Planicidade (arte)

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O crítico Clement Greenberg acreditava que a planicidade, ou bidimensional, era uma qualidade essencial e desejável na pintura, um critério que implica rejeição de pintura e impasto. A valorização da planicidade levou a vários movimentos artísticos, incluindo minimalismo e abstacionismo pós-pintro.

O modernismo das artes aconteceu durante a segunda metade do século XIX e se estendeu para a maior parte do dia 20. Esse período de arte é identificado por formas de arte que consistem em uma imagem em uma superfície bidimensional plana. Essa evolução da arte começou na década de 1860 e culminou 50 anos depois. A essa altura, quase todos os trabalhos tridimensionais haviam sido eliminados. Essa nova abordagem para a pintura era criar uma aparência visual de realismo. Olhando para uma superfície com apenas duas dimensões, nossa percepção de profundidade é uma ilusão. A redução da profundidade na pintura foi a conseqüência da investigação. Essa nova essência da auto-análise tentou estabelecer uma experiência ou efeito do espectador da pintura.

Terminologia e história

O termo planicidade pode ser usado para descrever grande parte da popular obra de arte americana das décadas de 1950 e 1960. A arte desse período tinha um design básico e colorido que possuía um grau de forma bidimensional. Assim, o termo nivelamento é usado para descrever este meio. A idéia de base para o minimalismo começou na Rússia em 1913, quando Kazimir Malevich colocou um quadrado preto em um fundo branco alegando que:

"A arte não se importa mais em servir o estado e a religião que não deseja mais ilustrar a história das maneiras, não quer ter mais nada a ver com o objeto como tal, e acredita que pode existir por si mesmo sem as coisas."

Uma das primeiras obras de arte do minimalismo foi criada em 1964 por Dan Flavin. Ele produziu uma escultura de neon intitulada Monument para V. Tatlin. Este trabalho foi uma montagem simplista de tubos de neon que não foram esculpidos ou construídos de forma alguma. A idéia era que eles não deveriam simbolizar nada além de existir apenas. A abordagem minimalista da arte era conceber pela mente antes da execução. Os modos tradicionais de composição artística foram rejeitados em favor da improvisação, espontaneidade e automatismo. Esse novo estilo expressionista consistia em fazer padrões improvisados, onde todo golpe do pincel era visto como expressão e liberdade subjetiva.

Arte pop

Esse conceito inspirou uma nova forma de arte chamada pop art. Ele manteve o esquema de cores e a simplicidade do minimalismo, mas emprestou imagens da cultura pop para se tornarem relacionáveis. Os trabalhos agora em questão mantinham um significado para o espectador com imagens familiares, mas ainda mantinha a abordagem de vanguarda do minimalismo. Pop Art é um movimento bem reconhecido na cultura dos anos 1960. Esse tipo de arte era muito elegante e rebelde. Era selvagem e colorido, mas muitos trabalhos mantiveram a idéia de nivelamento bidimensional.

OP Art

A arte pop caiu de moda e um novo movimento surgiu. Op Art ou Optic Art era agora a última tendência em decoração e moda em casa. Essa forma de arte moderna compartilha um forte relacionamento com o pensamento e o design da cultura da década de 1960. Essa nova forma de arte focou na pintura não objetiva, focada no design, cor, forma e linha. Essas pinturas foram desenhadas à mão ou criadas com uma ajuda mecânica. Eles apresentavam um design bidimensional de aparência plana que poderia parecer aparecer de uma forma quase tridimensional. Algumas peças parecem estar se movendo devido à colocação de forma e linha, criando um truque do olho. Essa forma de arte foi criada para testar os limites da percepção consciente do espectador.

As cores brilhantes não eram mais favorecidas, pois grande parte da arte é preta e branca com pouco uso da cor. Os projetos apresentados migraram de volta à idéia minimalista de arte simplesmente existentes e não representando um ideal. Um artista bem notável desse estilo é Bridget Riley, que moldou a cena artística contemporânea dos anos 50 e 70. Seus trabalhos são projetados para puxar os olhos de tal maneira de esticar e desordenar o sentido perceptivo. Ela é considerada uma artista inovadora no reino da arte moderna. Seu trabalho consiste principalmente de padrões detalhados de linha e círculo para criar um desafio óptico para o espectador.

Riley compõe sua arte com o pensamento em mente de que todos temos uma visão estreita de como vemos as coisas e nossa visão raramente é esticada a novas habilidades. Seu trabalho confronta o observador com novas sensações imaginativas, e o objetivo geral do artista desaparece e é substituído pelo que o espectador concebe. Essa forma de arte não possui tema claro descrito, portanto, permite total liberdade para que alguém componha sua imaginação. O trabalho de Riley ignora o objeto e se concentra no movimento visual para criar um padrão aparentemente interminável. A arte de Riley apareceu na moda daquela época. Padrões semelhantes ainda permanecem populares em roupas hoje.