Pintura da Idade de Ouro Holandesa
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Tipos de pintura
Uma característica distinta do período, em comparação com a pintura européia anterior, era a pequena quantidade de pintura religiosa. O calvinismo holandês proibiu a pintura religiosa nas igrejas e, embora os sujeitos bíblicos fossem aceitáveis em casas particulares, foram produzidos relativamente poucos. As outras classes tradicionais de história e pintura de retratos estavam presentes, mas o período é mais notável para uma enorme variedade de outros gêneros, subdivididos em inúmeras categorias especializadas, como cenas de vida camponesa, paisagens, paisagens da cidade, paisagens com animais, maritime Pinturas, pinturas de flores e imóveis de vários tipos. O desenvolvimento de muitos desses tipos de pintura foi decisivamente influenciado pelos artistas holandeses do século XVII.
A teoria amplamente destacada da "hierarquia de gêneros" na pintura, pela qual alguns tipos eram considerados mais prestigiados que outros, levou muitos pintores a querer produzir pintura de história. No entanto, essa foi a mais difícil de vender, como até Rembrandt encontrou. Muitos foram forçados a produzir retratos ou cenas de gênero, que vendiam muito mais facilmente. Em ordem decrescente de status, as categorias na hierarquia estavam:
history painting, including allegories and popular religious subjects.portrait painting, including the troniegenre painting or scenes of everyday lifelandscape, including seascapes, battlescenes, cityscapes, and ruins (landscapists were the "common footmen in the Army of Art" according to Samuel van Hoogstraten. )still lifeOs holandeses se concentraram fortemente nas categorias "inferiores", mas de forma alguma rejeitaram o conceito de hierarquia. A maioria das pinturas era relativamente pequena - o único tipo comum de pinturas realmente grandes eram retratos de grupo. Pintar diretamente nas paredes dificilmente existia; Quando um espaço de parede em um edifício público precisava de decoração, a tela emoldurada era normalmente usada. Para a precisão extra possível em uma superfície dura, muitos pintores continuaram a usar painéis de madeira, algum tempo depois que o resto da Europa Ocidental os abandonou; Alguns usavam placas de cobre, geralmente reciclando placas da gravura. Por sua vez, o número de pinturas sobreviventes da Era de Ouro foi reduzido por elas serem pintadas demais com novas obras de artistas ao longo dos séculos XVIII e XIX - os pobres eram geralmente mais baratos que uma nova tela, maca e moldura.
Havia muito pouca escultura holandesa durante o período; É encontrado principalmente em monumentos da tumba e anexado a edifícios públicos, e pequenas esculturas para casas são uma lacuna perceptível, seu lugar ocupado por talheres e cerâmica. Os azulejos pintados de Delftware eram muito baratos e comuns, embora raramente de alta qualidade, mas prateados, especialmente no estilo auricular, liderados pela Europa. Com essa exceção, os melhores esforços artísticos estavam concentrados na pintura e na gravura.
O mundo da arte
Os estrangeiros observaram as enormes quantidades de arte produzidas e as grandes feiras onde muitas pinturas foram vendidas - estimou -se aproximadamente que mais de 1,3 milhão de imagens holandesas foram pintadas nos 20 anos após 1640. O volume de produção significava que os preços eram bastante baixos, exceto os artistas mais conhecidos; Como na maioria dos períodos subsequentes, houve um gradiente de preço acentuado para artistas mais elegantes. Aqueles sem uma forte reputação contemporânea, ou que haviam caído de moda, incluindo muitos agora considerados entre os maiores do período, como Vermeer, Frans Hals e Rembrandt em seus últimos anos, tiveram problemas consideráveis para ganhar a vida e morreram pobres; Muitos artistas tinham outros empregos, ou abandonavam a arte. Em particular, a invasão francesa de 1672 (o rampjaar, ou "ano de desastre"), trouxe uma depressão grave ao mercado de arte, que nunca mais voltou a alturas anteriores.
A distribuição de imagens era muito larga: "Sim, muitos times, ferreiros, parques de parques. relatou um viajante inglês em 1640. Houve pela primeira vez a primeira vez que muitos revendedores de arte profissionais, vários também artistas significativos, como Vermeer e seu pai, Jan Van Goyen e Willem Kalf. O revendedor de Rembrandt, Hendrick Van Uylenburgh, e seu filho Gerrit estavam entre os mais importantes. As paisagens eram as obras mais fáceis não comissionadas para vender, e seus pintores eram os "lacaios comuns do Exército da Arte", de acordo com Samuel Van Hoogstraten.
A qualidade técnica dos artistas holandeses era geralmente alta, ainda seguindo principalmente o antigo sistema medieval de treinamento por aprendizado com um mestre. Normalmente, os workshops eram menores do que na Flandres ou na Itália, com apenas um ou dois aprendizes por vez, o número geralmente sendo restrito pelos regulamentos da guilda. A turbulência dos primeiros anos da República, com artistas deslocados do sul se movendo para o norte e a perda dos mercados tradicionais na corte e na igreja, levou a um ressurgimento das guildas de artistas, muitas vezes ainda chamado de Guilda de São Luke. Em muitos casos, eles envolveram os artistas se destacando de agrupamentos medievais, onde compartilharam uma guilda com vários outros negócios, como a Housepinginging. Várias novas guildas foram estabelecidas no período: Amsterdã em 1579, Haarlem em 1590 e Gouda, Roterdã, Utrecht e Delft entre 1609 e 1611. As autoridades de Leiden desconfiavam de guildas e não permitiram uma até 1648.
No final do século, começou a ficar claro para todos os envolvidos que a antiga idéia de uma guilda controlando o treinamento e as vendas não funcionava mais bem, e gradualmente as guildas foram substituídas por academias, geralmente apenas preocupadas com o treinamento de artistas. A Haia, com o tribunal, foi um exemplo inicial, onde os artistas se dividiram em dois grupos em 1656 com a fundação da pictura da confradeira. Com a exceção óbvia dos retratos, muitas outras pinturas holandesas foram feitas "especulativamente" sem uma comissão específica do que era o caso em outros países - uma das muitas maneiras pelas quais o mercado de arte holandês mostrou o futuro.
Havia muitas dinastias de artistas, e muitas se casaram com as filhas de seus mestres ou outros artistas. Muitos artistas vieram de famílias abastadas, que pagaram taxas por seus aprendizados, e costumam se casar com a propriedade. Rembrandt e Jan Steen estavam matriculados na Universidade de Leiden por um tempo. Várias cidades tinham estilos e especialidades distintos por sujeito, mas Amsterdã era o maior centro artístico, por causa de sua grande riqueza. Cidades como Haarlem e Utrecht eram mais importantes na primeira metade do século, com Leiden e outras cidades emergindo após 1648, e acima de tudo Amsterdã, que cada vez mais atraíram artistas do resto da Holanda, bem como Flanders e Alemanha .
Os artistas holandeses estavam surpreendentemente menos preocupados com a teoria artística do que os de muitas nações e menos dados à discussão de sua arte; Parece que também havia muito menos interesse na teoria artística nos círculos intelectuais em geral e entre o público em geral do que era então comum na Itália. Como quase todas as comissões e vendas eram privadas, e entre indivíduos burgueses cujas contas não foram preservadas, elas também são menos bem documentadas do que em outros lugares. Mas a arte holandesa era uma fonte de orgulho nacional, e os principais biógrafos são fontes cruciais de informação. Estes são Karel Van Mander (Het Schilderboeck, 1604), que cobre essencialmente o século anterior, e Arnold Houbraken (De Groote Schouburgh der Nederlantsche Konstschilders en Schildersesten - "The Great Theatre of Dutch Painters", 1718-21). Ambos seguiram e de fato excederam, Vasari, incluindo um grande número de vidas curtas de artistas - mais de 500 no caso de Houbraken - e ambos são considerados geralmente precisos em questões factuais.
O artista alemão Joachim von Sandrart (1606-1688) havia trabalhado por períodos na Holanda, e seu Deutsche Akademie no mesmo formato cobre muitos artistas holandeses que ele conhecia. O mestre de Houbraken e o aluno de Rembrandt, foram Samuel Van Hoogstraten (1627-1678), cujo Zichtbare Wereld e Inleyding Tot de Hooge Schoole der Schilderkonst (1678) contêm mais críticos que informações biográficas e estão entre os tratados mais importantes sobre pintura do período . Como outros trabalhos holandeses sobre a teoria da arte, eles expõem muitos lugares comuns da teoria renascentista e não refletem completamente a arte holandesa contemporânea, ainda frequentemente se concentrando na pintura da história.
Pintura de história
Essa categoria compreende não apenas pinturas que descreviam eventos históricos do passado, mas também pinturas que mostravam cenas bíblicas, mitológicas, literárias e alegóricas. Eventos históricos recentes caíram essencialmente da categoria e foram tratados de maneira realista, como a combinação apropriada de retratos com assuntos marítimos, da cidade ou paisagem. Grandes cenas históricas ou bíblicas dramáticas foram produzidas com menos frequência do que em outros países, pois não havia mercado local para arte da igreja e poucas grandes casas barrocas aristocráticas para preencher. Mais do que isso, a população protestante das principais cidades foi exposta a alguns usos notavelmente hipócritas da alegoria maneirista em propaganda malsucedida de Habsburg durante a revolta holandesa, que havia produzido uma forte reação ao realismo e uma desconfiança da retórica visual grandiosa. A pintura da história era agora uma "arte minoritária", embora, até certo ponto, isso tenha sido corrigido por um interesse relativamente agudo nas versões impressas dos assuntos da história.
Mais do que em outros tipos de pintura, os pintores da história holandesa continuaram sendo influenciados pela pintura italiana. Impressões e cópias de obras -primas italianas circularam e sugeriram certos esquemas de composição. A crescente habilidade holandesa na representação da luz foi trazida para suportar estilos derivados da Itália, principalmente a de Caravaggio. Alguns pintores holandeses também viajaram para a Itália, embora isso fosse menos comum do que seus contemporâneos flamengos, como pode ser visto a partir dos membros do Bentvughels Club em Roma.
No início do século, muitos artistas maneiristas do norte com estilos formados no século anterior continuaram trabalhando, até a década de 1630 nos casos de Abraham Bloemaert e Joachim Wtewael. Muitas pinturas da história eram pequenas em escala, com o pintor alemão (com sede em Roma) Adam Elsheimer, tanto uma influência quanto o Caravaggio (ambos morreram em 1610) em pintores holandeses como Pieter Lastman, Mestre de Rembrandt e Jan e Jacob Pynas. Comparados à história da história barroca de outros países, eles compartilharam a ênfase holandesa no realismo e na franqueza narrativa, e às vezes são conhecidos como "pré-recandtistas", como as primeiras pinturas de Rembrandt estavam nesse estilo.
O caravaggismo de Utrecht descreve um grupo de artistas que produziram pintura de história e geralmente grandes cenas de gênero em um estilo influenciado pela italiano, muitas vezes fazendo uso pesado de chiaroscuro. Utrecht, antes da revolta, a cidade mais importante no novo território holandês, era uma cidade holandesa incomum, ainda cerca de 40% católica em meados do século, ainda mais entre os grupos de elite, que incluíam muitas nobreza rural e nobreza com casas da cidade lá . Os principais artistas foram Hendrick Ter Brugghen, Gerard Van Honthorst e Dirck Van Baburen, e a escola estava ativa por volta de 1630, embora Van Honthorst continuasse até a década de 1650 como um pintor de sucesso dos tribunais em inglês, holandês e dinamarquês em um estilo mais clássico.
Rembrandt começou como pintor de história antes de encontrar sucesso financeiro como retratista, e ele nunca abandonou suas ambições nessa área. Um grande número de suas gravuras é de cenas religiosas narrativas, e a história de sua última comissão de história, a conspiração de Claudius Civilis (1661) ilustra seu compromisso com a forma e as dificuldades que ele teve em encontrar uma audiência. Vários artistas, muitos alunos, tentaram com algum sucesso para continuar seu estilo muito pessoal; Govaert Flinck foi o mais bem -sucedido. Gerard de Lairesse (1640-1711) foi outro deles, antes de cair sob forte influência do classicismo francês, e se tornar seu principal defensor holandês como artista e teórico.
A nudez era efetivamente a reserva do pintor da história, embora muitos retratistas tenham vestido seus nus ocasionais (quase sempre femininos) com um título clássico, como Rembrandt. Apesar de toda a sua sugestão desinibida, os pintores de gênero raramente revelavam mais do que uma generosa decote ou trecho da coxa, geralmente ao pintar prostitutas ou camponeses "italianos".
Retratos
A pintura de retratos prosperou na Holanda no século XVII, pois havia uma grande classe mercantil que estava muito mais pronta para comissionar retratos do que seus equivalentes em outros países; Um resumo de várias estimativas da produção total chega entre 750.000 e 1.100.000 retratos. Rembrandt desfrutou de seu maior período de sucesso financeiro como um jovem retratista de Amsterdã, mas, como outros artistas, ficou entediado com pintura de retratos encomendados de burghers: "Os artistas viajam por essa estrada sem prazer", segundo Van Mander.
Enquanto a pintura de retrato holandês evita a arrogância e a retórica excessiva da corrente aristocrática de retratos barrocos no resto da Europa do século XVII, as roupas sombrias de homens e, em muitos casos de terra em segundo plano mostraria o pecado do orgulho leva a uma semelhança inegável em muitos retratos holandeses, por toda a sua qualidade técnica. Mesmo uma pose em pé geralmente é evitada, pois um comprimento completo também pode mostrar orgulho. As poses não são demonstrativas, especialmente para as mulheres, embora as crianças possam ter mais liberdade. O momento clássico para pintar um retrato foi no casamento, quando o novo marido e mulher muitas vezes ocupou quadros separados em um par de pinturas. Os retratos posteriores de Rembrandt obritam pela força de caracterização e, às vezes, um elemento narrativo, mas mesmo seus primeiros retratos podem ser desanimadores em massa, como na sala cheia de 'Starter Rembrandts' doados ao Metropolitan Museum of Art em Nova York.
O outro grande retratista do período é Frans Hals, cuja famosa pincelada e capacidade de mostrar aos assistentes parecendo relaxados e alegres acrescenta emoção até dos assuntos mais pouco promissores. A extremamente "pose indiferente" de seu retrato de Willem Heythuijsen é excepcional: "nenhum outro retrato desse período é tão informal". A babá era um rico comerciante têxtil que já havia encomendado o único retrato individual de tamanho vital, dez anos antes. Nesse trabalho muito menor para uma câmara privada, ele usa roupas. Jan de Bray incentivou seus assistentes a posar como figuras da história clássica, mas muitas de suas obras são de sua própria família. Thomas de Keyser, Bartholomeus van der Helst, Ferdinand Bol e outros, incluindo muitos mencionados abaixo como história ou pintores de gênero, fizeram o possível para animar trabalhos mais convencionais. O retrato, menos afetado pela moda do que outros tipos de pintura, permaneceu o fallback seguro para os artistas holandeses.
Pelo pouco que sabemos dos procedimentos de artistas do estúdio, parece que, como em outros lugares da Europa, o rosto provavelmente foi desenhado e talvez pintado em uma ou duas pessoas iniciais. O número típico de sessões adicionais não está claro - entre zero (para um comprimento total de Rembrandt) e 50 aparecem documentados. As roupas foram deixadas no estúdio e poderiam ser pintadas por assistentes, ou um mestre especialista trazido, embora, ou porque fossem considerados uma parte muito importante da pintura. Mulheres casadas e nunca casadas podem ser distinguidas por seu vestido, destacando como poucas mulheres solteiras foram pintadas, exceto em grupos familiares. Como em outros lugares, a precisão das roupas mostradas é variável - roupas listradas e estampadas eram usadas, mas os artistas raramente mostram -lhes, evitando compreensivelmente o trabalho extra. Os colares de renda e bagunça eram inevitáveis e apresentaram um desafio formidável aos pintores com a intenção do realismo. Rembrandt evoluiu uma maneira mais eficaz de pintar renda estampada, deitada em amplo Stokes brancos e depois pintando levemente de preto para mostrar o padrão. Outra maneira de fazer isso foi pintar em branco sobre uma camada preta e arranhar o branco com o final do pincel para mostrar o padrão.
No final do século, havia uma moda para mostrar assistentes em um vestido semi-ofensivo, iniciado na Inglaterra por Van Dyck na década de 1630, conhecido como vestido "pitoresco" ou "romano". Aristocrático e milícias, os assistentes se permitiram mais liberdade em vestidos brilhantes e cenários expansivos do que os hambúrgueres, e as afiliações religiosas provavelmente afetaram muitas representações. No final do século, os valores aristocráticos, ou franceses, estavam se espalhando entre os burgueses, e as representações eram permitidas mais liberdade e exibição.
Um tipo distinto de pintura, combinando elementos do retrato, história e pintura de gênero, era o Tronie. Isso geralmente era meio comprimento de uma única figura que se concentrava em capturar um humor ou expressão incomum. A identidade real do modelo não deveria ser importante, mas eles poderiam representar uma figura histórica e estar em traje exótico ou histórico. Jan Lievens e Rembrandt, muitos dos cujos autorretratos também são tronies (especialmente seus gravados), estavam entre os que desenvolveram o gênero.
Os retratos da família tendiam, como na Flandres, a serem colocados ao ar livre em jardins, mas sem uma visão extensa como mais tarde na Inglaterra, e para ser relativamente informal em vestuário e humor. Os retratos de grupo, em grande parte uma invenção holandesa, eram populares entre o grande número de associações cívicas que eram uma parte notável da vida holandesa, como os oficiais das guardas de Schutterij ou milícias de uma cidade, conselhos de curadores e regentes de guildas e fundações beneficentes e o Curti. Especialmente na primeira metade do século, os retratos eram muito formais e rígidos em composição. Os grupos estavam frequentemente sentados em torno de uma mesa, cada pessoa olhando para o espectador. Muita atenção foi dada aos detalhes em roupas e, quando aplicável, a móveis e outros sinais da posição de uma pessoa na sociedade. Mais tarde, os grupos do século se tornaram mais animados e cores mais brilhantes. Os sindicatos de Rembrandt da Guilda dos Drapers são um tratamento sutil de um grupo em torno de uma mesa.
Os cientistas costumavam posar com instrumentos e objetos de seus estudos ao seu redor. Os médicos às vezes posavam juntos em torno de um cadáver, a chamada "lição anatômica", a mais famosa é a lição de anatomia de Rembrandt de Dr. Nicolaes Tulp (1632, Mauritshuis, The Haia). Os conselhos de curadores em seus retratos de Regentenstuk preferiram uma imagem de austeridade e humildade, posando em roupas escuras (que, por seu refinamento, testemunharam sua posição de destaque na sociedade), geralmente sentada em torno de uma mesa, com expressões solenes em seus rostos.
A maioria dos retratos do grupo de milícias foi comissionada em Haarlem e Amsterdã, e era muito mais extravagante e relaxada ou até barulhenta do que outros tipos de retratos, além de muito maiores. Exemplos iniciais mostraram -lhes refeições, mas grupos posteriores mostraram a maioria dos números que representam uma composição mais dinâmica. O famoso Rembrandt, a Companhia Milícia do Capitão Frans, proibindo o COCQ mais conhecido como The Night Watch (1642), foi uma tentativa ambiciosa e não totalmente bem -sucedida de mostrar um grupo em ação, partindo para uma patrulha ou desfile, também inovador para evitar o típico muito típico amplo formato de tais obras.
O custo dos retratos de grupo era geralmente compartilhado pelos assuntos, geralmente não igualmente. O valor pago pode determinar o lugar de cada pessoa na imagem, a cabeça aos pés em todos os regalia em primeiro plano ou face apenas na parte de trás do grupo. Às vezes, todos os membros do grupo pagavam uma quantia igual, o que provavelmente levaria a brigas quando alguns membros ganhavam um lugar mais proeminente na foto do que outros. Em Amsterdã, a maioria dessas pinturas acabaria na posse do Conselho da Cidade, e muitas agora estão em exibição no Museu de Historisch de Amsterdã; Não há exemplos significativos fora da Holanda.
Cenas da vida cotidiana
As pinturas de gênero mostram cenas que apresentam figuras de destaque a quem nenhuma identidade específica pode ser anexada - elas não são retratos ou figuras históricas. Juntamente com a pintura paisagística, o desenvolvimento e a enorme popularidade da pintura de gênero são a característica mais distinta da pintura holandesa nesse período, embora neste caso eles também fossem muito populares na pintura flamenga. Muitos são figuras únicas, como o Milkmaid da Vermeer; Outros podem mostrar grandes grupos em algumas ocasiões sociais, ou multidões.
Havia um grande número de subtipos dentro do gênero: figuras únicas, famílias de camponeses, cenas de taberna, festas de "Merry Company", mulheres trabalhando sobre a casa, cenas de vila ou festividades da cidade (embora estas ainda fossem mais comuns em flamengo pintura), cenas de mercado, cenas do quartel, cenas com cavalos ou animais de fazenda, neve, luar e muito mais. De fato, a maioria deles tinha termos específicos em holandês, mas não havia um termo holandês geral equivalente à "pintura de gênero" - até o final do século XVIII, os ingleses frequentemente os chamavam de "drolleries". Alguns artistas trabalharam principalmente em um desses subtipos, especialmente após 1625. Ao longo do século, as pinturas de gênero tendiam a reduzir o tamanho.
Embora as pinturas de gênero forneçam muitas idéias sobre a vida cotidiana dos cidadãos do século XVII de todas as classes, sua precisão nem sempre pode ser tomada como certa. Normalmente, eles mostram o que os historiadores da arte chamam um "efeito de realidade" em vez de uma representação realista real; O grau em que esse é o caso varia entre artistas. Muitas pinturas que parecem apenas retratar cenas cotidianas realmente ilustraram provérbios e provérbios holandeses ou transmitiram uma mensagem moralista - cujo significado agora pode precisar ser decifrado pelos historiadores da arte, embora alguns sejam claros o suficiente. Muitos artistas, e sem dúvida, compradores, certamente tentaram ter coisas nos dois sentidos, desfrutando da representação de famílias desordenadas ou cenas de bordel, enquanto fornecem uma interpretação moral - as obras de Jan Steen, cuja outra profissão era como estalajadeiro, são um exemplo. O equilíbrio entre esses elementos ainda é debatido pelos historiadores da arte hoje.
Os títulos dados posteriormente às pinturas geralmente distinguem entre "tabernas" ou "pousadas" e "bordéis", mas na prática essas eram muitas vezes os mesmos estabelecimentos, pois muitas tabernas tinham salas acima ou atrás de reservas para fins sexuais: "Inn na frente ; bordel por trás "era um provérbio holandês.
O Steen acima é claramente um exemplo e, embora cada um dos componentes individuais seja retratado realisticamente, a cena geral não é uma representação plausível de um momento real; Normalmente de pintura de gênero, é uma situação que é retratada e satirizada.
A tradição renascentista dos livros de emblemas reconditados tinha, nas mãos dos holandeses do século XVII-quase universalmente alfabetizada no vernáculo, mas principalmente sem educação nos clássicos-transformou-se nas obras popularista e altamente moralista de Jacob Cats, Roemer Visscher, e e outros, muitas vezes baseados em provérbios populares. As ilustrações para essas são frequentemente citadas diretamente nas pinturas e, desde o início do século XX, os historiadores da arte anexam provérbios, ditos e lemas a um grande número de obras de gênero. Outra fonte popular de significado é os trocadilhos visuais usando o grande número de termos holandeses na área sexual: a vagina pode ser representada por um alaúde (Luit) ou meia (kous), e sexo por um pássaro (Vogelen), entre muitos outros outros Opções e símbolos puramente visuais, como sapatos, bicos e jarros e bandeiras do lado deles.
Os mesmos pintores geralmente pintam trabalhos em um espírito muito diferente de donas de casa ou de outras mulheres em repouso em casa ou no trabalho - elas superam massivamente os tratamentos semelhantes de homens. De fato, os homens da classe trabalhadora que praticavam seus empregos estão notavelmente ausentes da arte holandesa da Idade de Ouro, com paisagens povoadas por viajantes e descritos, mas raramente os perfuradores do solo. Apesar da República Holandesa ser a nação mais importante do comércio internacional da Europa e a abundância de pinturas marinhas, cenas de trabalhadores das docas e outras atividades comerciais são muito raras. Esse grupo de sujeitos era uma invenção holandesa, refletindo as preocupações culturais da época, e deveria ser adotada por artistas de outros países, especialmente na França, nos dois séculos seguintes.
A tradição se desenvolveu a partir do realismo e da atividade detalhada da pintura da Holanda, que Hieronymus Bosch e Pieter Bruegel, o Velho, estavam entre os primeiros a se transformarem em seus principais assuntos, também fazendo uso de provérbios. Os pintores de Haarlem Willem Pieterszoon Buytewech, Frans Hals e Esaias Van de Velde foram pintores importantes no início do período. O Buytewech pintou "empresas alegres" de jovens bem vestidos, com significado moralista à espreita nos detalhes.
Van de Velde também era importante como paisagista, cujas cenas incluíam figuras não glamourosas muito diferentes das de suas pinturas de gênero, que normalmente eram colocadas em festas de jardim em casas de campo. Hals era principalmente um retratista, mas também pintou figuras de gênero de um tamanho de retrato no início de sua carreira.
Uma estadia em Haarlem pelo mestre flamengo das cenas de taberna camponesa Adriaen Brouwer, de 1625 ou 1626, deu a Adriaen van Ostade seu assunto ao longo da vida, embora ele frequentemente adotasse uma abordagem mais sentimental. Antes de Brouwer, os camponeses normalmente eram retratados ao ar livre; Ele geralmente os mostra em um interior claro e fraco, embora Van Ostade às vezes ocupe as fazendas ostensivamente decrépitas de tamanho enorme.
Van Ostade era tão provável de pintar uma única figura quanto um grupo, assim como o Utrecht Caravaggisti em suas obras de gênero, e a figura única, ou pequenos grupos de dois ou três se tornaram cada vez mais comuns, especialmente aqueles que incluem mulheres e crianças. A artista mais notável do período, Judith Leyster (1609-1660), especializada nelas, antes que seu marido, Jan Miense Molenaer, prevalecesse nela para desistir da pintura. A Escola Leiden de Fijnschilder ("pintores finos") era conhecida por pinturas pequenas e altamente acabadas, muitos desse tipo. Os principais artistas incluíram Gerard Dou, Gabriel Metsu, Frans van Mieris, o ancião, e mais tarde seu filho Willem van Mieris, Godfried Schalcken e Adriaen van der Werff.
Essa geração posterior, cujo trabalho agora parece exagerado em comparação com seus antecessores, também retratos e histórias pintados, e foram os pintores holandeses mais conceituados e recompensados até o final do período, cujas obras foram procuradas em toda a Europa. As pinturas de gênero refletiam a crescente prosperidade da sociedade holandesa, e os cenários ficaram cada vez mais confortáveis, opulentos e cuidadosamente descritos à medida que o século progredia. Os artistas que não fazem parte do grupo de Leiden, cujos assuntos comuns também eram mais grupos de gênero íntimos incluíam Nicolaes Maes, Gerard Ter Borch e Pieter de Hooch, cujo interesse pela luz em cenas interiores foi compartilhado com Jan Vermeer, uma figura muito obscura, mas agora a figura muito obscura, mas agora as Painter de gênero mais conceituado de todos.
O mudo Hendrick Avercamp pintou quase exclusivamente cenas de inverno de multidões vistas a alguma distância.
Pieter de Hooch, pátio de uma casa em Delft, 1658, um estudo em virtude doméstica, textura e complexidade espacial. A mulher é uma serva.
Judith Leyster, um menino e uma menina com um gato e uma enguia; Várias referências a provérbios ou emblemas foram sugeridas.
Nicolaes Maes, o servo ocioso; Os problemas da empregada doméstica foram objeto de várias obras de Maes.
Paisagens e paisagens da cidade
A pintura paisagística foi um gênero importante no século XVII. As paisagens flamengas (particularmente de Antuérpia) do século XVI serviram como exemplo. Isso não era particularmente realista, tendo sido pintado principalmente no estúdio, em parte pela imaginação, e muitas vezes ainda usando a vista semi-aerial do acima típico da pintura da paisagem da Holanda anterior na tradição "paisagem mundial" de Joachim Patinir, Herri Met de BLES e o primitivo Pieter Bruegel, o Velho. Um estilo de paisagem holandês mais realista desenvolvido, visto a partir do nível do solo, geralmente baseado em desenhos feitos ao ar livre, com horizontes inferiores que tornaram possível enfatizar as formações de nuvem muitas vezes impressionantes que eram (e são) tão típicas no clima da região e e que lançou uma luz particular. Os assuntos favoritos eram as dunas ao longo da costa do mar ocidental, rios com seus prados adjacentes amplos, onde o gado pastava, geralmente com a silhueta de uma cidade à distância. As paisagens de inverno com canais e riachos congelados também abundavam. O mar também era um tópico favorito, já que os países baixos dependiam dele para o comércio, lutou com ele por novas terras e lutavam disso com nações concorrentes.
Os primeiros números importantes da mudança para o realismo foram Esaias van de Velde (1587-1630) e Hendrick Avercamp (1585-1634), ambos também mencionados acima como pintores de gênero - no caso de Avercamp, as mesmas pinturas merecem menção em cada categoria. Desde o final da década de 1620, a "fase tonal" da pintura de paisagem começou, à medida que os artistas suavizavam ou embaçavam seus contornos e se concentravam em um efeito atmosférico, com grande destaque dado ao céu, e figuras humanas geralmente ausentes ou pequenas e distantes. As composições baseadas em uma diagonal em todo o espaço de figuras se tornaram populares, e a água frequentemente apresentava. Os principais artistas foram Jan Van Goyen (1596-1656), Salomon Van Ruysdael (1602-1670), Pieter de Molyn (1595-1661) e em pintura marinha Simon de Vlieger (1601-1653), com uma série de figuras menores - Um estudo recente lista mais de 75 artistas que trabalharam da maneira de Van Goyen por pelo menos um período, incluindo Cuyp.
A partir da década de 1650, a "fase clássica" começou, mantendo a qualidade atmosférica, mas com composições mais expressivas e contrastes mais fortes de luz e cor. As composições são frequentemente ancoradas por uma única "árvore heróica", moinho de vento ou torre ou navio em obras marinhas. O artista líder foi Jacob Van Ruisdael (1628-1682), que produziu uma grande quantidade e variedade de trabalhos, usando todos os sujeitos holandeses típicos, exceto a paisagem italiana (abaixo); Em vez disso, ele produziu paisagens "nórdicas" de florestas de pinheiros escuros e dramáticos com torrentes e cachoeiras apressadas.
Seu aluno era Meindert Hobbema (1638-1709), mais conhecido por sua avenida atípica em Middelharnis (1689, Londres), um afastamento de suas cenas habituais de moinhos de água e estradas através de Woods. Dois outros artistas com estilos mais pessoais, cujo melhor trabalho incluíam imagens maiores (até um metro ou mais), foram Aelbert Cuyp (1620-1691) e Philips Koninck (1619-1688). Cuyp pegou luz italiana dourada e usou -a em cenas noturnas com um grupo de figuras em primeiro plano e atrás deles um rio e uma ampla paisagem. Os melhores trabalhos de Koninck são vistas panorâmicas, como de uma colina, sobre terras agrícolas planas, com um céu enorme.
Um tipo diferente de paisagem, produzido em todas as fases tonais e clássicas, era a paisagem italiana romântica, normalmente em ambientes mais montanhosos do que os encontrados na Holanda, com luz dourada e às vezes pitorescos funcionários e ruínas do Mediterrâneo. Nem todos os artistas especializados neles haviam visitado a Itália. Jan Ambos (m. 1652), que esteve em Roma e trabalhou com Claude Lorrain, foi um desenvolvedor líder do subgênero, que influenciou o trabalho de muitos pintores de paisagens com ambientes holandeses, como Aelbert Cuyp. Outros artistas que trabalharam consistentemente no estilo foram Nicolaes Berchem (1620-1683) e Adam Pijnacker. As paisagens italianas eram populares como impressões, e mais pinturas de Berchem foram reproduzidas em gravuras durante o período em si do que as de qualquer outro artista.
Vários outros artistas não se encaixam em nenhum desses grupos, acima de tudo Rembrandt, cujas paisagens relativamente poucas pintam mostram várias influências, incluindo algumas de Hércules Seghers (c. 1589 - C. 1638); Suas paisagens muito raras do vale da montanha eram um desenvolvimento muito pessoal de estilos do século XVI. Aert van der Neer (m. 1677) pintou cenas muito pequenas de rios à noite ou sob gelo e neve.
As paisagens com animais em primeiro plano eram um subtipo distinto e foram pintadas por Cuyp, Paulus Potter (1625-1654), Albert Jansz. Klomp (1625-1688), Adriaen van de Velde (1636-1672) e Karel Dujar ( 1626–1678, animais de fazenda), com Philips Wouwerman pintando cavalos e cavaleiros em vários ambientes. A vaca era um símbolo de prosperidade para os holandeses, até então ignorados na arte e, além do cavalo, de longe o animal mais comumente mostrado; As cabras foram usadas para indicar a Itália. The Young Bull de Potter é um retrato enorme e famoso que Napoleão levou para Paris (mais tarde retornou), embora os analistas de gado tenham observado a partir da representação das várias partes da anatomia que parece ser um composto de estudos de seis animais diferentes de amplamente Diferentes idades.
A arquitetura também fascinou os holandeses, as igrejas em particular. No início do período, a principal tradição era de palácios fantasiosos e vistas da cidade da arquitetura maneirista do norte, que a pintura flamenga continuou a se desenvolver, e na Holanda foi representada por Dirck Van Delen. Um realismo maior começou a aparecer e os exteriores e interiores dos edifícios reais foram reproduzidos, embora nem sempre fielmente. Durante o século, a compreensão da renderização adequada da perspectiva cresceu e foi aplicada com entusiasmo. Vários artistas especializados em interiores da igreja.
Pieter Jansz Saenredam, cujo pai Jan Saenredam gravou deusas de maneiristas sensuais, pintadas de pontos de vista não oopliados de igrejas da cidade gótica agora caiadas de branco. Sua ênfase na luz e na geometria, com pouca representação das texturas da superfície, é destacada comparando seus trabalhos com os de Emanuel de Witte, que deixados no povo, pisos irregulares, contrastes de luz e uma desordem de móveis da igreja que permaneceu em Igrejas calvinistas, todas geralmente ignoradas por Saenredam. Gerard Houckgeest, seguido por Van Witte e Hendrick van Vliet, complementou a visão tradicional ao longo de um eixo principal da igreja com vistas diagonais que acrescentaram drama e interesse.
Gerrit Berckheyde, especializado em vistas levemente povoadas das principais ruas da cidade, praças e grandes edifícios públicos; Jan van der Heyden preferia cenas mais íntimas das ruas mais tranquilas de Amsterdã, geralmente com árvores e canais. Essas eram visões reais, mas ele não hesitou em ajustá -las para obter efeito composicional.
Jacob van Ruisdael, vista de Haarlem; Ruisdael é uma figura central, com assuntos mais variados do que muitos paisagistas.
Jan ambos, c. 1650, a paisagem italiana do tipo começou a pintar após seu retorno de Roma.
Allaert van Everdingen, c. 1660, a paisagem nórdica do tipo Van Eeverdingen começou a pintar após seu retorno da Noruega e da Suécia.
Jan van Goyen, paisagem de dunas; Um exemplo do estilo "tonal"
O Grande Mercado em Haarlem, 1696, de Gerrit Berckheyde.
Pintura marítima
A República Holandesa confiou no comércio por mar para sua riqueza excepcional, teve guerras navais com a Grã-Bretanha e outras nações durante o período e foi cruzada por rios e canais. Portanto, não é surpresa que o gênero da pintura marítima fosse extremamente popular e levada a novos patamares no período por artistas holandeses; Assim como nas paisagens, a mudança da visão elevada artificial típica da pintura marinha anterior foi um passo crucial. Imagens de batalhas marinhas contaram as histórias de uma marinha holandesa no auge de sua glória, embora hoje geralmente sejam as cenas mais tranquilas que são altamente estimadas. Os navios estão normalmente no mar, e as cenas de doca surpreendentemente ausentes.
Na maioria das vezes, até mesmo pequenos navios voam a tricolor holandesa, e muitos navios podem ser identificados como navais ou um dos muitos outros navios do governo. Muitas fotos incluíam algumas terras, com um ponto de vista de praia ou porto ou uma visão em um estuário. Outros artistas especializados em cenas de rios, desde as pequenas imagens de Salomon Van Ruysdael, com pequenos barcos e bancos de junco até as grandes paisagens italianas de Aelbert Cuyp, onde o sol geralmente está se pondo sobre um rio largo. O gênero naturalmente compartilha muito com a pintura paisagística e, ao desenvolver a representação do céu, os dois foram juntos; Muitos artistas paisagistas também pintaram cenas de praia e rios. Os artistas incluíram Jan Porcellis, Simon de Vlieger, Jan Van de Cappelle, Hendrick Dubbels e Abraham Storck. Willem van de Velde, o ancião e seu filho, são os principais mestres das décadas posteriores, tendendo, como no início do século, para tornar o navio o assunto, enquanto em obras tonais das décadas anteriores a ênfase estava no mar e o clima. Eles partiram para Londres em 1672, deixando o mestre de mares pesados, o Ludolf Bakhuizen, nascido em alemão, como o principal artista.
Ainda vidas
A Still Lifes foi uma ótima oportunidade para demonstrar habilidade em pintar texturas e superfícies em grandes detalhes e com efeitos de luz realistas. Alimentos de todos os tipos estabelecidos em uma mesa, talheres de prata, padrões complexos e dobras sutis em toalhas de mesa e flores, todos desafiados.
Vários tipos de sujeito foram reconhecidos: o Banketje eram "peças de banquetes", ontbijtjes mais simples "peças de café da manhã". Praticamente todas as ainda vidas tinham uma mensagem moralista, geralmente em relação à brevidade da vida-isso é conhecido como tema de vanitas-implícito mesmo na ausência de um símbolo óbvio como um crânio, ou menos óbvio, como um limão meio queiado (como vida, aparência doce, mas amarga a gosto). As flores murcha e comida decai, e prata não é útil para a alma. No entanto, a força desta mensagem parece menos poderosa nas peças mais elaboradas da segunda metade do século.
Inicialmente, os objetos mostrados eram quase sempre mundanos. No entanto, a partir de meados do século, pronkStillevens ("Still Lifes ostensivo"), que retratavam objetos caros e exóticos e foram desenvolvidos como um subgênero na década de 1640 em Antuérpia por artistas flamengos como Frans Snyders e Adriaen Van Utrecht, tornou-se mais popular. As primeiras fases realistas, tonais e clássicas da pintura de paisagem tinham contrapartes na pintura de natureza morta. Willem Claeszoon Heda (1595 - C. 1680) e Willem Kalf (1619-1693) lideraram a mudança para o pronkstilleven, enquanto Pieter Claesz (m. 1660) preferiu pintar mais simples "ontbijt" ("peças de café da manhã"), ou explícitas de vanitas explícitas peças.
Em todos esses pintores, as cores geralmente são muito abafadas, com Browns dominando, especialmente em meados do século. Isso se aplica menos às obras de Jan Davidsz de Heem (1606-1684), uma figura importante que passou grande parte de sua carreira baseada na fronteira em Antuérpia. Aqui, suas exibições começaram a se expandir de lado para formar imagens oblongas amplas, incomuns no norte, embora Heda às vezes pintasse composições verticais mais altas. Os pintores da natureza eram especialmente propensos a formar dinastias, ao que parece: havia muitos de Heems e Bosschaerts, o filho de Heda continuou no estilo de seu pai e Claesz era o pai de Nicholaes Berchem.
As pinturas de flores formaram um subgrupo com seus próprios especialistas e, ocasionalmente, eram a especialidade das poucas mulheres artistas, como Maria Van Oosterwyck e Rachel Ruysch. Os holandeses também lideraram o mundo em desenhos botânicos e outros desenhos científicos, gravuras e ilustrações de livros. Apesar do intenso realismo de flores individuais, as pinturas foram compostas de estudos individuais ou até ilustrações de livros, e as flores de estações muito diferentes foram rotineiramente incluídas na mesma composição, e as mesmas flores reaparecem em trabalhos diferentes, assim como peças de tabela. Havia também uma irrealidade fundamental, pois os buquês de flores em vasos não eram de fato comuns em casas na época-mesmo as flores muito ricas exibiam uma por uma em Delftware Tulipchers.
A tradição holandesa foi amplamente iniciada por Ambrosius Bosschaert (1573-1621), um pintor de flores nascido em flamengo que havia se estabelecido no norte no início do período e fundou uma dinastia. Seu cunhado Balthasar van der Ast (m. 1657) foi pioneiro pioneiro na vida de conchas, além de pintar flores. Esses primeiros trabalhos estavam relativamente iluminados, com os buquês de flores dispostos de maneira relativamente simples. A partir dos acordos de meados do século, que podem ser chamados de barroco, geralmente contra um fundo escuro, tornou-se mais popular, exemplificado pelas obras de Willem Van Aelst (1627-1683). Pintores de Leiden, Haia e Amsterdã se destacaram particularmente no gênero.
O jogo morto, e os pássaros pintados ao vivo, mas estudados dentre os mortos, eram outro subgênero, assim como o peixe morto, um básico da dieta holandesa - Abraham Van Beijeren fez muitos deles. Os holandeses eram menos dados ao estilo flamengo de combinar grandes elementos de vida natureza com outros tipos de pintura - eles seriam considerados orgulhosos em retratos - e o hábito flamengo de pintores especializados colaborando nos diferentes elementos no mesmo trabalho. Mas isso às vezes aconteceu - Philips Wouwerman era ocasionalmente usado para adicionar homens e cavalos para transformar uma paisagem em uma cena de caça ou escaramuças, Berchem ou Adriaen van de Velde para adicionar pessoas ou animais de fazenda.
Willem Van Aelst, Still Life with a Watch (c. 1665), com fundo escuro típico.
Willem Claeszoon Heda, mesa de café da manhã com torta de amora (1631); Heda era famoso por sua representação de superfícies reflexivas.
Jan Davidszoon de Heem, Vanitas (1629)
Jan Weenix, Still Life With A Dead Peacock (1692), ambientado nos jardins de uma grande casa de campo.
Terras estrangeiras
Para os artistas holandeses, Schilderboeck, de Karel Van Mander, foi entendido não apenas como uma lista de biografias, mas também uma fonte de conselhos para jovens artistas. Ele rapidamente se tornou um trabalho padrão clássico para gerações de jovens artistas holandeses e flamengos no século XVII. O livro aconselhou os artistas a viajar e ver os pontos turísticos de Florença e Roma, e depois de 1604 muitos o fizeram. No entanto, é perceptível que os artistas holandeses mais importantes de todos os campos, figuras como Rembrandt, Vermeer, Hals, Steen, Jacob Van Ruisdael e outros não fizeram a viagem.
Muitos pintores holandeses (e flamengos) trabalharam no exterior ou exportaram seu trabalho; A gravura também foi um importante mercado de exportação, pelo qual Rembrandt ficou conhecido em toda a Europa. O presente holandês para Carlos II da Inglaterra foi um presente diplomático que incluía quatro pinturas holandesas contemporâneas. A pintura inglesa dependia fortemente dos pintores holandeses, com Sir Peter Lely seguido por Sir Godfrey Kneller, desenvolvendo o estilo de retrato inglês estabelecido pelo flamengo Anthony Van Dyck antes da Guerra Civil Inglesa. Os pintores marinhos Van der Velde, pai e filho, estavam entre vários artistas que deixaram a Holanda na invasão francesa de 1672, que trouxeram um colapso no mercado de arte. Eles também se mudaram para Londres, e o início da pintura de paisagem inglesa foram estabelecidos por vários pintores holandeses menos distintos, como Hendrick Danckerts.
Os Bamboccianti eram uma colônia de artistas holandeses que introduziram a cena do gênero na Itália. Jan Weenix e Melchior d'Hondecoeter especializados em jogos e pássaros, mortos ou mortos, e estavam em demanda por casas de campo e porte de tiro no norte da Europa.
Embora o controle holandês da região produtora de açúcar do nordeste do Brasil holandês tenha sido breve (1630-54), o governador Johan Maurits van Nassau-Siegen convidou artistas holandeses a pintar cenas que são valiosas para mostrar a paisagem e as pessoas do século XVII que são valiosas para mostrar a paisagem e as pessoas do século XVII. da região. Os dois mais conhecidos desses artistas foram Frans Post, um paisagista e um pintor de natureza morta, Albert Eckhout, que produziu pinturas etnográficas da população do Brasil. Estes foram originalmente exibidos no grande salão do Palácio de Vrijburg em Recife. Havia um mercado em Amsterdã para essas pinturas, e Post continuou a produzir cenas brasileiras por anos após seu retorno à Holanda. As Índias Orientais holandesas foram cobertas muito menos artisticamente.
Paisagem com moinho de açúcar, Frans Post
Paisagem com a casa de um trabalhador, Frans Post
Guerreiro indiano brasileiro, Albert Eckhout
Bananas, Goiaba e outras frutas, Albert Eckhout
Reputação subsequente
O enorme sucesso da pintura holandesa do século XVII dominou o trabalho das gerações subsequentes, e nenhum pintor holandês do século XVIII-nem, sem dúvida, um do século XIX antes de Van Gogh-é conhecido fora da Holanda. No final do período, os artistas estavam reclamando que os compradores estavam mais interessados em mortos do que artistas vivos.
Se apenas por causa das enormes quantidades produzidas, a pintura holandesa da Idade de Ouro sempre formou uma parte significativa das coleções de pinturas mestres antigas, um termo inventado no século 18 para descrever artistas holandeses da Idade de Ouro. Tomando apenas pinturas de Wouwerman em antigas coleções reais, há mais de 60 em Dresden e mais de 50 no Hermitage. Mas a reputação do período mostrou muitas mudanças e mudanças de ênfase. Um fator quase constante tem sido admiração por Rembrandt, especialmente desde o período romântico. Outros artistas mostraram mudanças drásticas no preço crítico da fortuna e no mercado; No final do período, alguns dos ativos de Leiden Fijnschilders tinham enorme reputação, mas desde meados do século XIX obras realistas em vários gêneros foram muito mais apreciados.
Vermeer foi resgatado da obscuridade quase total no século XIX, quando várias de suas obras foram re-atribuídas a outros. No entanto, o fato de muitas de suas obras já estarem em grandes coleções, geralmente atribuídas a outros artistas, demonstra que a qualidade das pinturas individuais foi reconhecida mesmo que sua obra coletiva fosse desconhecida. Outros artistas continuaram sendo resgatados da massa de pintores pouco conhecidos: as imóveis tardios e muito simples de Adriaen Coorte na década de 1950 e os paisagistas Jacobus Mancaden e Frans Post no início do século.
As pinturas de gênero eram populares, mas pouco consideradas. Em 1780, Horace Walpole desaprovou que eles "convidam o riso para se desviar com a indelicidade mais desagradável de boors". Sir Joshua Reynolds, líder inglês da arte acadêmica do século XVIII, fez vários comentários reveladores sobre a arte holandesa. Ele ficou impressionado com a qualidade da maça de leite de Vermeer (ilustrada no início deste artigo) e com a vivacidade dos retratos de Hals, lamentando que ele não tivesse a "paciência" para finalizá -los adequadamente, e lamentou que Steen não tivesse nascido na Itália e formado pelo alto renascimento, para que seu talento pudesse ter sido melhor utilizado. No tempo de Reynold, o aspecto moralista da pintura de gênero não era mais entendido, mesmo na Holanda; O famoso exemplo é a chamada advertência paterna, como era então conhecido, por Gerard Ter Borch. Isso foi elogiado por Goethe e outros pela delicadeza de sua representação de um pai que repreende sua filha. De fato, para a maioria (mas não todos) estudiosos modernos, é uma cena de proposição em um bordel-existem duas versões (Berlim e Amsterdã) e não está claro se uma "moeda reveladora" na mão do homem foi removida ou pintada demais em ambos.
Na segunda metade do século XVIII, o realismo inadimplente da pintura holandesa era um "sabor de Whig" na Inglaterra, e na França associada ao racionalismo da iluminação e aspirações à reforma política. No século XIX, com um respeito quase universal pelo realismo, e o declínio final da hierarquia dos gêneros, os pintores contemporâneos começaram a emprestar dos pintores de gênero, tanto seu realismo quanto seu uso de objetos para fins narrativos, e pintar assuntos semelhantes, Com todos os gêneros, os holandeses haviam pioneiro aparecendo em telas muito maiores (exceto por vida).
Na pintura paisagística, os artistas italianos eram os mais influentes e altamente considerados no século XVIII, mas John Constable estava entre os românticos que os denunciaram por artificialidade, preferindo os artistas tonais e clássicos. De fato, ambos os grupos permaneceram influentes e populares no século XIX.