Pintura ocidental
Content
Pré-história
Aurochs Cave Painting, Lascaux, França
Lascaux, cavalo
Lascaux, touros e cavalos
Petróglifos, da Suécia, Idade do Bronze Nórdico (pintado)
Pictogramas da Grande Galeria, Parque Nacional Canyonlands, Horseshoe Canyon, Utah, c. 1500 aC
Cueva de Las Manos (espanhol para caverna das mãos) na província de Santa Cruz, na Argentina, c. 550 aC [citação necessária]
A história da pintura volta no tempo a artefatos de artistas pré-históricos e abrange todas as culturas. As pinturas mais antigas conhecidas estão no Grotte Chauvet, na França, afirmadas por alguns historiadores de ter cerca de 32.000 anos. Eles são gravados e pintados usando ocre vermelho e pigmento preto e mostram cavalos, rinocerontes, leões, búfalos, mamutes ou humanos frequentemente caçando. Existem exemplos de pinturas de cavernas em todo o mundo - na França, Índia, Espanha, Portugal, China, Austrália etc. Existem muitos temas comuns nos diferentes lugares que as pinturas foram encontradas; implicando a universalidade do propósito e a semelhança dos impulsos que podem ter inspirado os artistas a criar as imagens. Várias conjecturas foram feitas quanto ao significado que essas pinturas tiveram para os artistas que as fizeram. Homens pré -históricos podem ter pintado os animais para "pegar" sua alma ou espírito para caçá -los com mais facilidade, ou as pinturas podem representar uma visão e homenagem animistas à natureza circundante, ou podem ser o resultado de uma necessidade básica de expressão que é inatos para seres humanos, ou podem ser gravações das experiências de vida dos artistas e histórias relacionadas dos membros de seu círculo.
Pintura ocidental
Grécia e Roma
Knossos, civilização minóica, Idade do Bronze Creta
Afresco de uma mulher micênica
Painéis Pitsa, uma das poucas pinturas de painel sobrevivente da Arcaic Greece, c. 540–530 aC
Cena do simpósio na tumba do mergulhador em Paestum, c. 480 aC arte grega
Mural de soldados de Agios Athanasios, Thessaloniki, Antiga Macedônia, século IV aC aC
Detalhes do afresco de banquetes da tumba de Agios Athanasios, Thessaloniki, Grécia, século IV aC aC
Pintura de parede funerária grega hellenística, século III aC aC
Fresco de um antigo soldado macedônio (Thorakitai) usando armadura de corrente e com um escudo de Thureos, século III aC aC
Arte romana, Pompéia, vila dos mistérios, c. 60–50 aC
Arte romana mostrando Hércules e Telefone
Arte romana, Villa Boscoreale Frescos, c. 40 aC
Arte romana, Pompéia
Arte romana, Pompéia
Cena de banquetes, Fresco, Herculano, Itália, c. 50 aC
Arte romana, Fayum Mummy retratos do Egito Romano, c. 120–130 AD
Arte romana da casa de Vettii, Pompéia, século ID do século I ad
Cupids brincando com uma lira, afresco romano de Herculaneum
Fresco romano com uma Vênus sentada, o chamado "Dea Barberini", dC do século IV
Arte romana, Fayum Mummy Retratos do Egito Romano
Silenus tocando a lira, da vila dos mistérios, Pompéia, c. 50 aC
Vidro romano com uma figura pintada de um gladiador, encontrado em Begram, Afeganistão (uma vez parte do Reino Greco-Bactriano, depois sob o Império Kushan), 52-125 Ad
Sinagoga de Dura Europos, Síria Romana, Fresco mostrando David ungido por Samuel, século III DA
A primeira civilização ocidental também é conhecida como civilização minóica. A pintura minóica é a arte produzida pela civilização minóica da Idade do Bronze de cerca de 3000 a 1100 aC, embora as sobreviventes mais extensas e as melhores sejam de aproximadamente 2300 a 1400 aC. Ele faz parte do agrupamento mais amplo da arte do mar Egeu e, em períodos posteriores, chegou por um tempo para ter uma influência dominante sobre a arte cicládica. Como a madeira e os têxteis se decompunham, os exemplos mais bem preservados (e mais instrutivos) sobreviventes da arte minóica são sua arquitetura de cerâmica e palácio (com afrescos que incluem "as primeiras paisagens puras em qualquer lugar"), pequenas esculturas em vários materiais, joalheria, metal vasos e vedações intricadamente esculpidas.
Foi influenciado pelas culturas vizinhas do Egito antigo e do antigo Oriente Próximo, que produziu arte urbana sofisticada por muito mais tempo, mas o caráter da pequena mas rica cidades minoan mercantis era muito diferente, com poucas evidências de grande religião baseada em templo , monarcas, ou guerra, e "todo o poder imaginativo e frescor infantil de uma cultura muito jovem". Todos esses aspectos da cultura minóica permanecem bastante misteriosos. Sinclair Hood descreveu uma "qualidade essencial da melhor arte minóica, a capacidade de criar uma atmosfera de movimento e vida, apesar de seguir um conjunto de convenções altamente formais".
A maior e melhor coleção de arte minóica é no Museu Arqueológico Heraklion ("AMH"), perto de Knossos, na costa norte de Creta. A arte minóica e outros remanescentes da cultura material, especialmente a sequência de estilos de cerâmica, foram usados pelos arqueólogos para definir as três principais fases da cultura minóica (EM, MM, LM) e suas muitas sub-fases. As datas a serem anexadas a elas permanecem muito discutidas, embora dentro de intervalos estreitados.
A relação da arte minóica com a de outras culturas contemporâneas e mais tarde arte grega antiga foi muito discutida. Dominou claramente a arte micênica e a arte cícládica dos mesmos períodos, mesmo depois que Creta foi ocupada pelos micênicos, mas apenas alguns aspectos da tradição sobreviveram à idade das trevas gregas após o colapso da Grécia Micênia.
Ao norte do Egito estava a civilização minóica na ilha de Creta. As pinturas de parede encontradas no palácio de Knossos são semelhantes às dos egípcios, mas muito mais livres em grande estilo.
Por volta de 1100 aC, as tribos do norte da Grécia conquistaram a Grécia e sua arte levou uma nova direção. A cultura da Grécia antiga é digna de nota por suas excelentes contribuições para as artes visuais. A pintura sobre cerâmica da Grécia e cerâmica antiga dá um vislumbre particularmente informativo sobre a maneira como a sociedade na Grécia antiga funcionava. Ainda existem muitos exemplos de pintura de vasos de figuras pretas e pintura de vaso de figuras vermelhas. Alguns pintores gregos famosos que trabalharam em painéis de madeira e são mencionados em textos são Apelles, Zeuxis e Parrhasius; No entanto, com a única exceção dos painéis de Pitsa, nenhum exemplo de pintura de painel grego antigo sobrevive, apenas descrições escritas por seus contemporâneos ou mais tarde romanos. Zeuxis viveu no século V aC e foi considerado o primeiro a usar Sfumato. Segundo Plínio, o Velho, o realismo de suas pinturas era tal que os pássaros tentavam comer as uvas pintadas. Apelles é descrito como o maior pintor da antiguidade e é conhecido para uma técnica perfeita em desenho, cores brilhantes e modelagem.
A arte romana foi influenciada pela Grécia e pode em parte ser tomada como descendente da pintura grega antiga. No entanto, a pintura romana tem características únicas importantes. As pinturas romanas sobreviventes incluem pinturas de parede e afrescos, muitas de Villas na Campânia, no sul da Itália em locais como Pompéia e Herculano. Essa pintura pode ser agrupada em 4 "estilos" principais ou períodos e pode conter os primeiros exemplos de trompe-l'il, pseudo-perspectiva e paisagem pura. Quase os únicos retratos pintados sobrevivendo do mundo antigo são um grande número de forma de busto de busto encontrado no cemitério antigo de Al-Fayum. Embora estes não tenham sido nem o melhor período nem a mais alta qualidade, eles são impressionantes em si mesmos e dão uma idéia da qualidade que o melhor trabalho antigo deve ter tido. Um número muito pequeno de miniaturas de livros ilustrados antigos tardios também sobrevive e um número bastante maior de cópias deles desde o início do período medieval.
Meia idade
Ícone bizantino, século VI
Bizantino, século VI
Livro de Kells
Livro de Kells
Carolíngia
Carolingian Saint Mark
A folha de Morgan, da Bíblia Winchester 1160-75, cenas da vida de Davi
Evangelhos de Yaroslavl c. 1220s
Cimabue
Bonaventura Berlinghieri, St Francis de Assis, 1235
Giottino
Vitale da Bolonha
Simone Martini
Andrei Rublev
Andrei Rublev
Ambrogio Lorenzetti
Pietro Lorenzetti
Duccio
Irmãos de Limbourg
A ascensão do cristianismo transmitiu um espírito diferente e pretende pintar estilos. A arte bizantina, uma vez que seu estilo foi estabelecida no século VI, colocou grande ênfase em reter iconografia e estilo tradicional e evoluíram gradualmente durante os mil anos do Império Bizantino e as tradições vivas da pintura de ícones ortodoxos gregos e russos. A pintura bizantina tem um sentimento hierático e os ícones foram e ainda são vistos como uma representação da revelação divina. Havia muitos afrescos, mas menos deles sobreviveram que os mosaicos. A arte byzantine foi comparada à abstração contemporânea, em sua planicidade e representações altamente estilizadas de figuras e paisagem. Alguns períodos de arte bizantina, especialmente a chamada arte da Macedônia do século X, são mais flexíveis na abordagem. Os afrescos da renascimento paleólogo do início do século XIV sobrevivem na Igreja de Chora em Istambul.
Na Europa católica pós-antiga, o primeiro estilo artístico distinto a surgir que incluiu a pintura foi a arte insular das Ilhas Britânicas, onde os únicos exemplos sobreviventes são miniaturas em manuscritos iluminados, como o Livro de Kells. Eles são mais famosos por sua decoração abstrata, embora figuras, e às vezes cenas, também foram retratados, especialmente em retratos evangelistas. A arte carolíngia e ottoniana também sobrevive principalmente em manuscritos, embora seja uma pintura de parede e mais estejam documentados. A arte desse período combina influências insulares e "bárbaras" com uma forte influência bizantina e uma aspiração de recuperar a monumentalidade e equilíbrio clássico.
Paredes de igrejas românicas e góticas foram decoradas com afrescos, além de escultura e muitos dos poucos murais restantes têm grande intensidade e combinam a energia decorativa da arte insular com uma nova monumentalidade no tratamento de figuras. Muito mais miniaturas em manuscritos iluminados sobrevivem a partir do período, mostrando as mesmas características, que continuam no período gótico.
A pintura de painel se torna mais comum durante o período românico, sob a forte influência dos ícones bizantinos. Em meados do século XIII, a arte medieval e a pintura gótica se tornaram mais realistas, com o início do interesse na representação de volume e perspectiva na Itália com Cimabue e depois seu aluno Giotto. Do Giotto, o tratamento da composição pelos melhores pintores também se tornou muito mais livre e inovador. Eles são considerados os dois grandes mestres medievais da pintura na cultura ocidental. Cimabue, dentro da tradição bizantina, usou uma abordagem mais realista e dramática de sua arte. Seu aluno, Giotto, levou essas inovações a um nível mais alto, que, por sua vez, estabeleceu as fundações para a tradição da pintura ocidental. Ambos os artistas foram pioneiros no movimento em direção ao naturalismo.
As igrejas foram construídas com cada vez mais janelas e o uso de vitrais coloridos se tornam um item básico na decoração. Um dos exemplos mais famosos disso é encontrado na Catedral de Notre Dame de Paris. No século XIV, as sociedades ocidentais eram mais ricas e mais cultivadas e os pintores encontraram novos clientes na nobreza e até na burguesia. Os manuscritos iluminados assumiram um novo personagem e mulheres finas e elegantes vestidas foram mostradas em suas paisagens. Esse estilo logo ficou conhecido como estilo gótico internacional e foi dominante de 1375 a 1425 com pinturas e peças de painéis de temperos e temperas ganhando importância.
Renascença e maneirismo
Jan van Eyck, 1434
Rogier van der Weyden, c. 1435
Hugo van der Goes, c. 1470
Dieric Bouts, 1464-1467
Hans Memling, c. 1466-1473
Petrus Christus, c. 1470
Hieronymus Bosch, c. 1480–1505
Paolo Uccello, c. 1470
Masaccio, 1426-1427
Filippo Lippi, 1440-1445
Andrea Mantegna, c. 1458-1460
Piero della Francesca, 1463-1465
Sandro Botticelli, 1483-1485
Leonardo da Vinci, 1503–1506
Raphael, 1505-1506
Michelangelo, c. 1511
Lucas Cranach, o Velho, c. 1530
Albrecht Dürer, 1500
Matthias Grünewald, 1512-1516
Giovanni Bellini, c. 1480
GiorGione, c. 1505
Pontormo, 1526-1528
Bronzino, 1540-1545
Pieter Bruegel, 1565
Hans Holbein, o mais jovem, 1527
Jacopo Tintoretto, 1582
Paolo Veronese, 1562–1563
Joachim Wtewael, 1595
El Greco, 1596-1600
O Renascimento (francês para 'Rebirth'), um movimento cultural que abrange aproximadamente o 14º até meados do século XVII, foi impulsionado pelo humanismo renascentista e pelo estudo de fontes clássicas. Na pintura, nas décadas de 1420 e 1430, os principais pintores da Itália e os países baixos desenvolveram separadamente novas maneiras de pintar, o que permitia que as pinturas parecessem mais realistas do que nas obras dos pintores estabelecidos, cujo estilo é chamado de gótico internacional, ou em alguns casos como proto-renascentismo (principalmente na Itália). Nesse período, durando até cerca de 1495, ficou conhecido como o início do Renascimento.
Na área de Flandres dos países baixos, após os desenvolvimentos feitos na iluminação de manuscritos, especialmente pelos irmãos Limbourg, que morreram em 1416, os artistas ficaram fascinados pelos tangíveis no mundo visível e começaram a representar objetos de uma maneira extremamente naturalista. A adoção da pintura a óleo cujo primeiro uso nas pinturas de painéis era tradicionalmente, mas erroneamente, creditado a Jan Van Eyck, possibilitou uma nova verossímil em representar esse naturalismo. O meio de tinta a óleo já estava presente no trabalho de Melchior Broederlam (que morreu em 1409), mas Robert Campin (anteriormente conhecido como o mestre de Flémalle) e Van Eyck trouxeram seu uso a novos patamares e empregou -o para representar o naturalismo para que eles estavam apontando. Com esse novo meio, os pintores desse período eram capazes de criar cores mais ricas com uma tonalidade intensa profunda. A ilusão de luz brilhante com um acabamento semelhante a porcelana caracterizou a pintura no início da Holanda e foi uma grande diferença para a superfície fosca da tinta de tempera usada na Itália.
Ao contrário dos italianos, cujo trabalho se destacou fortemente da arte da Roma antiga, os nortistas mantiveram um resíduo estilístico da escultura e manuscritos iluminados da Idade Média (especialmente seu naturalismo). Outro importante pintor da Holanda desse período foi Rogier van der Weyden, um aluno de Campin, cujas composições enfatizaram a emoção e o drama humano, demonstrou, por exemplo, em sua descida da cruz, que está entre as obras mais famosas do século XV e foi a Pintura Holandesa mais influente da crucificação de Cristo. Outros artistas importantes foram Hugo Van der Go Go (cujo trabalho foi altamente influente na Itália), lutas diericas (que estavam entre os primeiros pintores do norte a demonstrar o uso de um único ponto de fuga), Petrus Christus, Hans Memling e Gerard David. Coletivamente, os avanços na pintura na Europa, ao norte dos Alpes, são conhecidos como o Renascimento do Norte.
Na pintura renascentista italiana, a arte da antiguidade clássica inspirou um estilo de pintura que enfatizava o ideal. Masaccio é creditado por fazer avanços na perspectiva linear, a representação do volume em suas figuras e ao retratar emoções nos rostos de suas figuras nos anos 1420. Then, artists such as Paolo Uccello, Fra Angelico, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, and Sandro Botticelli, in the Early Renaissance period lasting to about 1495, and then Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, and Raphael during the High Renaissance de cerca de 1495 a 1520, levou a pintura a um nível mais alto através do uso da perspectiva, o estudo da anatomia e proporção humana e através do desenvolvimento de um refinamento sem precedentes em técnicas de desenho e pintura. Um estilo renascentista um pouco mais naturalista surgiu em Veneza. Pintores da escola veneziana, como Giovanni Bellini, Giorgione, Ticiano e Venenese, estavam menos preocupados com a precisão em seu desenho do que com a riqueza da cor e a unidade de efeito que poderiam ser alcançados por uma abordagem mais espontânea para a pintura.
Os pintores flamengos, holandeses e alemães do alto renascimento do norte, como Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald e Hans Holbein, o jovem, tiveram uma abordagem diferente de seus colegas italianos, mais realistas e menos idealizados. Alguns pintores do norte, começando com Dürer na década de 1490, viajaram para a Itália para ver obras do alto renascimento italiano e incorporaram as características da arte italiana em seus graus variados. Uma geração depois, o início da pintura de gênero como sujeito para grandes obras começou com Peter Aertsen e Pieter Bruegel. Uma geração posterior de pintores renascentistas do norte que viajou para Roma e adotou grande parte da abordagem idealizada do renascimento italiano ficou conhecido como romanista.
A pintura renascentista reflete a revolução das idéias e da ciência (astronomia, geografia) que ocorreu nesse período, a reforma e a invenção da imprensa. A gravura tornou -se cada vez mais importante e praticada por muitos pintores. Dürer, considerado um dos maiores criadores de gravadores, afirma que os pintores não são meros artesãos, mas também pensadores. Com o desenvolvimento da pintura de cavalete no Renascimento, a pintura ganhou independência da arquitetura. Pinturas de cavalete - imagens móveis que poderiam ser penduradas facilmente nas paredes - por uma alternativa popular para pinturas fixadas a móveis, paredes ou outras estruturas. Após séculos dominados por imagens religiosas, o assunto secular retornou lentamente à pintura ocidental. Os artistas incluíam visões do mundo ao seu redor, ou os produtos de sua própria imaginação em suas pinturas. Aqueles que podiam pagar as despesas podem se tornar clientes e comissionar retratos de si mesmos ou de sua família.
O alto renascimento na Itália deu origem a uma arte estilizada conhecida como maneirismo após 1520, embora alguns pintores, como Ticiano e Paolo Veronese, continuassem pintando em um alto estilo renascentista no final do século. No lugar das composições equilibradas e abordagem racional de perspectiva que caracterizava a arte no início do século XVI, os maneiristas buscavam instabilidade, artifício e dúvida. As virgens calmas de Raphael e expressões serenas dos sujeitos de Leonardo são substituídas pelas expressões problemáticas de Pontormo e pela intensidade emocional de El Greco. Composições inquietas e instáveis, muitas vezes efeitos extremos ou disjuntivos da perspectiva, e poses estilizadas são características de maneiristas italianos como Tintoretto, Pontormo e Bronzino, e apareceram mais tarde no trabalho de maneiristas do norte como Hendrick Goltzius, Bartholomeus Spranger e Joachim Wtewael .
Barroco e Rococó
Caravaggio, 1595-1597
Artemisia gentileschi, 1614-1620
Peter Paul Rubens, 1632-1635
Frans Hals, 1624
Judith Leyster, 1630
Rembrandt van Rijn, 1642
Pieter de Hooch, 1658
Johannes Vermeer, c. 1660
Jan Steen, c. 1665
Jacob van Ruisdael, 1670
Willem Claesz. Heda, 1631
Diego Velázquez, 1656-1657
JUSEPE DE RIBERA, 1620–1624
Nicolas Poussin, c. 1637-1638
Georges de la Tour, 1640s
Guido Reni, 1625
Salvator Rosa, c. 1645
Bartolomé Esteban Murillo, c. 1650-1655
Claude Lorrain, 1648
Anthony van Dyck, 1635-1636
Canaletto, 1723
Giovanni Battista Tiepolo, c. 1752-1753
Antoine Watteau, c. 1720
Jean-Honoré Fragonard, c. 1767-1768
François Boucher, 1751
Élisabeth-Louise Vigée-le Brun, depois de 1782
Maurice Quentin de la Tour, c. 1761
Thomas Gainsborough, c. 1770
Joshua Reynolds, 1769
Jean-Baptiste-Siméon Chardin, c. 1728
William Hogarth, c. 1757
Angelica Kauffman, c. 1780
A pintura barroca está associada ao movimento cultural barroco, um movimento frequentemente identificado com o absolutismo e a contra -reforma ou o reavivamento católico; A existência de importantes pinturas barrocas em estados não absolutistas e protestantes também ressalta sua popularidade, à medida que o estilo se espalhou pela Europa Ocidental.
A pintura barroca é caracterizada por um grande drama, cor rica, profunda e intensidade e sombras escuras e propósito da arte de evocar emoção e paixão, em vez da racionalidade calma que havia sido valorizada durante o Renascimento. Os primeiros pintores barrocos incluíram os irmãos Caracci, Annibale e Agostino, na última pontuação do século XVI e Caravaggio na última década do século. Caravaggio é reconhecido como um dos maiores pintores barrocos e um herdeiro da pintura humanista do alto renascimento. Sua abordagem realista da figura humana, pintada diretamente da vida e destacada dramaticamente contra um fundo sombrio, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Barroco era o estilo dominante de pintura, começando por volta de 1600 e continuando ao longo do século XVII. Entre os maiores pintores do barroco estão Rubens, Velázquez, Rembrandt, Frans Hals, Johannes Vermeer, Le Nain, Jusepe de Ribera, Poussin, Tour e Claude Lorraine, que se concentraram na pintura de paisagem. Poussin, Claude e LA Tour, todos franceses, adotaram um estilo barroco "clássico", com menos foco na emoção e maior atenção à saída das figuras da pintura do que na cor. A maioria desses pintores viajava para a Itália como parte de seu treinamento e, em seguida, levava o estilo barroco de volta para suas pátrias, embora em alguns casos tenham permanecido na Itália por grandes porções de sua carreira (Claude e Poussin). Na Itália, o estilo barroco é resumido por pinturas religiosas e mitológicas da maneira grande por artistas como Carracci, Guido Reni e Luca Giordano. Os afrescos do teto da igreja ilusionista de Pietro da Cortona pareciam se abrir para o céu.
Um tipo de barroco muito mais silencioso surgiu na República Holandesa, onde as pinturas de cavacos de disciplinas cotidianas eram populares entre os colecionadores de classe média, e muitos pintores se tornaram especialistas em gênero, outros na paisagem ou paisagem marítima ou natureza morta. Vermeer, Gerard Ter Borch e Pieter de Hooch trouxeram um grande refinamento técnico à pintura de cenas domésticas, assim como Willem Claesz. Heda para a natureza morta. Por outro lado, Rembrandt se destacou na pintura de todos os tipos de sujeito e desenvolveu um estilo pintorly individual no qual os fundos escuro e escuro derivados de Caravaggio e os caravaggistas de Utrecht perdem sua qualidade teatral. A pintura barroca holandesa é frequentemente chamada de pintura holandesa da Idade de Ouro.
Durante o século XVIII, a pintura de Rococo seguiu como uma extensão mais clara de barroca, geralmente frívola e erótica e usando cores pastel leves. O Rococo se desenvolveu primeiro no design decorativo de artes e interiores na França. A sucessão de Louis XV trouxe uma mudança nos artistas do tribunal e na moda artística geral. A década de 1730 representou a altura do desenvolvimento da ROCOCO na França exemplificada pelas obras de Antoine Watteau e François Boucher. O ROCOCO ainda mantinha o sabor barroco por formas complexas e padrões complexos, mas a essa altura começou a integrar uma variedade de características diversas, incluindo um gosto por projetos orientais e composições assimétricas.
O estilo Rococo se espalhou com artistas franceses e publicações gravadas. Foi prontamente recebido nas partes católicas da Alemanha, Boêmia e Áustria, onde foi fundido com as animadas tradições barrocas alemãs. O rococó alemão foi aplicado com entusiasmo às igrejas e palácios, particularmente no sul, enquanto Fredician Rococo se desenvolveu no Reino da Prússia.
Os Masters French Watteau, Boucher e Fragonard representam o estilo, assim como Giovanni Battista Tiepolo e Jean-Baptiste-siméon Chardin, que foram considerados por alguns como o melhor pintor francês do século XVIII-o anti-rococo. O retrato foi um componente importante da pintura em todos os países, mas especialmente na Inglaterra, onde os líderes eram William Hogarth, em um estilo realista, e Francis Hayman, Angelica Kauffman (que era suíço), Thomas Gainsborough e Joshua Reynolds em estilos mais lisonjeiros influenciado por Anthony van Dyck. Na França, durante a era do Rococo, Jean-Baptiste Greuze (o pintor favorito de Denis Diderot), se destacou em retratos e pinturas da história, e Maurice Quentin de la Tour e Élisabeth Vigée-LeBrun foram pintores de retratos altamente realizados. La Tour especializado em pintura em pastel, que se tornou um meio popular durante esse período.
William Hogarth ajudou a desenvolver uma base teórica para a Rococo Beauty. Embora não seja intencionalmente referenciando o movimento, ele argumentou em sua análise da beleza (1753) que as linhas ondulantes e as curvas S proeminentes em Rococo eram a base da graça e da beleza na arte ou na natureza (diferentemente da linha reta ou do círculo no classicismo) . O início do fim para Rococo ocorreu no início dos anos 1760, quando figuras como Voltaire e Jacques-François Blondel começaram a expressar suas críticas à superficialidade e degeneração da arte. Blondel criticou o "ridículo tumulto de conchas, dragões, juncos, palmeiras e plantas" nos interiores contemporâneos.
Em 1785, Rococo havia desistido da moda na França, substituído pela ordem e seriedade de artistas neoclássicos como Jacques-Louis David, cujas imponentes pinturas de história representando eventos históricos e contemporâneos incorporavam os ideais da revolução francesa.
Século XIX: neoclassicismo, pintura de história, romantismo, impressionismo, pós-impressionismo, simbolismo
Jacques-Louis David, 1787
John Singleton Copley, 1778
Antoine-Jean Gros, 1804
John Constable, 1802
Jean-August-Dominique Ingres, 1808
Francisco Goya, 1814
Théodore Gérricault, 1819
Caspar David Friedrich, c. 1822
Karl Brullov, 1827
Eugène Delacroix, 1830
J. M. W. Turner, 1838
Ivan Aivazovsky, 1850
Gustave Courbet, 1849-1850
Albert Bierstadt, 1866
Camille Corot, c. 1867
Camille Pissarro 1872
Claude Monet, 1872
Pierre-Auguste Renoir, 1876
Edgar Degas, 1876
Édouard Manet, 1882
Mary Cassatt, 1893-1894
Valentin Serov, 1887
Vincent van Gogh, 1888
Arnold Böcklin, 1883
Ilya Repin, 1891
Paul Gauguin, 1897-1898
Georges-Pierre Seurat, 1884-1886
Thomas Eakins, 1884-1885
Albert Pinkham Ryder, 1890
Winslow Homer, 1899
Ferdinand Hodler, 1906
Paul Cézanne, 1906
Depois de Rococó, surgiu no final do século XVIII, na arquitetura, e depois na pintura de neoclassicismo severo, melhor representado por artistas como David e seu herdeiro Ingres. O trabalho de Ingres já contém grande parte da sensualidade, mas nenhuma espontaneidade, que era para caracterizar o romantismo.
Em meados do século XIX, os pintores foram libertados das demandas de seu patrocínio para representar apenas cenas da religião, mitologia, retrato ou história. A arte tornou -se mais puramente um meio de expressão pessoal na obra de pintores como Francisco de Goya, John Constable e J. M. W. Turner. Os pintores românticos transformaram a pintura da paisagem em um gênero importante, considerado até então como um gênero menor ou como um pano de fundo decorativo para composições de figuras. Alguns dos principais pintores desse período são Eugène Delacroix, Théodore Gériricault, J. M. W. Turner, Caspar David David e John Constable . O trabalho tardio de Francisco Goya demonstra o interesse romântico pela irracional, o trabalho de Arnold Böcklin evoca mistério, o trabalho da irmandade pré-rafaelita na Inglaterra combina devoção assídua à natureza com a nostalgia pela cultura medieval e as pinturas do movimento estético James Abbott McNeill Whistler evoca sofisticação, decadência e a filosofia da "arte por arte". Nos Estados Unidos, a tradição romântica da pintura paisagística era conhecida como Escola do Rio Hudson: os expoentes incluem Thomas Cole, Frederic Edwin Church, Albert Bierstadt, Thomas Moran e John Frederick Kensett. O luminismo foi um movimento na pintura de paisagem americana relacionada à Hudson River School.
Uma força importante na curva para o realismo em meados do século foi Gustave Courbet, cujas pinturas não propostas de pessoas comuns ofendidas acostumadas ao assunto convencional e acabaram com a arte acadêmica, mas inspirou muitos artistas mais jovens. O principal pintor da Escola de Barbizon, Jean-François Millet, também pintou paisagens e cenas de vida camponesa. Loosamente associado à Escola Barbizon foi Camille Corot, que pintou em uma veia romântica e realista; Seu trabalho prefigura o impressionismo, assim como as pinturas de Johan Jongkind e Eugène Boudin (que foi um dos primeiros pintores de paisagem francesa a pintar ao ar livre). Boudin foi uma influência importante sobre o jovem Claude Monet, que em 1857 ele apresentou à pintura aérea de Plein.
No segundo terço dos impressionistas do século, como édouard Manet, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt e Edgar Degas trabalharam em uma abordagem mais direta do que anteriormente exibido publicamente. Eles evitavam a alegoria e a narrativa em favor de respostas individualizadas ao mundo moderno, às vezes pintadas com pouco ou nenhum estudo preparatório, confiando na destreza do desenho e uma paleta altamente cromática. Monet, Pissarro e Sisley usaram a paisagem como seu principal motivo, a transitoriedade da luz e do clima desempenhando um papel importante em seu trabalho. Seguindo uma prática que se tornara cada vez mais popular em meados do século, eles frequentemente se aventuravam no campo para pintar ao ar livre, mas não com o objetivo tradicional de fazer esboços serem desenvolvidos em obras cuidadosamente acabadas no estúdio. Ao pintar sob a luz solar diretamente da natureza e fazer uso ousado dos pigmentos sintéticos vívidos que estavam disponíveis desde o início do século, eles desenvolveram uma maneira mais clara e mais brilhante de pintura.
Manet, Degas, Renoir, Morisot e Cassatt concentraram -se principalmente no assunto humano. Os cânones figurativos clássicos de Manet e Degas reinterpretaram em situações contemporâneas; No caso de Manet, as re-imaginações se reuniram com a recepção pública hostil. Renoir, Morisot e Cassatt se voltaram para a vida doméstica em busca de inspiração, com Renoir se concentrando no nude feminino. Enquanto Sisley mais estreitamente aderiu aos diretores originais da percepção impressionista da paisagem, Monet buscou desafios em condições cada vez mais cromáticas e mutáveis, culminando em sua série de obras monumentais de lírios de água pintados em Giverny.
Pós-impressionistas como Paul Cézanne e o ligeiramente mais jovem Vincent Van Gogh, Paul Gauguin e Georges-Pierre Seurat levaram a arte ao limite do modernismo. Para o impressionismo de Gauguin, deu lugar a um simbolismo pessoal. Seurat transformou a cor quebrada do impressionismo em um estudo óptico científico, estruturado em composições semelhantes a frisos. A técnica de pintura que ele desenvolveu, chamada D