Resiliência no art
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História
O final do século XIX e XX viu o nascimento de movimentos artísticos, como simbolismo, cubismo e surrealismo, que procuravam se ajustar às grandes mudanças sociais, industriais, econômicas e políticas que estavam ocorrendo na época. Paralelamente a esses movimentos, há uma série de movimentos mais estranhos, como hirsutes, hidropatas, incohérents e movimentos altamente politizados e subversivos, como construtivismo, suprematismo, futurismo e dada. Esses movimentos, combinados com a estética analítica anglo-saxônica da década de 1950, caracterizada pela rejeição da noção de beleza como base da arte, questiona a própria existência da obra de arte como um desempenho humano específico.
A estética analítica baseará a arte no consenso do "mundo da arte", aceitando assim que qualquer objeto possa ser considerado como arte, desde que seja mostrado em um local fornecido para esse fim. Assim, a arte não oferece mais homogeneidade ligada a um substrato cultural, mas uma pluralidade de individualidade. Não se desenrola no tempo, sua duração geralmente se torna efêmera. A beleza é considerada supérflua, afirmando que uma obra de arte não precisa se basear na beleza, pois é auto-suficiente.
A estética analítica está enraizada na filosofia do século XVIII, quando filósofos, como Edmund Burke ou Herbart afirmam que não há beleza existente por si só. A beleza não está no próprio objeto, mas no assunto que experimenta alguma emoção. Pouco a pouco, a idéia de beleza dá lugar ao sentimento de beleza. A definição objetiva da bela se torna impossível, é relegada à avaliação subjetiva do espectador. Assim, a teoria da beleza tem sido um conhecimento baseado na matemática desde que os gregos se tornam um sentimento estético subjetivo. Além disso, as teorias sobre autonomia da feiúra incentivarão a proliferação das produções mais aleatórias, desagradáveis e provocativas no contexto da arte contemporânea. O que se pode argumentar com a estética analítica é que, em suas análises, ele não começa da arte como uma unidade conceitual, mas depende das realizações do artista em um certo momento histórico. Os filósofos analíticos escolhem o trabalho de urinal de Marcel Duchamp e Andy Warhol como base para sua posição e como um novo ponto de partida. O mesmo pode ser dito sobre o pensamento pós-moderno e o "não representável" em Jean-François Lyotard, que também está ligado às histórias européias.
Outros fatores tiveram um impacto significativo na situação confusa da arte hoje. Ao longo do século XX, diferentes áreas de conhecimento se concentraram na arte: filosofia, sociologia, psicanálise, história da arte, economia, o que levou a um desmembramento da própria noção de arte. Cada ramo enfatizou algumas das peculiaridades deste "mundo" muito complexo que é arte. Todo mundo fez contribuições sobre esta ou aquela faceta perdendo de vista a totalidade. Os domínios se separaram, cada um com seus próprios critérios. Como resultado, segue uma conclusão errônea sobre a impossibilidade da definição de arte e a completa ausência da capacidade de julgamento da qualidade das obras, portanto, do reconhecimento de uma produção como arte. O que Lyotard chama de explosão das "grandes narrativas" da modernidade, que imaginou a humanidade envolvida no caminho da emancipação, contribuiu para o advento do assunto autônomo que se torna a finalidade em si. O pensamento pós -moderno valorizará diferenças e particularismos baseados apenas na vontade individual. A partir daí, no nível das artes, é apenas a intenção do artista que conta. Com o aumento da subjetivização, a figura do artista e sua sensibilidade prevalecerão sobre qualquer abordagem racional.
Resiliência no art
A resiliência na arte tende a restaurar os fundamentos da arte sobre a beleza e restaurar a arte à unidade.
In the division of the perception between objective and subjective resilience opposes a joint operation. The beauty in the work is perceived objectively, it is the first fraction of the second where the spectator is in front of the work, then intervenes the subjective judgment in relation to the experience of this one. We now benefit from new knowledge in neurobiology which studies by medical imaging the behavior of the brain in relation to the beauty and where actually we can record these two times in which intervenes in turn the neocortex and the archaic brain. Moreover, every individual instantly recognizes the beautiful as such, which encourages the idea of the beauty based on the structures of the world (see Pythagoras, Influence on art and architecture). Follows the judgment "I like, I do not like" . The indistinction of these two times certainly favored the idea of beauty as a subjective taste. This double factor is in action also during the creation by the artist. On the one hand, it takes into account his experience, his way of seeing the world, his knowledge and intuitions, but also his capacity to capture and restore the world around him. To this is added the quality of elaboration and structuring of the work with the same harmony found in nature.Where contemporary art relies solely on the intention of the artist, resilience sets the artist's responsibility to the community, because art is a receiver of the "image" of the community and acts in parallel on the cohesion of it. Man is a social being, by nature he must live in society to exist, excessive individualism is impossible, these two facets must be harmoniously combined.Theoretically, instead of an split approach, resilience is a systemic approach. At the level of practice, resilience removes the discourse that clutters art productions and focuses on the development of the work.Considering that the quality of a work of art is objectively identifiable, resilience in art rules out random, purely gestural, unsightly, conceptual or only decorative productions. A work of art consists of aesthetic regime and ethical regime. We can rationally judge the aesthetic quality of the work and we can apprehend it by our sensitivity in its "legible" part, in what it "speaks" or what it evokes.Resilience relegates the ephemeral art to the game or the show and opts for the work that projects itself in the long term. One of the reasons is its formative nature.At the formal level, resilience requires the diversity of expressions in place of contemporary art production, which for decades has finally generated instantly recognizable images as "contemporary art" and finished in a new academicism rejecting any other form of art as obsolete.Todas as culturas geram imagens de si mesmas através de imagens artísticas, mas nem todas as imagens de arte são obras de arte. A arte contemporânea que se imponha como arte atual é talvez a imagem da nossa, mas a resiliência é essencial quando se trata de sua qualidade como arte.