches Heures, Christ in Gethsemane

No Livro das Miniaturas, Très Riches Heures du Duc de Berry, o cenário de Cristo em Getsêmani é um apcolítico que prediz a morte de Cristo, através da presença de três cometas no céu noturno.

Uccello, Niccolò Mauruzi da Tolentino at the Battle of San Romano

Niccolò Mauruzi da Tolentino na Batalha de San Romano é uma de uma série de três pinturas que captura a batalha de San Romano. A passagem do tempo, do amanhecer à noite, é ilustrada nas três pinturas com o uso inicial de tons pálidos e pastel e tons cada vez mais escuros à medida que a batalha avança.

Geertgen, Nativity at Night

Influenciado por uma visão de São Bridget da Suécia (1303-1373), a natividade de Geertgen Tot Sint Jans descreve o Jesus infantil que "irradia uma luz e esplendor tão inefáveis, que o sol não era comparável a ele, nem a vela que São José havia colocado lá, dê alguma luz, a luz divina aniquilando totalmente a luz material da vela ". Fortalecendo a mensagem sobre o bebê Jesus ser a fonte de luz, Geertgen descreve a criança como a única fonte de iluminação para a cena principal dentro do estábulo. Aglow são os rostos dos anjos, St. Joseph e Virgin Maria. Embora o fogo dos pastores na colina atrás e o anjo do lado de fora da janela crie uma fonte de luz, é fraca em comparação com a fornecida pela criança. O forte contraste da luz divina contra o escuro é uma ferramenta usada para fazer a cena parecer mais profunda para seus espectadores. A Galeria Nacional de Londres descreve o trabalho de Geertgen como: "Um dos primeiros tratamentos mais envolventes e convincentes da natividade como uma cena noturna.

Annunciation to the Shepherds

No quieto da noite, a única fonte de luz irradia em anunciação para os pastores vem de um anjo que veio contar aos pastores do nascimento do bebê Cristo. A luz é tão brilhante que os pastores de Belém deve proteger seus olhos. Além do anjo surpreendente, a pintura noturna é uma cena agradável e ainda pastoral, com um grupo de anjos à distância.

Século XVI

Dosso Dossi

Dosso Dossi (c. 1490 - 1542), era um pintor renascentista italiano que pertencia à Escola de Pintura Ferrara.

Albrecht Altdorfer

Albrecht Altdorfer (c. 1480-12 de fevereiro de 1538) foi um pintor alemão, gravador e arquiteto do Renascimento da chamada Escola Danúbio, que definiu assuntos bíblicos e históricos contra os antecedentes da paisagem de cores expressivas.

Giuseppe Cesari

Giuseppe Cesari (c. 1568 - 3 de julho de 1640) era um pintor e instrutor de maneiristas italianos de Caravaggio. [Citação necessária]

Século XVII

Adam Elsheimer

O antigo artista barroco Adam Elsheimer criou cenas noturnas altamente originais. Seus trabalhos partiram ligeiramente [citação necessária] de outras obras do período barroco foram dramáticas e abundantemente detalhadas. As pinturas barrocas apresentavam "iluminação exagerada, emoções intensas, liberação de restrição e até uma espécie de sensacionalismo artístico". Os efeitos de iluminação de Elsheimer em geral eram muito sutis e muito diferentes dos de Caravaggio. Ele costuma usar até cinco fontes diferentes de luz e gradua a luz com relativamente suavemente, com as partes menos bem iluminadas da composição frequentemente contendo partes importantes dela.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

Michelangelo Merisi Da Caravaggio era um artista italiano ativo entre 1593 e 1610. Suas pinturas, que combinam uma observação realista do estado humano, tanto físico quanto emocional, com um uso dramático da iluminação, teve uma influência formativa na escola barroca de pintura. A novidade de Caravaggio era um naturalismo radical que combinava uma observação física estreita com um uso dramático, até teatral, de chiaroscuro. Isso passou a ser conhecido como tenebismo, a mudança da luz para a escura com pouco valor intermediário.

Georges de La Tour

Georges de la Tour era um pintor barroco francês que pintou cenas de chiaroscuro principalmente religiosas iluminadas à luz de velas, que foram mais desenvolvidas do que seus antecessores artísticos, mas não tinham efeitos dramáticos de Caravaggio. Ele criou alguns dos trabalhos mais impressionantes desse gênero, retratando uma ampla gama de cenas por luz de velas, desde jogos de cartas até narrativas do Novo Testamento.

Aert van der Neer

O pintor holandês da Idade de Ouro, Aert Van der Neer, era um pintor de paisagem, especializado em pequenas cenas noturnas iluminadas apenas por luar e incêndios, e paisagens de inverno com neve, ambas frequentemente olhando para um canal ou rio.

Anthony van Dyck

Anthony van Dyck (22 de março de 1599 - 9 de dezembro de 1641) foi um artista barroco flamengo e principal pintor da corte na Inglaterra.

século 18

Joseph Turner

Joseph Malled William Turner (23 de abril de 1775 - 19 de dezembro de 1851) era um pintor de paisagem romântica inglesa, que é comumente conhecida como "The Painter of Light".

Joseph Vernet

Claude-Joseph Vernet (14 de agosto de 1714-3 de dezembro de 1789) era um pintor francês cujas paisagens, incluindo as da lua, eram populares entre os aristocratas ingleses. Seu porto de Rochefort (1763, Musée National de la Marine) é particularmente notável; Na peça, Vernet é capaz de alcançar, de acordo com o historiador de arte Michael Levey, um dos seus "céus mais cristalinos e atmosfericamente sensíveis".

Joseph Wright

Joseph Wright, de Derby (3 de setembro de 1734-29 de agosto de 1797), foi uma paisagem inglesa e pintor de retratos que é notável pelo uso do efeito Chiaroscuro, que enfatiza o contraste da luz e da escuridão e por suas pinturas de assuntos de velas. Wright é visto no seu melhor em seus assuntos à luz de velas. Os três cavalheiros observam o 'gladiador' (1765). Um filósofo dando palestras sobre o Orrery mostra um mecanismo precoce para demonstrar o movimento dos planetas ao redor do sol. Um experimento em um pássaro na bomba de ar (1768) mostra que as pessoas reuniram uma redonda observando um experimento precoce da natureza do ar e sua capacidade de sustentar a vida.

Considera -se que essas pinturas factuais também têm significado metafórico, a explosão na luz do fósforo em frente a uma figura orada, significando a transição problemática da fé para a compreensão científica e a iluminação, e as várias expressões sobre as figuras ao redor do pássaro na bomba do ar indicando preocupação com a possível desumanidade da próxima era da ciência.

século 19

Théodore Géricault

Théodore Gériricault (26 de setembro de 1791 - 26 de janeiro de 1824) foi um influente artista francês e um dos pioneiros do movimento romântico.

Atkinson Grimshaw

Atkinson Grimshaw (6 de setembro de 1836-13 de outubro de 1893) era um artista da era vitoriana conhecido por suas cenas noturnas e paisagens da cidade. Sua pintura cuidadosa e habilidade em efeitos de iluminação significavam que ele capturou a aparência e o humor de uma cena em detalhes minuciosos. Suas "pinturas de ruas amaciadas e iluminadas a gás e malhas de beira-mar transportaram um calor assustador, bem como a alienação na cena urbana".

Em Hampstead Hill é considerado um dos melhores trabalhos de Grimshaw, exemplificando sua habilidade com uma variedade de fontes de luz, ao capturar o clima da passagem de Twilight para a noite. Em sua carreira posterior, suas cenas urbanas sob o crepúsculo ou a iluminação da rua amarela eram populares entre seus clientes de classe média.

Na década de 1880, Grimshaw manteve um estúdio de Londres em Chelsea, não muito longe do estúdio de James Abbott McNeill Whistler. Depois de visitar Grimshaw, Whistler observou que "eu me considerava o inventor de Nocturnes até ver as fotos da lua de Grimmy". Ao contrário das cenas noturnas impressionistas de Whistler, Grimshaw trabalhou com uma veia realista: "acentuadamente focado, quase fotográfico", suas imagens inovadas ao aplicar a tradição das imagens rurais da lua na cidade vitoriana, registrando "a chuva e a névoa, as poças e nevoeiro defumado de tarde Inglaterra industrial vitoriana com grande poesia. "

Petrus van Schendel

Petrus van Schendel (1806-1870) foi um pintor romântico holandês, Etcher e desenhista. Van Schendel se especializou em cenas noturnas de mercado holandesas, explorando os efeitos que a luz suave teve sobre seus súditos, como resultado, ele foi nomeado Monsieur Chandelle pelos franceses. Van Schendel foi inspirado por esses famosos antepassados, mas trouxe um humor único do século XIX para suas cenas noturnas. Ele eloquentemente capturou o mundo misterioso dos mercados da cidade iluminados por lâmpadas e luar antes do amanhecer.

James Abbott McNeill Whistler

James Abbott McNeill Whistler (11 de julho de 1834-17 de julho de 1903) era um artista britânico, nascido na América.

A jornada mal aconselhada de Whistler em 1866, até Valparaíso, Chile, resultou nas três primeiras pinturas noturnas de Whistler-que ele chamou de "luar" e depois re-intitulado como "Nocturnes"-cenas noturnas do porto pintadas com uma paleta verde azul ou leve. Mais tarde, em Londres, ele pintou vários mais noturnos nos próximos dez anos, muitos do rio Tamisa e do Cremorne Gardens, um parque de prazer famosos por suas frequentes exibições de fogos de artifício, que apresentaram um novo desafio para pintar. Em seus nocturnos marítimos, Whistler usou tinta altamente diluída como um chão com cor levemente sacudida para sugerir navios, luzes e linha de costa. Algumas das pinturas do Tamisa também mostram semelhanças composicionais e temáticas com as impressões japonesas de Hiroshige.

Em 1877, Whistler processou o crítico de arte John Ruskin por difamação depois que o crítico condenou sua pintura Nocturne em preto e dourado: o foguete que cai. Ruskin acusou Whistler de "pedir a duzentos guinéus por jogar um pote de tinta no rosto do público". Whistler venceu o processo, mas recebeu um imposto por danos. O custo do caso o falou. Foi sugerido que John Ruskin sofria de cadasil e os distúrbios visuais que essa condição o causou poderia ter sido um fator em sua irritação nessa pintura em particular. Whistler publicou seu relato do julgamento no panfleto Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics, incluído em sua arte gentil de fazer inimigos (1890).

século 20

Exemplos famosos

A vigilância noturna, Rembrandt van Rijn

A vigilância noturna ou a companhia de tiro de Frans proibindo o COCQ do pintor holandês Rembrandt van Rijn é uma das pinturas mais famosas do mundo. [Citação necessária] Um de seus elementos -chave é o uso eficaz de luz e sombra (Chiaroscuro). Feito em 1642, descreve a empresa de mesmo nome, liderada pelo capitão Frans proibindo o COCQ (vestido de preto, com uma faixa vermelha) e seu tenente, Willem van Ruytenburch (vestido de amarelo, com uma faixa branca). [Citação necessária] Com o uso eficaz da luz solar e da sombra, Rembrandt leva os olhos aos três personagens mais importantes entre a multidão, os dois cavalheiros no centro (de quem a pintura recebe seu título original) e a menina pequena no fundo esquerdo do centro.

Durante grande parte de sua existência, a pintura foi revestida com um verniz escuro que deu a impressão incorreta de que descreveu uma cena noturna, levando ao nome pelo qual agora é comumente conhecido. O verniz pesado foi descoberto apenas na década de 1940 e a restauração começou após 1975.

O terceiro de maio de 1808, Francisco Goya

O terceiro de maio de 1808 pelo pintor espanhol Francisco Goya comemora a resistência espanhola aos exércitos de Napoleão durante a ocupação de 1808 na guerra peninsular. O conteúdo, a apresentação e a força emocional da pintura garantem seu status como uma imagem inovadora e arquetípica dos horrores da guerra. Embora se baseie em muitas fontes da arte alta e popular, o terceiro de maio de 1808 marca uma ruptura clara da convenção. Divergindo das tradições da arte cristã e representações tradicionais de guerra, não tem precedentes distintos e é reconhecido como uma das primeiras pinturas da era moderna. De acordo com o historiador da arte Kenneth Clark, o terceiro de maio de 1808 é "a primeira grande imagem que pode ser chamada de revolucionária em todos os sentidos da palavra, em estilo, no assunto e em intenção".

É ambientado nas primeiras horas da manhã seguinte à revolta e centra -se em duas massas de homens: uma de um esquadrão de tiro rigidamente equilibrado, o outro um grupo desorganizado de cativos realizados em Point. Executores e vítimas se enfrentam abruptamente por um espaço estreito; Segundo Kenneth Clark, "por um golpe de gênio [Goya] contrastou a repetição feroz das atitudes dos soldados e a linha de aço de seus rifles, com a irregularidade em ruínas de seu alvo". Uma lanterna quadrada situada no chão entre os dois grupos joga uma luz dramática sobre a cena. A iluminação mais brilhante cai sobre as vítimas amontoadas à esquerda, cujos números incluem um monge ou frade em oração. A figura central é o homem brilhantemente iluminado, ajoelhado em meio aos cadáveres ensanguentados dos já executados, seus braços arremessados ​​em recurso ou desafio.

A pintura está estruturalmente e tematicamente ligada às tradições do martírio na arte cristã, como exemplificado no uso dramático de Chiaroscuro, e o apelo à vida justaposto à inevitabilidade da execução iminente. No entanto, a pintura de Goya parte dessa tradição. Trabalhos que descreviam a violência, como os de Jusepe de Ribera, apresentam uma técnica artística e uma composição harmoniosa que antecipam a "coroa do martírio" para a vítima.

A lanterna como fonte de iluminação na arte foi amplamente utilizada por artistas barrocos e aperfeiçoada por Caravaggio. Tradicionalmente, uma fonte de luz dramática e o chiaroscuro resultante eram usados ​​como metáforas para a presença de Deus. A iluminação por tocha ou luz de velas assumiu conotações religiosas; Mas em terceiro de maio, a lanterna não manifesta esse milagre. Em vez disso, oferece luz apenas para que o esquadrão de tiro possa completar seu trabalho sombrio e oferecer uma iluminação gritante para que o espectador possa testemunhar a violência arbitrária. O papel tradicional da luz na arte como um canal para o espiritual foi subvertido.

A noite estrelada, Vincent van Gogh

A noite estrelada, feita pelo artista holandês Vincent van Gogh, descreve sua memória da vista do lado de fora da janela da sala de sanitorium em Saint-Rémy-de-Provence (localizado no sul da França) à noite. Embora Van Gogh não estivesse muito feliz com a pintura, o historiador de arte Joachim Pissarro cita a noite estrelada como um exemplo do fascínio do artista pelo noturno. Uma das peças mais populares de Van Gogh, a pintura é amplamente aclamada como sua magnum opus.

Nighthawks, Edward Hopper

Edward Hopper teve um interesse ao longo da vida em capturar o efeito da luz nos objetos que tocou, incluindo o efeito noturno da luz artificial e feita pelo homem, saindo de janelas, portas e varandas. Nighthawks provavelmente foi o ensaio mais ambicioso de Hopper ao capturar os efeitos noturnos da luz feita pelo homem. Por um lado, as janelas de vidro de lanchonetes causam luz significativa para a calçada e as pedras marrons do outro lado da rua. Além disso, a luz interior vem de mais de uma única lâmpada, com o resultado de que várias sombras são fundidas e alguns pontos são mais brilhantes que outros como conseqüência de serem iluminados por mais de um ângulo. Do outro lado da rua, a linha de sombra causada pela borda superior da janela do restaurante é claramente visível para o topo da pintura. Essas janelas e as abaixo também são parcialmente iluminadas por uma luz de rua invisível, que projeta sua própria mistura de luz e sombra. Como nota final, a luz interior brilhante faz com que algumas das superfícies dentro do restaurante sejam reflexivas. Isso é mais claro no caso da borda direita da janela traseira, que reflete uma faixa amarela vertical de parede interior, mas também podem ser feitos reflexões mais fracas, no balcão, de três dos ocupantes do restaurante. Nenhuma dessas reflexões seria visível à luz do dia. [Citação necessária]

O Império da Luz, René Magritte

Em sua pintura de 1950, o Império da Luz, René Magritte (1898–1967), explora a ilusão de noite e dia e o paradoxo do tempo e da luz. Na metade superior de sua tela, Magritte pinta um céu azul claro e nuvens brancas que irradiam diurno brilhante; Enquanto estava na metade inferior de sua tela abaixo do céu, ele pinta uma rua, calçada, árvores e casas, tudo mergulhado na escuridão da noite. As árvores escuras e as casas escuras parecem estar nas sombras noturnas, no meio da noite; E o Sidewalk Streetlight está ligado para orientar o caminho. Algumas das perguntas implícitas nessas fotos incluem é noturna? É diurno? Ou é apenas uma pintura? O Império da Luz é uma de uma série de pinturas que René Magritte pintou entre 1950 e 1954 que explora sua visão surrealista sobre a ilusão e a realidade, usando noite e dia como assunto.

Galeria

Veja também

Black PaintingsNocturne (painting)History of paintingNight photography

Fontes

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Leitura adicional

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